La musique est un art complexe et riche, fondé sur des valeurs essentielles qui la rendent unique et universelle. À travers ces valeurs fondatrices de la musique, les musiciens peuvent développer leur art et toucher les âmes. Voici les sept valeurs fondatrices de la musique : l’oreille, l’instrument, le travail, l’invention, la polyvalence, l’expérimentation, et l’expérience.

1. L’Oreille

L’Importance de l’Écoute

L’oreille est l’outil primordial de tout musicien. Avant même de toucher un instrument, l’écoute active permet de comprendre les nuances, les harmonies, et les rythmes. C’est en affinant son oreille que le musicien peut réellement interpréter et créer de la musique. L’écoute est aussi la première étape vers la création musicale, car elle permet de se nourrir de diverses influences.

Techniques pour Développer l’Oreille

Pour développer une oreille musicale, il est essentiel de pratiquer régulièrement des exercices d’écoute. L’entraînement auditif, comme le solfège, aide à identifier les intervalles, les accords, les progressions harmoniques et les sons eux-même.

De plus, écouter une variété de genres musicaux enrichit la palette auditive. Par exemple, le fait d’écouter du jazz, du classique, du rock, et des musiques du monde peut sensibiliser l’oreille à des structures et des sonorités diverses et variées.

Exemples Pratiques

Les musiciens professionnels comme Jacob Collier sont connus pour leur oreille exceptionnelle. Ils peuvent identifier et reproduire des accords complexes à l’oreille. Des applications comme « EarMaster » ou « Tenuto » peuvent aider les musiciens à améliorer leur reconnaissance auditive.

On peut noter aussi que nous ne sommes pas tous égaux à la naissance concernant les capacités auditives. Il n’y a pas 2 oreilles semblables et, sans vouloir décourager quiconque, ce sont les meilleures oreilles qui ont plus d’appétence musicale et de chances de réussite dans ce domaine.

2. L’Instrument

Choisir et Maîtriser son Instrument

L’instrument est l’extension physique du musicien. Choisir le bon instrument est crucial, car il doit correspondre à la sensibilité et au style de l’artiste.

Par exemple, un musicien attiré par les mélodies douces et les harmoniques subtiles pourrait choisir la guitare acoustique, tandis qu’un autre attiré par les sons puissants et percussifs pourrait opter pour la batterie.

Maîtriser son instrument nécessite des années de pratique, mais c’est aussi une source immense de satisfaction. La maîtrise technique permet de s’exprimer librement et de communiquer des émotions profondes à travers la musique.

Entretien et Relation avec l’Instrument

Un bon musicien entretient et respecte son instrument. Cette relation presque symbiotique permet de créer une connexion profonde et d’extraire le meilleur son possible. Par exemple, un violoniste passera du temps à ajuster la tension des cordes et à nettoyer l’instrument après chaque utilisation. Cet entretien régulier prolonge la vie de l’instrument et maintient sa qualité sonore.

3. Le Travail

La Discipline du Travail

La pratique régulière et assidue est indispensable pour tout musicien. C’est par le travail que l’on améliore sa technique, sa précision et sa capacité d’interprétation. La discipline du travail forge le caractère et la résilience du musicien. C’est indéniablement une des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Méthodes de Travail Efficaces

Il est crucial de structurer ses sessions de pratique. Alterner entre technique, théorie, et jeu libre permet de progresser de manière équilibrée. Par exemple, un pianiste peut commencer par des gammes et des exercices techniques, puis travailler sur des pièces classiques, et enfin improviser ou jouer des morceaux qu’il aime. Les répétitions méthodiques et l’utilisation de métronomes ou de backing tracks peuvent grandement améliorer la qualité de la pratique.

Anecdotes et Exemples

Ludwig van Beethoven est un exemple classique de la valeur du travail. Malgré sa surdité progressive, il a continué à composer certaines de ses œuvres les plus célèbres grâce à une discipline de travail incroyable. Des musiciens contemporains comme John Mayer ou Yo-Yo Ma ont également parlé de leur régime de pratique rigoureux qui les a aidés à atteindre un haut niveau de maîtrise.

4. L’Invention

La Créativité en Musique

L’invention est au cœur de la musique. Composer, improviser, et réarranger des morceaux existants stimule la créativité. C’est par l’invention que le musicien trouve sa voix unique et se distingue. L’invention musicale peut prendre plusieurs formes, de l’écriture de nouvelles compositions à la création de nouveaux arrangements pour des morceaux existants.

En passant aussi par l’improvisation radicale, qu’on appelle souvent composition instantanée. Elle est considérée par ses pratiquants comme le summum de l’invention, l’art total de l’instant en quelque sorte.

Encourager l’Invention

Pour encourager l’invention, il est utile de sortir de sa zone de confort. Explorer de nouveaux genres, collaborer avec d’autres musiciens, et expérimenter avec différents instruments ou technologies peut ouvrir de nouvelles perspectives créatives.

Par exemple, un guitariste classique peut très bien expérimenter avec une pédale d’effets pour créer des sons inédits.

Exemples Inspirants

Des artistes comme David Bowie et Björk sont célèbres pour leur capacité à réinventer leur musique et à explorer de nouveaux territoires sonores. Ils ne se contentent pas de suivre les tendances, mais créent de nouvelles voies grâce à leur créativité sans bornes.

