C’est un véritable banc d’essai que je vous propose pour évaluer cette nouvelle solution présentée en janvier 2024 par le fabricant israélien de plugins bien connu et leader mondial sur le marché des plugins VST. Elle a été développée en collaboration avec l’ingénieure de mastering américaine Piper Payne.

Ce faisant, nous nous plaçons sur le terrain mouvant et clivant de l’utilité de l’intelligence artificielle. Mais je vous rappelle que la présence d’IA dans les plugins VST n’est sans doute pas réellement une nouveauté.

On peut déjà la déceler dans des plugins très efficaces qui nous facilitent vraiment certaines tâches : denoiser, declicker, debreather, pour n’en citer que quelques uns.

En effet, n’est-ce pas le début de l’intelligence de pouvoir déceler certains paramètres sonores, les modifier de manière relative, au cas par cas, afin d’améliorer automatiquement, mais de manière adaptative un fichier son ?

Une solution complète de mastering on line

Mais là, Waves nous propose une solution complète de mastering en ligne, quasi automatique qui pourrait bien nous faciliter la tâche, nous faire gagner du temps et économiser de l’argent.

En effet, 6 Euros le titre, moins de 60 Euros pour un album 15 titres ! C’est ce qu’on peut appeler casser le marché … Et d’ailleurs, dès la sortie de la solution Waves Online Mastering avec un test gratuit tout au long du mois de janvier 2024, les commentaires ont été immédiats.

« Waves se tire une balle dans le pied… Ils ne vendront plus de plugins de mastering … encore une concurrence déloyale de l’IA … Les studios de mastering vont tous fermer … »

Et là, je vous réponds : « On se calme, les amis ! ».

Tout d’abord, examinons cette solution de plus près et jugeons sur pièces : c’est notre banc d’essai en conditions réelles.

Mixage et mastering du titre

Au moment d’écrire cet article, je venais de terminer mon tout dernier mix d’une petite création musicale sympathique : un remake pop de la chanson tradi Coucou Hibou, bien connue de nos enfants et que nous avons probablement tous chantée à l’école.

Cette version brillante et détonnante a été concoctée par 2 amis musiciens dans leur home studio et j’ai pris beaucoup de plaisir à mixer leur chanson. Voix lead, choeurs, synthés, guitare, percussions : une vingtaine de pistes, une intro, des refrains, des ponts, des chorus, un final. Un peu plus de 4mn de bonheur !

Dans un premier temps, j’ai mixé tout çà et j’ai appliqué ensuite un mastering très minimal dont j’ai l’habitude : avec tout simplement le plugin Waves L1 UltraMaximizer que j’affectionne particulièrement. L’idée était de mastériser une version appropriée au streaming sur les plateformes comme Spotify, par exemple.

Surveillez vos LUFs !

Sans vous expliquer de fond en comble les données techniques pour ce genre de sport, sachez simplement qu’un titre en streaming sera toujours aligné automatiquement en volume par les algorithmes de la plateforme dès son chargement. C’est ce qui assure un fil de streaming cohérent en écoute et permet de passer d’un titre à l’autre sans grosse différence de niveaux.

Voilà pourquoi, les musiciens ou les producteurs qui mettent en ligne ont tout intérêt à respecter à peu près la norme préconisée en terme de niveau de compression de leurs masters. Voilà ce que demandent les principales plateformes musicales en LUFS, qui est, pour résumer, l’unité de mesure de niveau ressenti à l’écoute.

L’acronyme LUFS signifie : Loudness Unit Full Scale. Voici les valeurs recommandées par les principales plateformes et supports :

Pour simplifier, plus vous compressez votre master, plus cette valeur ressentie sera élevée.
Attention : – 9 Lufs sonne donc plus fort que -14 Lufs. Et on en retiendra qu’une valeur moyenne autour de -13 ou -14 Lufs convient pour toutes les plateformes.

Nous insérons donc un plugin qui va mesurer les Lufs, en tout dernier sur la piste master stéréo, comme Izotope Insight ou bien la version gratuite de Youlean Loudness Meter qui est bien suffisante.

Mon mastering maison

Mon premier mastering maison se présente donc de cette manière en sortie : tout d’abord le L1 Ultramaximizer, puis Izotope Insight qui nous donnera en plus des Lufs des mesures de cohérence de notre spectre sonore.

Et je vais caler le seuil de déclenchement du Maximizer pour que mon niveau de Lufs intégré se situe entre -13 et -14.

Vous pouvez écouter cet extrait :

Préparation pour le Waves Online Mastering

Il s’agit maintenant de faire une copie de mon projet mixé sans le mastering et de le préparer pour le Mastering Online selon les prescriptions de Waves.

J’ai donc supprimé le Maximizer qui était présent sur mon bus stéréo out.

Puis j’ai appliqué ces recommandations de Waves :

• Baisser le volume général pour que la sortie module à – 3,8 dbfs
• Baisser également les niveaux de réverb, comme conseillé de – 3db

Et j’ai exporté cette version de mon mix à la même résolution.

Puis je me suis rendu dans mon compte Waves pour m’inscrire gratuitement au Waves Online Mastering.

Une fois connecté, j’ai pu importer mon fichier stéréo. Notons que Waves offre un master gratuit à tout nouvel arrivant. Espérons qu’ils vont continuer à faire ce petit cadeau.

Le fichier est processé et là je comprends que différents styles sont appliqués.

Les 6 options proposées pour le mastering

Une fois le fichier importé et processé, on tombe sur le tableau de bord qui propose 6 options. Il ne serait pas juste de les nommer « réglages », car on n’a aucune visibilité sur ce qui se passe à l’intérieur de chaque option.

J’en déduis qu’il s’agit donc de modélisation, ce qui n’est pas étonnant quand on a affaire à l’Intelligence Artificielle. Elle n’est pas capable de créer, d’inventer, de s’adapter à des cas particuliers. Mais elle sait très bien se débrouiller à partir de modèles qu’on lui a proposés.

Notons que les gens de Waves ne sont pas très bavards à ce sujet et ça se comprend très bien. Pas envie de se faire piquer leur technologie par des concurrents. Aussi, ils n’expliquent rien et se contentent d’arguments commerciaux pour trouver des clients.

Voilà les 6 options proposées en 2 catégories : « style » et « add tone » :

Ce qui est génial, c’est qu’il est possible de pré-tester les styles pour entendre comment va sonner le master. Il faut choisir un style et tout se passe donc à l’oreille.

Pour ma part, le style qui me convenait le mieux était « Précis ». C’est celui qui respectait le mieux l’esprit de mon mix.

Les corrections de tonalité proposées sont assez transparentes :

Profondeur : renforcement des basses
Présence : ça ressemble tout à fait à une classique bosse de présence autour de 5000Hz

Notons qu’il est possible d’appliquer ces 2 corrections en même temps et le son devient alors beaucoup plus punchy. Un son très rap, hip-hop bien rentre-dedans…

Après écoute des corrections proposées, j’ai jugé que mon mix était bien équilibré, je n’ai fait aucune de ces corrections de tonalité. Mais là encore je ne peux me fier qu’à ce que j’entends.

Exportation du master

L’exportation du master se fait en 2 temps. Le master est généré, je peux l’écouter sur le tableau de bord. A ce stade, je peux faire aussi d’autre versions en choisissant d’autres options et les générer pour pouvoir comparer.