5. La Polyvalence

L’Art de la Polyvalence

Être polyvalent permet au musicien de s’adapter à divers contextes et styles musicaux. La polyvalence enrichit le bagage musical et offre plus d’opportunités professionnelles.

Par exemple, un musicien capable de jouer du jazz, du rock, et de la musique classique sera plus demandé pour des collaborations et des concerts variés.

Comment Devenir Polyvalent

Pour devenir polyvalent, il est important de diversifier ses compétences. Apprendre plusieurs instruments, s’initier à différents genres, et développer des compétences techniques en production musicale sont autant de moyens d’y parvenir.

Un bassiste pourrait par exemple apprendre à jouer de la guitare et des claviers, et s’intéresser à la composition et à l’arrangement.

Les multi-instrumentistes sont des musiciens à la puissance ++, tant ils deviennent capables d’appréhender la musique de manière transversale et universelle.

Témoignages et Exemples

Prince est un exemple emblématique de polyvalence musicale. Il jouait de nombreux (presque tous) instruments, composait, produisait, et performait avec une aisance incroyable. Sa capacité à traverser les genres et à maîtriser divers aspects de la musique a fait de lui une légende. Il cultivait indéniablement les 7 valeurs fondatrices de la musique.

6. L’Expérimentation

Oser l’Expérimentation

L’expérimentation est essentielle pour repousser les limites de la musique. C’est par l’audace et l’innovation que des styles musicaux nouveaux émergent et que la musique évolue. Par exemple, les Beatles ont révolutionné la musique pop en incorporant des techniques d’enregistrement novatrices et des influences diverses dans leurs albums.

Techniques d’Expérimentation

Utiliser des effets sonores, des techniques de jeu non conventionnelles, ou les technologies modernes de l’informatique musicale peut transformer radicalement la musique. L’expérimentation doit être encouragée à tous les niveaux de la pratique musicale.

Par exemple, un guitariste peut utiliser un EBow pour produire des sons soutenus et éthérés, ou un chanteur peut expérimenter avec l’autotune pour créer des effets vocaux inédits. Mais ce ne sont là que la partie visible de l’iceberg, car l’expérimentation sonore n’a pas de limites.

Innovations et Exemples

Des artistes comme Radiohead et Aphex Twin sont connus pour leurs approches expérimentales de la musique. Radiohead a intégré des éléments électroniques et des structures de chansons non conventionnelles dans leur musique, tandis qu’Aphex Twin a exploré des textures sonores et des rythmes complexes dans la musique électronique. Sans compter les grands innovateurs dans le jazz, la musique électroacoustique…

Pour élargir le tableau, la liberté et l’originalité devraient être également parmi les valeurs fondatrices de la musique cultivées en permanence par tous les musiciens, ce qui est loin d’être le cas.

7. L’Expérience

L’Accumulation d’Expériences

L’expérience est la somme de toutes les pratiques, performances, et interactions musicales d’un musicien. Chaque expérience enrichit et affine sa compréhension de la musique.

Par exemple, jouer dans des environnements variés comme des petites salles, des festivals en plein air, ou des sessions d’enregistrement en studio permet d’acquérir des compétences précieuses et une compréhension plus profonde de la musique.

Partager et Transmettre l’Expérience

Les musiciens expérimentés ont la responsabilité de partager leurs connaissances. Enseigner, collaborer avec des artistes moins expérimentés, et participer à des projets communautaires permet de transmettre cet héritage musical des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Par exemple, des artistes comme Herbie Hancock et Quincy Jones sont non seulement des musiciens accomplis mais aussi des mentors pour les jeunes générations de musiciens.

Anecdotes et Témoignages

Miles Davis, tout au long de sa carrière, a joué avec des musiciens de différentes générations, transmettant son savoir et s’inspirant des nouvelles idées. Cette interaction entre générations a permis l’évolution constante de son style musical.

Conclusion

Ces 7 valeurs fondatrices de la musique – l’oreille, l’instrument, le travail, l’invention, la polyvalence, l’expérimentation, et l’expérience – forment la base sur laquelle tout musicien peut construire son art. En les cultivant, on ne fait pas seulement progresser son propre parcours musical, mais on contribue également à l’évolution de la musique dans son ensemble. Que vous soyez débutant ou professionnel, ces valeurs sont des guides intemporels pour développer votre passion et votre carrière dans la musique.

En conclusion, la musique est bien plus qu’un simple agencement de sons. C’est une discipline qui exige une oreille fine et élargie, une relation intime avec son instrument, une éthique de travail rigoureuse, une créativité incessante, une polyvalence adaptative, une soif d’expérimentation et une richesse d’expériences.

En cultivant ces 7 valeurs fondatrices de la musique, chaque musicien peut non seulement améliorer ses compétences techniques mais aussi enrichir son expression artistique et contribuer à l’évolution perpétuelle de cet art universel.

Pour aller plus loin

Dans le vaste univers de la musique, il existe une multitude de carrières possibles, chacune offrant des opportunités uniques pour exprimer sa créativité et partager sa passion avec le monde. Que vous soyez un musicien en herbe ou un professionnel cherchant à explorer de nouveaux horizons, voici une présentation détaillée des sept options principales dans les métiers de la musique.

Les 7 options des métiers de la musique qui suivent sont chacune un métier différent en soi. Mais dans la réalité, nombreux sont ceux et celles dans le domaine musical qui exercent plusieurs métiers à la fois. Ainsi, Ils multiplient leurs chances de trouver un emploi, de décrocher des contrats.

En effet, il faut bien le dire : les métiers de la musique offrent certes beaucoup de possibilités, mais la mono-activité est très difficile à tenir professionnellement. Un excellent couteau suisse, aux compétences multiples a beaucoup plus de chances potentielles d’y survivre.

Instrumentiste

Être instrumentiste, c’est maîtriser un ou plusieurs instruments et se produire en solo ou au sein d’un ensemble (orchestre, groupe, duo, etc.). Ce métier peut s’exercer dans divers contextes : concerts, enregistrements en studio, événements privés, accompagnement d’artistes, etc.

Les instrumentistes doivent constamment travailler leur technique et leur interprétation pour rester au sommet de leur art. De plus, ils doivent souvent être polyvalents et s’adapter à différents styles musicaux.

Soulignons aussi qu’un chanteur ou une chanteuse est un instrumentiste : son instrument, c’est sa voix.

Les formations : étude d’un instrument ou du chant en école de musique, en conservatoire. Mais n’oublions pas que bon nombre d’instrumentistes et même de virtuoses sont des autodidactes, notamment dans les musiques populaires traditionnelles, la pop music, le jazz.

Exemples d’opportunités :

– Concerts live
– Sessions d’enregistrement
– Collaborations avec d’autres artistes
– Enseignement privé ou en école de musique

Professeur de musique

Son rôle est essentiel pour transmettre la passion et les compétences musicales aux nouvelles générations.

Les professeurs de musique peuvent enseigner dans des écoles de musique, des conservatoires, des établissements scolaires ou donner des cours particuliers d’instrument.

Ils doivent avoir une solide connaissance de la théorie musicale, être capables de jouer de plusieurs instruments, et posséder des compétences pédagogiques pour s’adapter aux besoins de chaque élève.

Les filières de formation sont plurielles : école de musique, conservatoire, mais aussi licence de musicologie pour les profs de musique de l’éducation nationale.

Exemples d’opportunités :

– Enseignement dans des écoles de musique ou des conservatoires
– Cours particuliers à domicile ou en ligne
– Animation d’ateliers et de stages musicaux
– Préparation des élèves aux concours et examens de musique

Compositeur

Le compositeur crée des œuvres musicales originales pour diverses finalités : films, séries télévisées, publicités, jeux vidéo, spectacles vivants, etc. La composition nécessite une maîtrise approfondie de la théorie musicale, de la créativité, et souvent des compétences en arrangement et orchestration.

Les compositeurs peuvent travailler en freelance ou être employés par des sociétés de production.

La plupart des compositeurs ont une formation supérieure en conservatoire, mais il n’est pas rare de rencontrer aussi des compositeurs autodidactes.

Exemples d’opportunités :

– Composition de musiques de film et de séries
– Création de bandes sonores pour jeux vidéo
– Musique pour publicités et spots promotionnels
– Œuvres originales pour concerts et enregistrements

Musicien intervenant

C’est un professionnel qui utilise la musique comme outil éducatif, thérapeutique ou social. Il intervient dans divers contextes comme les écoles, les hôpitaux, les centres sociaux, et les maisons de retraite.

Le but est d’éveiller à la musique, de rendre accessible à tous la pratique musicale, mais aussi d’améliorer le bien-être des individus par le biais de la musique.

Ce métier requiert des compétences élevées en pédagogie et en animation, une bonne compréhension des besoins des publics spécifiques, et une grande sensibilité.

Le DUMI est le diplôme professionnel requis pour intervenir auprès de tous ces publics. Il se prépare en 2 ans dans les 10 CFMI (Centre de Formation des Musiciens Intervenants) en France.

Il est nécessaire au départ de pratiquer au moins un instrument, de chanter juste et de connaître le solfège. Il est fréquent d’intégrer cette formation après 2 années ou une licence de musicologie. Les musiciens intervenants sont en général des couteaux suisses de la musique, à l’aise dans toutes sortes de contexte social.

Exemples d’opportunités :

– Ateliers musicaux en milieu scolaire
– Musicothérapie dans les hôpitaux et cliniques
– Programmes de réinsertion sociale par la musique
– Activités musicales dans les maisons de retraite, les prisons, les quartiers difficiles

Sound designer

Le sound designer est responsable de la création et de la manipulation des effets sonores pour les productions audiovisuelles et multimédias.

Il travaille sur la post-production des films, des jeux vidéo, des applications, des installations interactives et aussi sur l’habillage des spectacles vivants (théâtre, danse …), des scénographies d’expositions, dans les musées et sur certains grands évènements publics..

Le sound designer doit être à l’aise avec les logiciels de création sonore, avoir une bonne oreille et être capable d’innover pour créer des ambiances sonores uniques. Il doit également connaître les caractéristiques techniques des différents dispositifs de diffusion sonore.

Exemples d’opportunités :

– Création de paysages sonores pour le cinéma et la télévision
– Sound design pour les jeux vidéo et les applications mobiles
– Effets sonores pour les installations artistiques et les expositions
– Post-production audio pour la publicité et le marketing

Producteur-arrangeur

C’est un rôle clé dans la création musicale. Il supervise le processus de production d’un morceau, de l’écriture à l’enregistrement en passant par le mixage et le mastering.