Si je veux downloader mon fichier mastérisé, c’est là qu’intervient le paiement. Pour commencer, j’ai droit à mon premier master gratuit, donc j’en profite.

Ça me paraît très compressé…

Je m’empresse de vérifier les Lufs de ce master et là : surprise ! Les niveaux atteints sont de + 0,2 dbfs et le Loudness est à – 9 Lufs. Ce master est décidément trop compressé. Adapté au support CD, mais pas du tout aux plateformes de streaming (voir plus haut : les spécifications).

Là je vois un gros défaut au système : il m’a été impossible de vérifier mes Lufs avant d’exporter le master.

Importer une musique de référence

Et c’est là que je comprends qu’une fonction m’avait échappée : la « Référence  » . En effet il est possible de télécharger une musique de référence dont l’IA va s’inspirer pour faire le master.

Ça peut être un titre du commerce, si vous tenez vraiment à sonner comme telle ou telle chanson. J’imagine assez bien un producteur de rap qui va vouloir sonner comme Doctor Dre ou Snoop Dogg.

Dans mon cas, je me figure que je vais lui donner comme référence mon master maison calibré à -13,9 Lufs pour voir s’il va comprendre ce que je cherche.

Ce que je fais et j’exporte un nouveau master. Notons au passage qu’ayant épuisé mon crédit, je dois maintenant payer mon master 6$.

Et là, bingo ! C’est beaucoup mieux : niveau : -0,1 dbfs et Lufs : -13,4. Pas mal : j’ai été compris. Vous pouvez écouter le résultat et voir les mesures à gauche de la première version et à droite de la version avec référence :

Les Pour et les Contre

En comparant, mon master maison et ce master Waves IA, je constate que ça sonne à peu près pareil, ni mieux, ni moins bien. Faites le test vous-même : écoutez les 2 masters.

La principale différence que j’entends est celle-ci : l’introduction du morceau cartonne un peu plus que ce que j’avais choisi de faire et le final aussi. Force est de constater que ce n’est pas vraiment une amélioration, mais plutôt un choix subjectif que je n’avais pas fait.

Mais entre les deux, ça se ressemble beaucoup. Pas vraiment étonnant, l’IA a somme toute bien copié ce que je lui avais donné en référence : mon master maison.

Pour conclure

A moins que Waves n’améliore cette solution dans le futur, elle est sans aucun doute destinée à des home studistes qui ne connaissent rien au mastering. Et là elle fait très bien le job en proposant des masters corrects à un prix très bas.

Mais au delà de ça, si ces utilisateurs amateurs ne vont pas chercher plus loin, ils ne pourront guère gérer correctement le mastering propre aux différents supports, car il n’y a aucun contrôle prévu des Lufs.

Pour les autres, plus pros, qui savent mixer correctement et mastériser un minimum, cette solution ne leur apportera probablement rien. Je vois toutefois une utilité : pouvoir vérifier si son propre mastering est correct et comparer différentes options de mastering possibles en testant avec les styles et les Add Tone.

En fin de compte, je vois aussi là une occasion salutaire de démystifier le mastering.

Pour aller plus loin

Composition Musicale Assistée par IA

Son utilisation pour composer de la musique est peut-être l’un des aspects les plus fascinants de la technologie dans le domaine musical. Des systèmes comme Google’s Magenta ou IBM’s Watson Beat utilisent des algorithmes d’apprentissage profond pour générer de la musique en se basant sur une variété de styles et de genres.

Cette technologie permet aux musiciens de s’inspirer de nouvelles mélodies, harmonies et rythmes, en repoussant les limites de leur créativité.

Exemples Notables

– AIVA (Artificial Intelligence Virtual Artist) est un autre exemple, un compositeur d’IA qui a créé des pièces pour films, jeux vidéo et publicités.
– Des applications comme Amper et Jukedeck permettent même aux non-musiciens de créer des accompagnements musicaux personnalisés.
– Toutefois, il ne faut pas se faire d’illusions : ces applications sont à considérer comme des outils au service du compositeur et elles ne remplacent pas son instinct, son imagination et son talent.

Enregistrement et Édition Optimisés par IA

Dans le domaine de l’enregistrement, l’IA facilite la vie des ingénieurs du son en automatisant des tâches répétitives. Par exemple, des logiciels comme iZotope’s RX l’utilisent pour identifier et réparer les problèmes de qualité sonore tels que le bruit de fond, les clics ou les bruits de bouche.

Restauration d’anciens disques vinyles : le plugin VST Izotope permet de déclicker et décraquer automatiquement une numérisation d’un vieil album vynil. Enlever ces clics manuellement est toujours possible, mais l’opération est très longue.

Nettoyer un speak de podcast ou un commentaire de film : le plugin VST Waves Debreath détecte et atténue automatiquement les bruits de respiration dans la voix parlée. Notons qu’un réglage fin est nécessaire pour que l’opération fonctionne proprement selon la voix concernée.

Avantages Clés

– Gain de temps considérable dans le processus d’édition.
– Précision accrue dans l’identification et la correction des défauts sonores.
– Bon nombre de plugins VST utilisent l’intelligence artificielle depuis plusieurs années sans qu’on s’en aperçoive.

Mixage et Mastering Assistés par IA

Le mixage et le mastering sont deux autres domaines où l’IA apporte une révolution. Des outils comme LANDR ou iZotope’s Ozone offrent des solutions de mixage et mastering automatisées, en analysant la musique et en appliquant des modifications pour améliorer la qualité sonore. Ces outils sont particulièrement utiles pour les producteurs indépendants ou les artistes travaillant avec des budgets limités.

Points Forts

– Accessibilité accrue pour les artistes indépendants, les producteurs en home studio.
– Résultats rapides et de qualité professionnelle.

IA et Expérimentation Musicale

L’IA ouvre également la porte à des expérimentations musicales inédites. Des artistes comme Holly Herndon ont intégré l’IA dans leur processus créatif, utilisant des voix générées par IA pour créer des chansons uniques. Cela montre que l’IA n’est pas seulement un outil technique, mais aussi un moyen d’explorer de nouvelles formes d’expression artistique.

Toutefois, il faut noter que ces expérimentations ne permettent pas d’arriver à un résultat à la même hauteur que l’invention humaine. Là aussi il faut savoir utiliser l’IA ou même inventer de nouveaux processus pour l’utiliser.

Défis et Perspectives

Malgré ces avancées, l’utilisation de l’IA dans la musique soulève des questions éthiques et des défis. La question des droits d’auteur sur la musique générée par IA et le risque de réduction de l’emploi dans l’industrie musicale sont des sujets de débat. Néanmoins, l’IA dans la musique offre des perspectives passionnantes, en particulier en matière d’accessibilité et de démocratisation de la production musicale.

Perspectives Futures

– Croissance continue des outils d’IA dans la musique.
– Collaboration accrue entre musiciens et développeurs d’IA.
– Savoir faire des musiciens à développer dans l’utilisation de l’IA.

L’IA dans l’Éducation Musicale et la Formation

Son impact s’étend également au domaine de l’éducation musicale. Des applications basées sur l’IA telles que Yousician ou Flowkey permettent aux apprenants de tous niveaux d’accéder à des tutoriels personnalisés et à des feedbacks en temps réel. Bien utilisés, ces outils rendent l’apprentissage de la musique plus interactif et accessible.