Il travaille étroitement avec les artistes pour réaliser leur vision musicale. Les compétences requises incluent une connaissance approfondie des techniques d’enregistrement, des logiciels de production musicale, de la théorie de la musique et une capacité à diriger et inspirer les musiciens.

Il n’y a pas de formation spécifique pour ce métier, mais il requiert des compétences variées : instruments, composition, techniques de studio. Ce métier est presque toujours exercé par des musiciens.

Exemples d’opportunités :

– Production d’albums et de singles pour des artistes
– Arrangements musicaux pour différents genres
– Gestion de projets musicaux en studio
– Collaboration avec des labels et des maisons de disques

Ingénieur du son

C’est le professionnel en charge de la capture, du mixage et du mastering de l’audio. Il travaille en studio d’enregistrement, en live lors de concerts, ou dans la post-production audiovisuelle.

Ce métier exige une expertise technique pointue, une oreille attentive et la capacité de travailler en étroite collaboration avec les artistes et les producteurs pour obtenir le meilleur son possible.

Le titre professionnel d’ingénieur du son est accordé aux professionnels ayant une formation dans une école supérieure de son (niveaux licence, master). A un niveau en dessous, les techniciens son, les sonorisateurs peuvent avoir une formation plus sommaire (niveau BTS) ou même souvent être autodidactes.

Exemples d’opportunités :

– Enregistrement et mixage en studio
– Prise de son sur les tournages cinéma, télévision, vidéo-clips ou field recording
– Sonorisation de concerts et d’événements live
– Post-production audio pour le cinéma et la télévision
– Mastering de projets musicaux pour une diffusion professionnelle sur les réseaux ou sur supports physiques (CD, Vinyle)

Pour conclure

Ces 7 métiers de la musique représentent une partie des nombreuses opportunités offertes par le monde de la musique. Chacun d’eux nécessite des compétences spécifiques et une passion indéfectible pour cet art de la musique et du son.

Que vous soyez déjà engagé dans l’une de ces carrières ou que vous envisagiez une reconversion, il est crucial de continuer à développer vos compétences et de rester ouvert aux nouvelles tendances et technologies qui façonnent l’industrie musicale.

Si vous décidez de faire carrière dans la musique, je vous conseille fortement de ne pas vous restreindre à une seule spécialité, mais d’avoir plusieurs cordes à votre arc. La musique est un monde très concurrentiel.

Aussi, un instrumentiste doit être capable de composer, d’arranger, de faire du sound design, de mixer, de masteriser… Et tous ces acteurs de la musique doivent dorénavant maitriser la production musicale en home studio. La polyvalence est synonyme d’emploi.

Enfin, bien que les femmes soient encore sous-représentées dans ces métiers de la musique, souvent d’ailleurs dans les postes techniques, elles sont de plus en plus nombreuses et elles tirent très bien leur épingle du jeu.

Pour aller plus loin

En 2024, le podcast continue de s’imposer comme un média incontournable en France, séduisant un public de plus en plus large et diversifié. Que vous soyez entrepreneur, créatif, communiquant ou simplement passionné, lancer votre podcast est désormais à portée de main.

Découvrez les sept raisons pour lesquelles vous devriez vous lancer dans cette aventure enrichissante et accessible. Lancer votre podcast peut transformer votre communication et renforcer votre présence en ligne. Dans cet article, nous explorons la croissance phénoménale du podcast, ses avantages uniques, et les outils pour débuter facilement.

1. La croissance du Podcast est exponentielle en France

Le podcast a connu une véritable explosion en France ces dernières années. Selon une étude de Médiamétrie, plus de 18 millions de Français écoutaient des podcasts en 2023, un chiffre en augmentation de 20% par rapport à l’année précédente.

Cette tendance montre que le podcast est un média en pleine expansion, avec un public de plus en plus large et diversifié. La population podcast était majoritairement dans la tranche d’âge 35-45 ans. Mais ces tranches d’âge s’élargissent de plus en plus aux deux extrémités : 25-35 ans et 45-65 ans.

En lançant votre podcast en 2024, vous vous inscrivez dans une dynamique positive et vous avez l’opportunité de toucher un public grandissant.

2. Communiquer de manière authentique et intime

Le podcast offre une forme de communication unique et authentique. Contrairement aux autres médias, le podcast permet une connexion plus intime avec les auditeurs. La voix humaine, avec ses nuances et ses émotions, crée une proximité et une confiance difficilement atteignables par d’autres canaux de communication.

Dans votre podcast, vous parlez à l’oreille de vos auditeurs avec votre sincérité. C’est la forme de communication la plus puissante qui soit.

En choisissant de lancer un podcast, vous choisissez de communiquer de manière plus personnelle et engageante.

3. Accéder facilement à la création de contenu

L’un des grands avantages du podcast est son accessibilité. Que vous soyez entrepreneur, artiste, formateur ou simplement passionné par un sujet, vous pouvez lancer votre propre podcast sans avoir besoin de compétences techniques avancées ni d’un budget important.