Avantages en Éducation :

– Apprentissage personnalisé basé sur le niveau et les progrès de l’élève.
– Feedback immédiat, rendant l’apprentissage plus efficace.

Analyse et Recherche Musicale Assistées par IA

La recherche musicologique comme tout type de recherche, bénéficie également de l’IA. Des algorithmes complexes sont utilisés pour analyser des compositions, identifier des tendances dans la musique populaire, et même étudier les œuvres de compositeurs classiques sous un nouveau jour. Cela ouvre de nouvelles perspectives pour comprendre l’évolution de la musique à travers le temps.

Applications en Recherche :

– Analyse de vastes catalogues musicaux pour identifier des motifs récurrents.
– Compréhension approfondie des styles et des influences musicales.

L’IA dans le Marketing et la Distribution Musicale

Le marketing et la distribution de musique ne sont pas en reste. Elle peut aider les artistes et les labels à analyser les tendances du marché, à prédire les succès potentiels, et à personnaliser les campagnes marketing pour atteindre efficacement leur public cible.

Stratégies Marketing :

– Analyse prédictive pour identifier les futurs hits.
– Personnalisation des recommandations musicales pour les auditeurs.
– Développer des campagnes de promotion

Personnalisation de l’Expérience Auditive

L’IA contribue également à améliorer l’expérience d’écoute. Des systèmes comme Spotify’s Discover Weekly utilisent des algorithmes pour recommander de la musique basée sur les préférences de l’utilisateur, créant une expérience d’écoute unique et personnalisée.

Impact sur les Auditeurs :

– Découverte de nouveaux artistes et genres adaptés aux goûts personnels.
– Amélioration de l’expérience utilisateur grâce à des playlists personnalisées.
– L’impact est aussi négatif car la passivité des auditeurs en est fortement encouragée.

Développement Durable et IA en Musique

Enfin, l’IA peut jouer un rôle dans la promotion du développement durable dans l’industrie musicale. Par exemple, en optimisant les ressources nécessaires pour les tournées et les concerts, ou en aidant à la création de matériaux plus durables pour les instruments.

Contributions Écologiques :

– Réduction de l’empreinte carbone des tournées grâce à une meilleure planification.
– Innovation dans la fabrication d’instruments plus écologiques.
– Là encore, l’IA peut aussi encourager la passivité, décourager les initiatives et elle n’est pas le seul outil dans le domaine et loin de là.

Conclusion

L’intelligence artificielle est-elle en train de redéfinir, de révolutionner la création musicale ? On peut très fortement en douter. Mais il est indéniable qu’elle offre, de la composition à la production, des outils et des possibilités nouvelles pour les artistes, les producteurs et les ingénieurs du son.

Comme toute technologie, elle présente ses propres défis, mais son potentiel pour enrichir les outils de la musique est indéniable. En tant que musiciens et passionnés de son, il est essentiel de rester informés et d’explorer les opportunités offertes par cette révolution technologique.

L’intégration de l’IA dans la musique ne se limite pas à la création et à la production ; elle s’étend à l’éducation, à la recherche, au marketing, à l’expérience utilisateur et même à la durabilité.

Cette technologie révolutionne non seulement la façon dont la musique est créée, mais aussi comment elle est enseignée, partagée et expérimentée. En tant qu’acteurs de l’industrie musicale, il est essentiel de rester à l’avant-garde de cette évolution, en exploitant le potentiel de l’IA pour enrichir et diversifier le paysage musical.

Pour aller plus loin

Depuis les années 60, la musique a subi une transformation radicale, non seulement dans ses styles, mais surtout dans ses méthodes de création et de production en studio. L’avènement du home studio et la transition de l’analogique au numérique ont révolutionné la façon dont les musiciens composent, enregistrent et produisent leur art.

Vous pouvez aussi écouter cet article en podcast :

L’ère du Home Studio : Composer avec les Sons

Le concept de home studio, autrefois un luxe, est aujourd’hui à la portée de presque tous les musiciens. Fini le temps où il fallait réserver un studio d’enregistrement coûteux pour produire de la musique.

À présent, un ordinateur, quelques logiciels, de bonnes idées et une formation minimale suffisent pour créer des chefs-d’œuvre. Les sons eux-mêmes sont devenus une source d’inspiration infinie, permettant aux artistes d’explorer des territoires musicaux inconnus.

Ce qui n’empêche pas parfois de finaliser et mastériser une production dans un studio professionnel. Mais la différence de qualité entre home studio et studio pro est de plus en plus réduite.

La Théorie Musicale à l’Arrière-Plan

Dans ce nouvel univers musical, la théorie traditionnelle, solfège et harmonie, bien que toujours utile, n’est plus un prérequis indispensable. Les musiciens modernes s’appuient davantage sur leur oreille et leur intuition pour composer.

Cette approche a ouvert les portes à de nombreux artistes qui, autrefois, auraient été exclus du monde de la musique faute de connaissances théoriques. Et elle rejoint en fin de compte les musiques traditionnelles qui sont depuis toujours des musiques orales. Elles ne s’écrivent pas et les musiciens y jouent à l’oreille.

De l’Analogique au Numérique : la Révolution Technique

Les années 60 ont vu l’apogée des studios analogiques, avec leurs bandes magnétiques et leurs consoles imposantes. Puis, l’ère numérique est arrivée.

Les ordinateurs et les logiciels ont remplacé les équipements lourds et coûteux, rendant la qualité studio accessible à tous. Cette transition a également permis une plus grande expérimentation et une plus grande souplesse en facilitant les prises alternatives et la correction des erreurs.

Le Compositeur-Producteur en Prise Directe avec les Sons

Aujourd’hui, le compositeur n’est plus seulement un créateur de mélodies, mais aussi un artisan du son. Il manipule, transforme et fusionne les sons pour créer des œuvres uniques. Cette proximité directe avec la matière sonore offre une liberté créative sans précédent.

Il aura fallu plus d’un siècle pour en arriver là. Car cette histoire commence à la fin du 19ème siècle quand, pour la première fois, on a réussi à enregistrer des sons, de la musique pour pouvoir l’écouter ailleurs et/ou plus tard.

Et c’est immédiatement la naissance de la radio et de l’industrie phonographique. La toute première révolution dans le domaine de la création musicale.

Du Papier à Musique au Studio

A partir de ce moment-là, le studio moderne a petit à petit, graduellement, à petits pas technologiques, remplacé le papier à musique comme principal outil de composition.

Et maintenant, les musiciens peuvent visualiser leurs compositions sur des écrans, travaillant avec des ondes sonores plutôt qu’avec des notes sur une portée. Cette évolution progressive a conduit à une musique plus expérimentale et innovante.

Mais au fait, de quand date cette modernité ?

Les Visionnaires de l’Évolution Musicale

Bien avant l’ère numérique, des compositeurs pionniers comme Pierre Schaeffer, John Cage et le canadien Murray Schafer ont prédit cette révolution.

Dès les années 50, ils ont vu dans les sons du quotidien et les objets sonores enregistrés une nouvelle forme de musique, anticipant une ère où les sons enregistrés et manipulés deviendraient une des bases importantes de la création musicale.