Avec un simple microphone et un logiciel de montage basique, vous pouvez déjà produire des épisodes de qualité professionnelle. De plus, il existe de nombreuses ressources en ligne pour vous guider à chaque étape, mais surtout des formations, des accompagnements très complets vers la création et la diffusion de votre chaîne de podcasts.

4. Utiliser un média très polyvalent

Le podcast est un média extrêmement polyvalent. Il peut être utilisé pour différents objectifs : partager des connaissances, raconter des histoires, promouvoir une entreprise, ou même comme outil de communication interne.

Par exemple, de nombreuses grandes entreprises utilisent désormais les podcasts pour informer et motiver leurs employés. Peu importe vos objectifs, le podcast peut être adapté pour répondre à vos besoins spécifiques.

Dans les années qui viennent, vos compétences de podcasteurs·ses seront de plus en plus recherchées par les entreprises en interne, mais aussi en prestations externes.

Dans un futur très proche, on peut imaginer que n’importe quel business aura besoin de son podcast. Il y a là une perspective nouvelle de prestations qui auront comme avantage également d’être beaucoup moins coûteuses pour les petites entreprises que des productions vidéo.

C’est une révolution ! Pouvez-vous imaginer le podcast d’un chef-cuisinier ? Ou bien encore celui d’un jardinier ? De n’importe quel artisan ou artiste, connu ou encore inconnu ?

5. Renforcer son image de marque

Lancer votre podcast peut considérablement renforcer l’image de marque de votre entreprise ou de votre projet personnel. En partageant du contenu pertinent et de qualité, vous pouvez vous positionner comme un expert dans votre domaine.

Vous pouvez non seulement parler de votre marque, de votre activité, mais aussi donner la parole à vos clients ou à vos fans. Les interviewer, discuter avec eux.

Lancer votre podcast augmente non seulement votre crédibilité, mais aussi votre visibilité et votre influence. Un podcast bien conçu peut attirer de nouveaux clients, partenaires ou followers, tout en fidélisant ceux que vous avez déjà.

6. Profiter d’une flexibilité inégalée

Le podcasting offre une flexibilité que peu d’autres médias peuvent égaler. Vous pouvez enregistrer vos épisodes à tout moment et les publier quand bon vous semble. Cette liberté vous permet de gérer votre emploi du temps comme vous le souhaitez.

Et les auditeurs peuvent écouter vos podcasts où et quand ils le veulent : en voiture, dans les transports en commun, en faisant du sport, ou en cuisinant… Et sans gêner l’entourage, car 99% des auditeurs les écoutent avec des écouteurs sur leur téléphone.

Cette accessibilité et cette flexibilité favorisent une consommation régulière de vos contenus audio.

7. Se doter d’un impact éthique et écologique

Enfin, le podcast est un média plus respectueux de l’environnement comparé aux formats traditionnels comme la télévision ou la radio. Il ne nécessite pas de ressources matérielles importantes et son empreinte carbone est relativement faible.

Pour lancer votre podcast, vous n’avez besoin que d’un micro, d’un logiciel gratuit et d’un casque audio. Et ça suffit pour démarrer.

De plus, en tant que créateur de podcast, vous avez la possibilité de promouvoir des valeurs éthiques et responsables, que ce soit à travers le choix de vos sujets, votre manière de produire ou les messages que vous véhiculez.

De nombreux podcasts sont produits « at home » avec un simple micro et un ordinateur. On estime qu’un épisode de podcast coûte 10 à 100 fois moins cher en budget de production qu’une vidéo.

Conclusion

Lancer votre podcast en 2024 présente de nombreux avantages. Que ce soit pour profiter de la croissance du marché, établir une communication authentique, bénéficier de la flexibilité et de la polyvalence du format, ou encore renforcer votre image de marque, les raisons ne manquent pas. N’attendez plus pour vous lancer dans cette aventure passionnante et accessible à tous. Que vous ayez des ambitions professionnelles ou personnelles, le podcast est un outil puissant pour atteindre vos objectifs.

Pour aller plus loin et lancer votre podcast

En tant que formateur-expert en techniques audio et multimédia, je vous invite à découvrir nos formations professionnelles continues chez Audio Formations. Que vous souhaitiez maîtriser la production de podcasts, de vidéos, ou d’autres contenus multimédia, nous sommes là pour vous accompagner et vous aider à réussir dans vos projets.

Que se passerait-il si vous posiez votre guitare à plat sur une table ? Au lieu de la porter normalement… Et bien ça s’est passé dans les années 60-70 : des guitaristes pionniers ont ouvert la voie.

Ces pionniers ont eu l’audace de poser leur guitare sur la table et ils ont inventé tout un tas de techniques et de dispositifs pour jouer de cette manière et produire des sons incroyables et innovants.

Avec des objets en bois, en métal, en papier, en carton, du tissu, des petits moteurs électriques, mais aussi tout simplement avec les mains.

Certains, comme Fred Frith, sont devenus des maitres dans l’art de préparer la guitare et ils ont inspiré une myriade de musiciens, improvisateurs ou compositeurs qui perpétuent cette tradition des musiques nouvelles.

Ce qui les a tous séduit c’est de pouvoir transformer leurs guitares en véritables usines à sons. On parle aussi de guitare augmentée, car petit à petit se sont aussi rajoutés l’électronique, le midi…

Un disque emblématique

Il existe un disque emblématique qui a ouvert les portes à toute une génération de guitaristes, dont je suis. Je veux parler du magnifique disque Guitar Solos de Fred Frith, paru sur Caroline Records en octobre 1974.