Voici 2 exemples de leur vision dans la 2ème moitié du 20ème siècle an pleine ère de l’enregistrement analogique :

« C’est par une coïncidence frappante que les moyens techniques nous sont donnés, précisément aujourd’hui pour attirer l’attention sur ce fait indéclinable de l’existence des sons. La technique du 20ème siècle nous procure l’espace total des sons. » Daniel Charles – Gloses sur John Cage

« Tout son est aujourd’hui en permanence susceptible d’entrer dans le domaine de la musique. Le nouvel orchestre, c’est l’univers acoustique. » Murray Schafer – Le Paysage Sonore

Encore plus fort, le français Pierre Schaefer inventait à la fin des années 40 la musique concrète et théorisait la position et la méthode du compositeur expérimental dans son studio. Il enregistre un son, l’écoute, le modifie, l’écoute à nouveau pour en faire plusieurs versions et commence à composer avec ces sons, sans avoir d’idée théorique préconçue en alternant écoute et création.

C’est la méthode expérimentale qui s’appuie sur l’écoute réduite.

Des années 60 aux 80

A la fin des années 60, plusieurs albums pop sortent qui vont repousser les limites des expérimentations dans les studios professionnels analogiques de l’époque.

Ce sont les 3 premiers concept albums de pop music, tous les 3 inspirés par l’écoute des compositeurs expérimentaux contemporains Karlheinz Stockhausen, John Cage et Luciano Berio et notamment des pionniers de la musique concrète française Pierre Henry et Pierre Schaeffer.

Ce sont Freak Out ! des Mothers Of Invention, Pet Sounds des Beach Boys et Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band des Beatles. Ce dernier lui-même très fortement inspiré par les 2 premiers.

La Tape Music aux USA, la Musique Concrète en France et en parallèle la révolution du synthétiseur initiée par Robert Moog vont exploser à la fois l’esthétique musicale et les techniques analogiques du studio durant les années 60,70 et 80.

Jazz, Pop, Soul, Funk seront contaminés chacun à sa manière.

Le Home Studio à l’Ère Numérique

Les technologies actuelles permettent d’enregistrer des sons avec une qualité exceptionnelle, d’utiliser des instruments virtuels presque indiscernables des vrais, et d’appliquer des effets numériques sophistiqués.

Ces outils ont non seulement simplifié le processus de production, mais ils ont aussi ouvert la voie à des genres musicaux entièrement nouveaux.

Dès les années 80 et 90, Techno, House, Electro, Hip Hop, tous les sous-genres dérivés et toutes les combinaisons possibles avec d’autres genres comme le jazz, la pop, le funk.

Toutes ces musiques sont apparues grâce aux expérimentations et productions musicales analogiques de ces décennies. Mais aussi elles seront amplifiées considérablement par le passage progressif aux techniques digitales.

Elles même, se sublimeront petit à petit, au fur et à mesure des progrès de l’informatique, dans le home studio à la portée de tous les créateurs.

Et la plupart du temps, cette évolution permise par les progrès technologiques est portée, transcendée par des musiciens, des producteurs, des compositeurs qui s’en emparent et les détournent de leur usage premier.

Et il est important de noter que ces artistes n’ont pas forcément de formation académique.

L’Évolution de la Chaîne de Production Musicale

La chaîne classique de la production musicale a été simplifiée. Auparavant, composer, enregistrer, mixer et mastériser étaient des étapes distinctes, souvent réalisées par différents professionnels et dans différents studios spécialisés.

Aujourd’hui, un seul individu peut très souvent gérer l’ensemble de ce processus de production chez lui, dans son home studio, en en réduisant les coûts et les délais de production.

A tel point même, que ces différentes étapes tendent de plus en plus à s’interpénétrer temporellement dans un processus créatif où on peut les mélanger continuellement. On avance au gré de la découverte de nouveaux sons qui génèrent de nouvelles idées et ainsi de suite, la composition prend forme au fur et à mesure au cœur même du studio.

On rejoint ainsi le concept de musique expérimentale pratiqué et théorisé par Pierre Schaeffer dès les années 50. En fait, ce n’est pas tellement étonnant, tant il a continué de se développer tout au long de la deuxième moitié du 20ème siècle.

Force est de constater que cette méthode expérimentale a maintenant également contaminé à peu près la totalité des créations musicales, dans les différents styles, même les plus commerciales et grand public.

Le danger de cette méthode de création en studio devient alors de se perdre dans les sons, d’errer sans fin et c’est alors que de solides méthodes de travail, procédés de création et connaissances techniques sont nécessaires pour aboutir au résultat final.

Pour conclure

L’évolution de la production musicale depuis les années 60 est une histoire fascinante de progrès technologiques et de changements créatifs. Elle l’est encore plus lorsqu’on remonte à la fin du 19ème siècle avec la révolution de l’enregistrement sonore.

Après bien des évolutions technologiques tout au long du 20ème siècle, les compositeurs et les producteurs disposent désormais d’outils abordables, très sophistiqués et puissants pour créer et réaliser des musiques nouvelles chez eux, dans leur home studio.

Que nous réserve l’avenir ?

Les nouvelles tendances suggèrent une ère encore plus passionnante mais toujours plus incertaine pour la musique, où les barrières entre le créateur et la création continuent de s’effondrer. L’IA va encore rebattre une nouvelle fois les cartes de la création musicale. A n’en pas douter !

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Pour aller plus loin

Dans le monde de la musique électronique et de la production, un petit acronyme règne en maître depuis des décennies : MIDI. Derrière ces quatre lettres se cache une révolution qui a transformé la façon dont nous créons, enregistrons et produisons la musique.

 Dans cet article, nous allons plonger dans l’univers de la Norme MIDI, comprendre son histoire, son fonctionnement et ses types de messages.

Vous pouvez aussi écouter cet article :

Qu’est-ce que la Norme MIDI ?

MIDI, qui signifie Musical Instrument Digital Interface, est un protocole de communication qui permet à tous les instruments de musique électroniques, ordinateurs et autres équipements de se connecter et de communiquer entre eux. Contrairement à l’audio, ce langage de communication ne transmet pas de son, mais des informations sur la manière de produire un son.

Histoire de la Norme MIDI

Elle est un pilier de la musique électronique et de la production musicale depuis sa création dans les années 1980. À l’époque, les musiciens et producteurs cherchaient un moyen de faire communiquer les instruments électroniques, qu’il s’agisse de synthétiseurs, de boîtes à rythmes ou de contrôleurs.

Elle est née de cette nécessité de communication et de synchronisation. Elle a été conçue pour permettre aux musiciens de contrôler et de synchroniser différents appareils électroniques de manière cohérente. La première version de la norme a été publiée en 1983, et depuis lors, elle a évolué pour devenir une norme universelle dans l’industrie musicale.

Fonctionnement de la Norme MIDI

Connectivité : Les appareils sont connectés les uns aux autres à l’aide de câbles MIDI standard. Cela permet une connexion simple et fiable entre les instruments électroniques qui sont tous compatibles.

Données : La communication repose ici sur des données numériques. Chaque note jouée, chaque mouvement de curseur, chaque changement de paramètre est transmis sous forme de données MIDI.

Canal : Des canaux permettent à plusieurs appareils de communiquer simultanément sans interférer les uns avec les autres. Il existe 16 canaux MIDI distincts, ce qui permet de contrôler plusieurs instruments en même temps.

Latence : Bien que la transmission des messages soit généralement rapide, il peut y avoir une légère latence lors de la transmission des données MIDI. Cela peut être un facteur important pour les musiciens en direct, il est donc essentiel de le minimiser.

Les Messages MIDI

Note-On/Note-Off : Les messages de Note-On indiquent le début d’une note, tandis que les messages de Note-Off indiquent la fin d’une note. Ces messages sont essentiels pour jouer de la musique avec des instruments MIDI.

Contrôle : Les messages de contrôle MIDI permettent d’ajuster divers paramètres, tels que la modulation, le volume et le panoramique. Ils offrent un contrôle précis sur les nuances de la musique.

Programme : Les messages de programme sont utilisés pour sélectionner des sons ou des presets sur les instruments MIDI. Ils permettent de changer de timbre instantanément.

Sysex : Les messages SysEx (System Exclusive) sont plus avancés et peuvent être utilisés pour personnaliser des paramètres spécifiques propres à certains instruments électroniques particuliers, qui n’ont pas d’équivalent dans la Norme MIDI.

Applications pratiques

Pour les musiciens, producteurs et beatmakers, la Norme MIDI ouvre un monde de possibilités. Vous pouvez utiliser des claviers pour jouer des instruments virtuels, créer des séquences de batterie avec des contrôleurs et automatiser des paramètres dans votre logiciel de production. La Norme MIDI vous permet de donner vie à vos idées musicales de manière créative et précise.

Les contrôleurs tels que les pads de batterie et les surfaces de contrôle, offrent une manière tactile d’interagir avec votre logiciel musical préféré. Vous pouvez créer des variations subtiles dans vos compositions ou des performances énergiques en direct.

Depuis l’apparition des ipads et des iphones, plusieurs applis permettent de designer des interfaces MIDI originales et très puissantes sur ces surfaces tactiles.

En résumé, la Norme MIDI est un outil essentiel pour les musiciens et producteurs modernes. En comprenant son histoire, son fonctionnement et ses messages, vous pouvez exploiter tout son potentiel pour créer de la musique exceptionnelle. Dans la partie suivante de l’article, nous allons en explorer quelques exemples concrets.

Quelques exemples concrets d’utilisation de la Norme Midi

Création musicale

Un exemple classique de l’utilisation de la Norme MIDI dans la production musicale est la création musicale à l’aide d’un clavier MIDI. Les musiciens peuvent connecter un clavier à leur logiciel de production, puis jouer des notes, des accords sur le clavier.

Les données MIDI générées par ces notes sont ensuite enregistrées dans le logiciel sur des pistes MIDI. Cela permet notamment aux musiciens de composer de manière intuitive, puis d’éditer les notes individuellement et même d’expérimenter avec différentes sonorités et instruments virtuels pour donner vie à leur musique.

Séquençage de batterie

Les producteurs de musique électronique et les beatmakers utilisent souvent des contrôleurs pour séquencer des rythmes de batterie. À l’aide de pads de batterie, ils peuvent déclencher des échantillons de batterie en temps réel. Les données MIDI enregistrées, puis éditées, permettent de créer des séquences de batterie complexes, d’ajouter des variations de rythme et de créer des rythmes percutants. Cette approche permet une grande flexibilité dans la création de rythmes uniques pour différents genres musicaux, du hip-hop à la musique électronique.

Automatisation des effets

Un autre exemple puissant de l’utilisation de la Norme MIDI est l’automatisation des effets dans un logiciel de production. Les producteurs peuvent assigner des paramètres d’effets, tels que la réverbération ou le filtre, à des contrôleurs MIDI tels que des potentiomètres. Ensuite, ils peuvent enregistrer des mouvements en temps réel en ajustant les potentiomètres pendant la lecture. Les données MIDI résultantes sont utilisées pour automatiser ces effets, créant ainsi des transitions sonores fluides et des évolutions dynamiques dans la musique. Cela permet d’ajouter une dimension expressive à la production musicale.

Ces exemples illustrent comment la Norme MIDI est un outil polyvalent et essentiel dans la création musicale moderne. Elle permet aux artistes de s’exprimer de manière créative, de contrôler précisément leurs compositions et de repousser les limites de leur musique.

Le MIDI au delà de la musique

Les interfaces de contrôle sur iPads

En dehors de la musique, la Norme MIDI est devenue un élément clé dans la création d’interfaces de contrôle sur iPads. La plupart des applications sur iPad sont compatibles avec MIDI, ce qui permet aux utilisateurs de créer des surfaces de contrôle personnalisées pour diverses tâches.

Par exemple, dans le domaine de la production audiovisuelle et de la sonorisation , les professionnels peuvent utiliser des iPads pour ajuster les paramètres d’éclairage, de son et de projection en temps réel. Cette flexibilité permet une interaction intuitive avec des équipements complexes, offrant un contrôle précis et une expérience utilisateur améliorée.

Automatisation d’Installations Sonores ou Visuelles Interactives :

La Norme MIDI est également largement utilisée dans le domaine de l’art interactif. Les artistes créent des installations sonores ou visuelles interactives qui réagissent aux données MIDI en temps réel.

Par exemple, une installation artistique peut utiliser des capteurs pour détecter les mouvements du public et générer des données MIDI en fonction de ces mouvements. Ces données MIDI sont ensuite utilisées pour contrôler des éléments sonores ou visuels de l’installation, créant ainsi une expérience immersive et interactive pour les visiteurs.

Contrôle à Distance de Machineries pour le Spectacle Vivant :

Dans le monde du spectacle vivant, la Norme MIDI est un atout majeur. Les ingénieurs et les techniciens peuvent utiliser des contrôleurs MIDI pour gérer à distance divers équipements scéniques, des éclairages aux décors en passant par les effets spéciaux. Cela permet des transitions fluides et précises pendant les représentations en direct. De plus, la Norme MIDI peut être intégrée à des systèmes de contrôle plus avancés, offrant ainsi une automatisation sophistiquée pour des spectacles de grande envergure.

Donc elle ne se limite pas à la musique, mais s’étend à de nombreuses autres disciplines artistiques et techniques. Elle offre des moyens puissants de contrôler, d’automatiser et d’interagir avec une variété d’applications, que ce soit dans le domaine des arts visuels, du spectacle vivant ou de la création d’interfaces interactives. Sa polyvalence continue d’inspirer des innovations créatives à travers divers domaines.

Pour Conclure

La Norme MIDI est bien plus qu’un simple câble et des chiffres. Elle incarne d’abord l’essence de la créativité musicale moderne. Son histoire et son fonctionnement ont libéré tout le potentiel de la production musicale.

Et elle est devenue une norme universelle, c’est sa grande force.

Elle ne se limite pas à la musique, mais s’étend à de nombreuses autres disciplines artistiques et techniques. Elle offre des moyens puissants de contrôler, d’automatiser et d’interagir avec une variété d’applications, que ce soit dans le domaine des arts visuels, du spectacle vivant ou de la création d’interfaces interactives. Sa polyvalence continue d’inspirer des innovations créatives à travers divers domaines.