Frith y expérimente beaucoup de techniques spécifiques de guitare préparée qu’il développera plus tard au fil des années. Notons que toutes ne sont pas exactement de la guitare de table, mais la plupart utilisent des préparations spéciales à l’aide d’objets divers et variés.

Vous pouvez écouter cet album révolutionnaire à son époque et qui dépasse encore aujourd’hui toutes les classifications, sur le bandcamp de Fred :

https://fredfrith.bandcamp.com/album/guitar-solos

Des Objets sur la guitare ?

Et bien voilà : prenez votre guitare, électrique de préférence, posez la sur la table et là, comme par magie vous pouvez déjà utiliser vos 2 mains avec vos 10 doigts en percutant les cordes, en les chatouillant, en les grattant.

Mais vous pouvez aussi expérimenter avec toutes sortes d’objets, les poser, les glisser entre les cordes. No limit ! Votre imagination et vos oreilles vous emmènent dans un autre monde instrumental !

Objets métalliques, en bois, en verre, en pierre : chaque matériau va apporter des sonorités différentes. Mais c’est aussi la forme de l’objet appliqué qui va déterminer son jeu sur l’instrument et permettre de développer des sons et des dynamiques de jeu inouïes.

Drone guitar

Dans ce domaine il y a un petit bidule exceptionnel utilisé par beaucoup de guitaristes de tous styles : l’Ebow, ou l’archet électronique qui va vous permettre de produire des drones, des notes très longues et de les introduire dans votre jeu, dans votre panoplie sonore, que ce soit en guitare de table, préparée ou en guitare conventionnelle.

L’Ebow s’appuie sur 2 cordes et met en vibration continue la 3ème corde qui se trouve entre les deux.

50 ans après

1974/2024 ! A l’occasion de la réédition de son album Guitar Solos, Fred Frith a enregistré un nouvel album de guitare solos, sorti récemment en février 2024. Son titre Fifty. Vous pouvez l’écouter sur les plateformes numériques.

Ou bien encore acheter l’édition vinyle ou CD de ces 2 albums.

Les autres guitaristes emblématiques de la guitare préparée

Le 1er instrument électronique c’est sans doute le Theremin. Il a été inventé en 1919 par l’ingénieur russe Leon Theremin. Instrument légendaire, c’est aussi le seul qui se joue sans jamais le toucher.

Il est composé d’un boîtier électronique équipé de deux antennes, on produit les sons sans le toucher. Le plus souvent, la main droite commande la hauteur de la note, en jouant avec l’antenne verticale. L’antenne horizontale, en forme de boucle, est utilisée pour faire varier le volume.

L’histoire tourmentée de Léon Theremin

Ingénieur et inventeur génial, né à Saint-Petersbourg en 1896, Léon Theremin, Termen en russe, est soupçonné d’avoir été un espion russe envoyé aux Etats Unis par l’URSS dans les années 20.

C’est là qu’il fit la démonstration de son instrument révolutionnaire, le Theremin et qu’il rencontra une violoniste virtuose, Clara Rockmore. Elle se passionna pour l’instrument et développa la première technique de jeu spécifique à cet instrument.

L’ambition de Clara Rockmore était de pouvoir jouer le répertoire classique du violon à l’aide d’une technique des doigts très précise et originale. Il s’agissait de pouvoir jouer dans l’air des notes extrêmement précises, ainsi que de donner autant de nuances que nécessaire.

Puis il fut rappelé au bercail et envoyé sous contrôle dans un laboratoire au goulag par Staline. C’est là qu’il développa toute une série d’inventions électroniques dans le domaine de l’espionnage.

Quelques apparitions célèbres du Theremin au cinéma

Mais son passage à New York où il donna de nombreux concerts avec Clara Rockmore, a permis à son Theremin de faire son chemin auprès des compositeurs de films américains, tout d’abord.

Ensuite, cet instrument a marqué discrètement toute une époque au cinéma avant l’invention du synthé. Dès les années 40, on peut l’entendre dans des films noirs, comme La Maison du Docteur Edwards d’Alfred Hitchcock et dans les premiers films de science-fiction américains. Puis dans les années 60, le Theremin est immortalisé notamment par Captain Beefheart dans Electricity, par les Beach Boys dans leur célèbre morceau Good Vibrations.

Et ensuite, le Theremin a été utilisé jusqu’à nos jours dans une quantité incroyable de pièces de musique contemporaine, mais aussi de morceaux pop, rock, chanson, comme Whole Lotta Love de Led Zeppelin et encore beaucoup de musiques de films et de séries, comme Mars Attacks ! ou le générique de L’inspecteur Barnaby.

Par contre, en France à la même époque, les Ondes Martenot, une invention française, ont été plus souvent utilisées au cinéma. Beaucoup de compositeurs français, dont Olivier Messiaen, ont aussi composé un grand nombre de pièces classiques et contemporaines pour l’instrument.

Le Theremin, seul ancêtre du synthétiseur ?

Mais il y a un cousinage évident entre ces 2 instruments considérés comme les premiers instruments électroniques. Ils utilisent tous les deux un oscillateur électronique qui produit une onde sinusoïdale au son velouté caractéristique qui évoque le violon ou la voix humaine.

Au tout début des années 60, Robert Moog commença pour ainsi dire sa carrière d’ingénieur en électronique en réparant des Theremins et en est resté amoureux bien après ses créations de synthétiseurs beaucoup plus sophistiqués.

A tel point qu’il relança la fabrication des theremins dans les années 80 pour assurer sa pérennité. Son apport à l’instrument fut de réduire considérablement son encombrement et de remplacer les lampes par des transistors. Ceci le rendit plus compact mais aussi plus constant et moins fragile.

Aujourd’hui l’instrument est fabriqué par Moog Music et il est à la portée de tous les musiciens pour quelques centaines d’euros.

Jouer du theremin

La technique de jeu est à la fois simple et complexe. On utilise ses 2 mains mais jamais on ne touche le theremin. Plus on s’approche de l’antenne verticale, plus le son devient aigu. L’antenne de gauche sert à contrôler le volume, c’est une sorte de pédale d’expression.

Simplissime, me direz-vous ? Et saisissante, cette sensation de sculpter le son dans l’air avec ses mains, avec ses doigts. Oui, bien sûr ! Mais beaucoup plus compliqué de maitriser précisément les hauteurs, les tons, les demi-tons sans avoir l’appui d’un manche ou d’un clavier avec des touches.

D’ailleurs Clara Rockmore et d’autres spécialistes russes du theremin ont développé et codifié les techniques de jeu. L’instrument peut maintenant s’apprendre à l’aide de plusieurs méthodes existantes.

Alors vous l’avez entendu, ce son unique ? Ben oui pas beaucoup de réglages. En gros on a toujours le même son, ce son caractéristique, sinusoïdal. Mais on peut aussi faire de grandes choses en le branchant sur des pédales d’effets et là tout est possible !

Ecoutez :

A l’heure actuelle, le theremin est très souvent utilisé, mais comme instrument d’appoint, pour donner quelques touches sonores dans des arrangements de tous styles. Mais on attend avec impatience qu’un musicien, un compositeur lui donne ses lettres de noblesse en le plaçant au cœur d’une création musicale en position de soliste.

Pour aller plus loin

On a vu que le theremin est un instrument électronique primitif, mais dont l’originalité a toujours fait mouche et lui confère une certaine pérennité. D’autant plus que ce son analogique ne demande qu’à devenir une source pour toutes sortes de manipulations sonores numériques à effectuer en live ou en studio.

Si vous êtes intéressé·e, vous pouvez voir des vidéos et les modèles disponibles sur moogmusic.com. Et pourquoi ne pas utiliser un theremin dans vos créations musicales, dans vos prods ?

Le Theremin aujourd’hui

Si vous êtes intéressé·e, vous pouvez voir des vidéos et les modèles disponibles sur moogmusic.com.

Et pourquoi ne pas utiliser un theremin dans vos créations musicales, dans vos prods ?

Mais si vous êtes novice en production musicale, alors n’hésitez pas à vous former : c’est le meilleur moyen pour gagner du temps, apprendre les bonnes méthodes et s’approcher au plus vite du son professionnel :

Rock The Casbah, ce sont des colonies de vacances et des stages artistiques autour de la musique, du cinéma, du théâtre, de la danse, des arts graphiques, de la photo, de la fiction sonore et bien d’autres ! Ces séjours, ces colos artistiques offrent les conditions idéales pour une véritable immersion dans le monde de la création et de l’expression artistique collectives, le tout dans une joyeuse ambiance !

Ecoutez l’interview des animatrices Guisane Humeau et Charlie Marchal

L’association séjours Rock the Casbah et ses colos artistiques

Depuis 12 ans, les colos artistiques de Rock The Casbah proposent des expériences uniques avec une immersion totale dans le monde de la création artistique dans une joyeuse ambiance collective et fraternelle. La musique et le cinéma étaient leurs premières propositions, puis le théâtre et la danse se sont ajoutés au fil du temps.

Cette année, de nouvelles expressions artistiques sont proposées avec 3 nouveaux séjours (Photo, Hippothéa et Fiction Sonore) et 2 semaines supplémentaires au mois d’août.

Le taux d’encadrement est d’un animateur spécialisé pour 5 à 7 participants pour les colos artistiques. Ce fort taux d’encadrement (plus du double du taux requis par la réglementation) est un choix et il permet de proposer aux participants les meilleures conditions possibles pour leur colonie de vacances artistique.

Des activités complémentaires (cinéma, musique, ciné-club, grands jeux, sorties, etc.) sont aussi proposées et du matériel professionnel est toujours à disposition des participants et des animateurs.

Les équipes pédagogiques des séjours sont composées d’intervenants professionnels, d’artistes et d’animateurs diplômés ayant de solides pratiques dans leurs domaines respectifs. Musiciens, professeurs de musique, réalisateurs, monteurs, preneurs de son, comédiens, metteurs en scène, danseurs, photographes …

Le projet éducatif des colos artistiques de Rock The Casbah s’inscrit dans les valeurs de l’éducation populaire. Les projets pédagogiques de chaque colo artistique sont adaptés aux différents publics accueillis. Ils privilégient la coopération à la compétition : l’apport de chacun, dans sa singularité, permet de construire un objet culturel collectif de qualité.