Et cet outil puissant, universel et très simple est à la portée de tous, car il ne nécessite pas d’apprendre un langage informatique complexe.

Pour aller plus loin

Les rémunérations des artistes sont mises en péril par la dématérialisation de la diffusion musicale. Le volet économique pour les musiciens, auteurs et compositeurs est à la fois complexe et en constante évolution. C’est un sujet hyper important, surtout dans l’ère du numérique où tout change à la vitesse grand V.

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La problématique de la répartition des revenus sur les plateformes de streaming

Une faible rémunération par écoute : Les plateformes de streaming comme Spotify, Apple Music ou Deezer paient en moyenne une somme très faible par écoute, souvent en dessous d’un centime d’euro. Cela nécessite des millions d’écoutes pour générer un revenu décent.

Le modèle « au Pro Rata » : Les revenus générés sont répartis en fonction de la popularité globale des artistes sur la plateforme, ce qui avantage les gros noms au détriment des artistes indépendants ou moins connus. Les plus populaires, donc ceux qui gagnent déjà beaucoup plus d’argent, encaissent donc une plus-value sur les plateformes de streaming.

Le problème du piratage et du partage illégal

La perte de revenus : Le piratage, le téléchargement et le partage illégaux continuent d’être un problème, même si des mesures légales sont en place.

Le manque de sensibilisation : Le public n’est pas toujours conscient que le piratage nuit directement aux artistes qu’il apprécie.

Les défis liés aux droits d’auteur

La complexité des lois : Les lois sur le droit d’auteur varient énormément d’un pays à l’autre, rendant difficile, voire même impossible pour les artistes de suivre et de faire valoir leurs droits.

La collecte des royalties : Des organismes comme la SACEM en France collectent les droits d’auteur, mais il peut y avoir des délais, et la répartition n’est pas toujours transparente. On connait notamment le problème persistant des droits qu’elle n’arrive pas à répartir : ils sont répartis au pro rata des gains des auteurs.

Autrement dit, ces droits qui sont majoritairement ceux des petits auteurs, sont répartis majoritairement aux gros auteurs. Encore une plus-value qui va aux gros ! Alors qu’il serait plus juste de les répartir aux plus petits.

Le rôle des labels et intermédiaires dans les rémunérations des artistes

Le partage des revenus : Dans un contrat traditionnel avec un label, une grande partie des revenus va au label plutôt qu’à l’artiste. La plupart du temps, c’est justifié par le travail de promotion et de diffusion que fournit le label. Mais les cas d’escroqueries sont légion.

Les contrats à long terme : Certains contrats enferment les artistes dans des conditions qui peuvent être défavorables à long terme. Si les contrats à long terme peuvent assurer une certaine sécurité à l’artiste, en cas de succès ils les défavorisent énormément.

L’évolution du marché : opportunités et risques

Auto-production et distribution: Les artistes peuvent maintenant se produire et se distribuer indépendamment grâce aux nouvelles technologies, grâce à internet et aux réseaux sociaux. Mais c’est un défi pour un artiste de se faire découvrir de cette manière et encore plus de produire des revenus suffisants en auto-production.

La monétisation des médias sociaux: Les plateformes comme YouTube et TikTok offrent de nouvelles façons de gagner de l’argent, mais avec leurs propres jeux de règles et problèmes de droits d’auteur. Pas facile d’en tirer des revenus suffisants.

La Blockchain et les NFTs: Des nouvelles technologies comme la blockchain offrent des possibilités de monétisation et de contrôle des droits d’auteur. Mais elles sont encore très obscures, elles ne sont pas encore largement adoptées et posent leurs propres défis éthiques.

L’évolution des habitudes de consommation: Le public est de plus en plus habitué à accéder gratuitement à la musique, ce qui modifie la perception de la valeur de l’art. Le tout-gratuit en ligne ne joue pas du tout en faveur des artistes qui ont besoin de revenus pour pouvoir vivre de leur art.

Les plateformes numériques musicales les plus éthiques pour les rémunérations des artistes

Le monde du streaming est un sacré bazar quand on parle d’éthique et de rémunération des artistes. Mais toutes les plateformes ne se valent pas. Certaines revendiquent une approche plus éthique.

Bandcamp

Modèle économique: sur Bandcamp, les artistes peuvent vendre eux-même directement des fichiers numériques, mais aussi des supports physiques. La plateforme prend une commission relativement faible sur les ventes (environ 15%), ce qui laisse une grande part aux artistes.

Prix fixé par l’artiste: Les artistes peuvent fixer leurs propres prix, ce qui leur donne un contrôle plus direct sur leur rémunération.

Bandcamp Fridays: Une fois par mois, Bandcamp renonce à sa commission, ce qui permet aux artistes de gagner encore plus.

SoundCloud

Fan-Powered Royalties: SoundCloud a introduit un système où les artistes sont payés en fonction du temps d’écoute réel par leurs fans, plutôt que sur un modèle « pro rata ».

Outils de monétisation: La plateforme propose plusieurs outils permettant aux artistes de monétiser leur contenu de manière flexible (abonnements, tips).

Resonate

Coopérative: C’est une plateforme en modèle coopératif, ce qui signifie que les artistes peuvent devenir membres et avoir un mot à dire dans le fonctionnement de la plateforme.

Stream-to-Own: Leur modèle « Stream-to-Own » permet aux utilisateurs de posséder une chanson après un certain nombre d’écoutes, et rémunère mieux les artistes.

Tidal

HiFi et qualité sonore: Tidal met en avant la qualité sonore, ce qui pourrait théoriquement justifier des tarifs d’abonnement plus élevés et une meilleure rémunération pour les artistes.

Artist Ownership: Bien que controversé, Tidal a été lancé avec le soutien de gros noms de l’industrie, ce qui en théorie pourrait signifier un meilleur deal pour les artistes.

Audius

Blockchain: Audius utilise la technologie blockchain pour permettre un contrôle plus direct et transparent des droits et de la rémunération.

Pas de commission: La plateforme ne prend pas de commission sur les transactions, ce qui devrait permettre une meilleure rémunération des artistes.

Il faut quand même noter que « éthique » est un terme subjectif et ces plateformes ne sont pas sans leurs propres défis et controverses. Mais d’une manière générale, elles tentent de proposer des modèles plus justes pour la rémunération des artistes.

Beaucoup de musiciens, compositeurs, producteurs créent leurs propres boutiques sur Bandcamp, ce qui est très facile. Ça leur permet d’être indépendants, de gagner une certaine visibilité et une meilleure rémunération sur leurs ventes. Ce qui ne les empêche pas d’être présents aussi sur les plateformes numériques (Spotify, Deezer, Apple …).

Les droits des auteurs ou compositeurs, la Sacem et les plateformes numériques

En France, la SACEM (Société des Auteurs, Compositeurs et Éditeurs de Musique) joue un rôle important dans la protection des droits d’auteur sur les plateformes numériques. La SACEM a des accords avec un grand nombre de ces plateformes, et voici comment ça se passe en général :

Licence et collecte des droits

Les accords de licence: La SACEM a établi des accords avec les plateformes numériques (comme Spotify, Deezer, YouTube, etc.). Ces accords autorisent l’utilisation du répertoire de la SACEM sur ces plateformes en échange de redevances.

Les redevances: Les plateformes versent des redevances à la SACEM basées sur divers critères comme le nombre d’écoutes, la durée d’écoute, et parfois des facteurs plus complexes liés au type d’abonnement de l’utilisateur.
NB : mais ces redevances s’ajoutent-elles réellement aux rémunérations des artistes effectuées directement par les plateformes ? Là encore on est dans le flou.

La répartition des droits

Calcul des parts: La SACEM utilise un système de clés de répartition pour déterminer quelle part des redevances collectées doit aller aux auteurs, compositeurs et éditeurs. Ce système prend en compte des facteurs tels que la durée de la chanson, sa popularité, ainsi que les frais de gestion de l’organisation.

Paiement aux membres: Les membres de la SACEM reçoivent des paiements trimestriels basés sur la collecte et la répartition de ces redevances, en plus des droits de reproduction sur les supports physiques et des diffusions en radios et télévisions.

Transparence et suivi

Déclarations et relevés: Les membres peuvent consulter des relevés qui détaillent les revenus générés par leurs œuvres. Cela donne une certaine transparence au système, bien que certains critiquent le manque de clarté dans les méthodes de calcul.

Technologies de suivi: La SACEM utilise des technologies de suivi pour identifier quand et où les œuvres de ses membres sont jouées. Cela inclut les écoutes en streaming, les téléchargements, ainsi que toutes les formes de diffusion.

Adaptation et évolution

Négociations continues: La SACEM est constamment en négociation pour adapter les accords de licence à l’évolution du marché numérique.

Protection à l’étranger: Grâce à des accords avec d’autres sociétés de gestion collective dans le monde, la SACEM peut aussi protéger les droits de ses membres à l’étranger.

En résumé, oui, la SACEM travaille activement pour protéger les droits des auteurs et compositeurs sur les plateformes numériques. Cependant, le système n’est pas parfait et fait l’objet de critiques, notamment en ce qui concerne la transparence et la répartition équitable des revenus.

La Sacem est critiquée depuis très longtemps par les artistes, notamment les indépendants, pour son mode de gestion anti-démocratique qui favorise très nettement les gros revenus.

En effet son mode d’administration très vertical donne le pouvoir aux artistes les plus vendus et aux producteurs du show-business. Plus les rémunérations des artistes sont importantes, plus ils ont de pouvoir à la Sacem.

Que pourrait-on souhaiter pour mieux respecter les droits et les rémunérations des artistes ?

Des modèles économiques plus équitables

Fin du modèle « Pro Rata »: On pourrait espérer voir des plateformes adopter un modèle « User-Centric » où les revenus générés par chaque utilisateur sont distribués aux artistes qu’il écoute réellement.

Une tarification flexible: Permettre aux artistes de fixer leurs propres prix sur les plateformes de streaming pourrait être une façon de valoriser leur travail.

Une transparence accrue

Open Data: Une plus grande transparence sur la répartition des revenus et les méthodes de calcul pourrait être rendue possible grâce à des technologies comme la blockchain.

Des rapports en temps réel: Les artistes pourraient avoir accès à des rapports en temps réel sur leur performance, grâce à des outils d’analyse plus sophistiqués.

Empowerment des artistes

Outils de gestion des droits: On pourrait envisager des plateformes où les artistes gèrent eux-mêmes leurs licences et droits, avec la possibilité de les ajuster en temps réel.

Monétisation directe: Intégrer des options comme les pourboires, les micro-transactions ou les abonnements premium directement dans les plateformes de streaming pour une rémunération additionnelle.

Technologie et innovation

La Blockchain et NFTs: Ces technologies pourraient devenir la norme pour la gestion des droits et la vérification des œuvres, rendant le processus plus transparent et sécurisé.

L’intelligence Artificielle: L’IA pourrait aider à mieux traquer l’usage des œuvres et donc à mieux rémunérer les artistes, surtout pour des usages moins conventionnels comme les samples ou les remixes.

Législation et régulation

Une harmonisation des lois: harmoniser la rémunération des artistes supposerait d’harmoniser le droit d’auteur à l’échelle internationale. Cela faciliterait la gestion des droits et permettrait une meilleure rémunération des artistes.

Des incitatifs fiscaux: Des incitations pour encourager les pratiques éthiques des plateformes, comme des réductions d’impôts pour celles qui adoptent un modèle économique plus équitable.

Des sanctions: Imposer des sanctions plus strictes aux plateformes qui ne respectent pas les droits des artistes pourrait également être un levier de changement.

Dans cette vision prospective, le but serait de créer un nouvel écosystème où les artistes sont rémunérés de manière plus juste et transparente, tout en ayant un meilleur contrôle sur leurs œuvres. Ce serait une évolution favorable pour les musiciens, auteurs, et compositeurs.

Pour conclure

Compliqué, tout çà, vous ne trouvez pas ? Une chose est certaine : depuis une bonne quinzaine d’années la dématérialisation de la musique sur internet a bouleversé complètement la question des rémunérations des artistes.

Elle a mis en péril la vente des supports physiques (les disques) qui ont chuté drastiquement au cours des 10 dernières années.

Les plateformes musicales en ligne apportent à la fois aux artistes de nouvelles possibilités de se faire entendre sur toute la planète, ce qui est positif. Mais elles portent atteinte aux justes rémunérations des artistes.

Toujours plus d’artistes diffusés, mais toujours moins de rémunérations des artistes pour leurs diffusions.

Le constat : ce système économique est en pleine mutation, dans le désordre et la rapidité propres à notre univers numérique. Même si pas mal d’acteurs sont de bonne foi, l’ampleur du problème est telle qu’on n’est pas près de trouver le système idéal qui garantirait de justes rémunérations des artistes.

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Vous êtes musicien, podcasteur, ou simplement un passionné de l’audio ? Vous vous demandez quel type de studio audio conviendrait le mieux à vos projets ? Dans cet article, nous allons explorer 6 options de studio audio, du home studio amateur jusqu’au studio audio professionnel.

Pour chaque option, nous aborderons les objectifs de production, les moyens techniques nécessaires et les compétences que vous devrez acquérir.

Bien évidemment, ces 6 options cohérentes sont destinées avant toute chose à y voir clair. Et ne perdez jamais de vue que vous pouvez évoluer progressivement d’une option à une autre, au fur et à mesure que vous allez avancer et monter en compétences.

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1. Le Home Studio Loisirs

C’est typiquement la bonne manière de démarrer dans la production audio, de se faire les dents avec un studio audio amateur. Pas d’investissement coûteux. Donc aucun risque à mettre les mains dans le cambouis.

Que vous ayez déjà une pratique musicale ou non, n’hésitez pas à vous lancer. Cela vous permettra également de jauger les difficultés, les compétences à acquérir et de comprendre dans quoi vous vous plongez.

Objectifs de Production

• Enregistrement de maquettes
• Apprentissage des bases de l’audio

Moyens Techniques

• Micro USB : 50€ – 100€
• Logiciel audio gratuit : basique (Audacity) ou plus complet (MuLab)
• Plugins de base inclus dans le logiciel
• Casque audio : 50€ – 100€
• Local : une table dans une chambre ou une pièce de votre appartement

Compétences Nécessaires

• Bases de l’enregistrement audio
• Enregistrement et Montage simples
• Utilisation de plug-ins de base

Budget Total : 100€ – 200€

2. Le Studio Podcast

Pour vous lancer dans le podcast, pas besoin d’un énorme studio audio. Un ordinateur, un casque, un logiciel audio basique et au moins un bon micro pour la parole suffisent.

Ensuite, je vous conseille de mettre le paquet sur une bonne formation pour préciser et consolider votre projet de podcast, bien prendre en compte les particularités des techniques de la parole, les contraintes de l’écosystème des podcasts.

Objectifs de Production

• Production de podcasts de bonne qualité
• Interviews
• Montage des voix et mixage des illustrations sonores

Moyens Techniques

• 1 Micro usb ou 2 Micros voix : 100€ à 200€
• Interface audio : 200€ – 400€
• 2 micros cravate pour smartphone : 280€
• Logiciel audio gratuit : Audacity ou MuLab
• Local : une table dans une chambre ou une pièce de votre appartement

Compétences Nécessaires

• Prise de son des voix parlées
• Techniques d’interview
• Montage avancé et Mixage simple

Budget Total : 300€ – 800€

3. Le Home Studio Passion

Généralement, on fait passer son studio audio dans cette catégorie, quand on a attrapé le virus de la production et quand on y passe beaucoup de temps.

La passion est nécessaire pour pouvoir envisager de faire carrière ensuite dans ces métiers créatifs. C’est en tout cas ce que je pense, c’est mon expérience dans ce domaine qui ne souffre pas la médiocrité.

Le studio audio Passion est somme toute l’évolution naturelle du studio audio Loisirs. Et il sera peut-être la marche vers la catégorie supérieure que nous verrons plus tard.

Objectifs de Production

• Enregistrement de chansons complètes
• Mixages multipistes de bonne qualité

Moyens Techniques

• Micro de studio à condensateur : 200€ – 500€
• Interface audio : 200€ – 400€
• Moniteurs de studio : 200€ – 400€
• Logiciel audio intermédiaire (Reaper ou MuLab) : 60€
• Local : une pièce entière dédiée à votre studio audio

Compétences Nécessaires

• Techniques d’enregistrement avancées
• Mixage
• Mastering de base

Budget Total : 660€ – 1 360€

4. Le Studio Musiciens – Compositeurs

Si vous êtes compositeur ou musicien·ne, même amateur, vous avez intérêt à tout de suite envisager cette option, car vous êtes certain·ne d’avoir besoin d’un studio audio pour enregistrer, travailler vos compos, mixer les commandes musicales qui vous font ou vous feront vivre.

Le studio audio personnel est devenu un outil indispensable pour tous les musiciens et a fortiori pour tous les compositeurs.

Objectifs de Production

• Production musicale de haute qualité
• Enregistrements multipistes
• Composition et arrangement

Moyens Techniques

• Micros à ruban ou à condensateur : 1000€
• Interface audio haut de gamme : 300€ – 600€
• Moniteurs de studio : 300€ – 600€
• Logiciel DAW professionnel (Cubase, Logic Pro ou Pro Tools) : 600€
• Plugins professionnels Waves, Native : 1 500€
• Local : grande pièce indépendante (sous-sol, garage, grenier aménagés)

Compétences Nécessaires

• Techniques de prise de son stéréo et multipistes
• Techniques de prise de son stéréo et multipistes
• Mixage et mastering avancés
• Connaissances en acoustique musicale, théorie musicale et pratique instrumentale

Budget Total : 3 700€ – 4 300€

Plus de détails sur ces options et notamment sur l’équipement dans cet article :
https://plansonore.fr/votre-home-studio-pro-avec-un-budget-limite

5. Le Studio Audio Prestations

Vous poursuivez un but commercial avec votre studio audio, c’est à dire vendre vos prestations audio à des clients, entreprises, labels, musiciens etc …

Il vous faut alors une installation plus définitive et plus démonstrative. Votre studio audio doit donner confiance et impressionner vos futurs clients. Ce sera souvent la visite du studio audio qui décidera votre client, ou pas !

Evidemment, derrière le visuel, le design et l’étalage des machines, il vous faudra assurer au niveau du résultat.

Objectifs de Production

• Services d’enregistrement audio pour musiciens, compositeurs, entreprises, agences de communication et boites de production audiovisuelle
• Production musicale, audiovisuelle
• Post-production : doublage de voix, mixage de films, mastering …

Moyens Techniques

• Micros de studios professionnels : 1 000€ – 2 000€
• Équipement de traitement acoustique : 1 000€ – 2 000€
• Moniteurs de studio : 600€ – 1 500€
• Table de mixage : 5 000€
• Logiciels professionnels spécialisés Cubase, Protools, Logic Pro, Final Cut Pro, Première : 3 000€
• Plugins professionnels Waves, Native : 1 500€
• Local : indépendant avec plusieurs pièces et pouvant accueillir des clients

Compétences Nécessaires

• Gestion de projet
• Toutes techniques audio et de post-production
• Marketing et relations clients

Budget Total : 12 000€ – 15 000€

6. Le Studio Audio Professionnel

C’est le grand studio, bien équipé, bien installé, cossu et capable d’accueillir de grosses productions qui peuvent y mettre les moyens.

L’investissement peut être très conséquent. Le budget annoncé ci-dessous doit être considéré comme un minimum. Il faut donc avoir les reins solides, un projet construit et une grosse expérience professionnelle, ainsi que des références sérieuses dans le métier.

Je vous déconseille fortement de vous lancer sans tout çà et sans avoir élaboré un business plan très sérieux. La concurrence est rude et sévère dans le secteur.

Objectifs de Production

• Production audio de niveau industriel
• Services d’enregistrement multipistes, mixage et mastering pour la production musicale
• Production pour médias et publicités

Moyens Techniques

• Micros haut de gamme : 5 000€ – 10 000€
• Studio insonorisé : 10 000€ – 20 000€
• Moniteurs de studio : 1 000€ – 2 000€
• Table de mixage : 5 000€
• Logiciels de pointe : 3 000€
• Plugins professionnels Waves, Native : 1 500€

Compétences Nécessaires

• Expertise en ingénierie du son
• Gestion d’équipe
• Networking professionnel

Budget Total : 25 500€ – 41 500€

Pour aller plus loin

Voilà, vous avez maintenant une idée des différentes options qui s’offrent à vous en matière de studio audio. Chaque option a ses avantages et inconvénients, mais surtout le choix dépendra de vos objectifs, de votre budget et de vos compétences. Alors, prêt à monter votre studio ?

Mais vous avez peut-être déjà commencé. Pouvez-vous évaluer votre studio audio et vous situer dans une de ces 6 options ?

Vous pouvez très bien commencer en amateur (option 1) et vouloir petit à petit vous professionnaliser. Jusqu’à peut-être même créer votre propre entreprise de production (options 5 et 6).

Mais pour aller plus loin, vous pouvez vous faire accompagner par des formateurs, des conseillers en audio professionnel. Ce sont souvent les mêmes.

En effet, internet et les réseaux sociaux peuvent vous apporter en la matière plein de connaissances en vrac, mais la cohérence ne peut se trouver qu’auprès de professionnels capables de transmettre leurs compétences, leurs savoirs, leur métier.

Audio Formations

Vous propose des formations en lien direct avec ce que nous venons d’évoquer dans cet article :