À propos du lieu des colos artistiques

Les séjours de colos artistiques de Rock The Casbah ont lieu à Ineopole Formation, MFR d’Occitanie à Brens (81). Il s’agit d’une Maison Familiale Rurale étendue sur 6 hectares, dans un cadre naturel et arboré, qui jouxte Gaillac dans le Tarn (à 50 km de Toulouse)

Le château et les salles d’activités sont confortables et fonctionnels. Les jeunes y sont logés, dans des chambres de 2 à 6 lits sur 2 étages. Dans le centre, diverses salles de restauration, un terrain de sport et un barbecue. 8 salles d’activité et un amphithéâtre de 182 places pour le ciné-club et les restitutions de fin des séjours (concert, projection, etc.).

La colo artistique Fiction Sonore

Un tout nouveau séjour centré sur la fiction sonore a particulièrement attiré notre attention.

Ce séjour fiction sonore propose de se concentrer sur le son et rien que le son ! Raconter des histoires, réaliser une fiction ou un documentaire, créer une émission de radio, réaliser des bruitages originaux… tout est possible dans ce séjour accompagné par une réalisatrice sonore, Guisane Humeau.

5 heures d’ateliers par jour, de la cueillette de sons dans la nature, en ville ou sur les lieux du séjour, au travail de ces sons dans des logiciels dédiés. Cette matière servira à créer des œuvres collectives diverses, un véritable « cinéma pour les oreilles » !

L’objectif pédagogique se créera autour des envies des participant.es, le produit final sera le fruit de leur imagination et créativité ! Le séjour se termine par une diffusion des réalisations des jeunes le vendredi soir devant leur famille et leurs amis en live (réalisation de bruitages + jeu d’acteur.ice etc. sur scène) ou monté et mixé au préalable.

Cette colo artistique se déroulera du dimanche 4 au vendredi 9 août 2024 pour les 12-17 ans. Il se déroulera en parallèle de 3 autres séjours artistiques (photo, cinéma et musique).

Quelques mots sur l’animatrice Guisane Humeau :

Après ses études où elle s’intéresse à l’une des premières communautés virtuelles de l’internet « The WELL », elle entre en 2013 au CREADOC à Angoulême où elle découvre le documentaire sonore et sa puissance immersive. Guisane Humeau est aujourd’hui diplômée de son Master «écriture et réalisation de documentaires de création».

Le montage sonore, l’écriture et l’improvisation de textes sont ses modes d’expression privilégiés, dans une démarche attentive à la mémoire, au temps et au corps. Elle fait aujourd’hui partie des collectifs de création « Les moyens habiles », « Les menstruelles » et « La disquette ».

En 2015 elle reçoit le prix « Petites Ondes » du festival Longueur d’Ondes de Brest pour le documentaire sonore Plus je vieillis, plus ça me revient !

Pour conclure

Des colos artistiques pour ados, mais aussi pour enfants et adultes. Voilà une idée géniale ! Elle est unique en son genre : des colos, ca existe, mais des colos artistiques centrées sur les pratiques artistiques et la création dans tous ses états, c’est unique !

Et si en plus, les activités sont menées par des professionnels des différentes disciplines artistiques proposées, alors là c’est un gage d’excellence.

De plus, ces colos artistiques sont inclusives : les tarifs sont modulés en fonction des revenus des familles. Et Rock The Casbah est agréé : les familles défavorisées peuvent obtenir des aides publiques pour les séjours de leurs enfants.

Toutes les infos sur toutes les colos artistiques, les dates, les programmes, les tarifs, les inscriptions sur le site web de Rock The Casbah.

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Audio Formations : audio, vidéo, production musicale

Pour vos nouvelles compétences en techniques audio, vidéo pour la musique et pour le web, toutes les formations professionnelles continues pour vous accompagner vers votre réussite :

En 2024, Audiorama a fêté ses 40 années de musique. Créée en 1983, cette structure entreprend des créations musicales et des actions culturelles. Située à Strasbourg, elle rayonne sur l’Est de la France et bien au delà des frontières.

Le label de disques Audiorama

A l’origine, Audiorama se dénommait Planétarium. C’était le label de disques qui produisit le premier album d’Alesia Cosmos en 1983, ainsi que Planeta la revue sonore des musiques nouvelles.

Planétarium diffusait également bon nombre de labels underground de disques, de cassettes et des fanzines. Musiques nouvelles, free music, rock in opposition, l’époque était fertile en France, en Europe et dans le monde entier.

Pendant les années 90, le label s’est développé, année après année, accueillant aussi bien les créations des membres d’Alesia Cosmos, Bruno de Chénerilles, Pascal Holtzer que d’autres groupes ou compositeurs comme Les Phônes, Jo Krencker, Jean-Gilles Charvot …

Après une accalmie au début des années 2000, les rééditions des 2 premiers albums d’Alesia Cosmos, Exclusivo! et Aeroproducts, par des labels américain et français ont réactivé le label avec le 3ème album du groupe. Enregistré en 2019, Live at Audiorama est un double album CD.

Plusieurs projets parallèles, menés par des membres d’Alesia Cosmos, ont été édités depuis : VaVaVoom !, Alien Disko, ainsi que Small Hits, un single de versions inédites des 2 titres phares du groupe.

Enfin en 2023, le label polonais Impulsy Stetoskopu éditait 2 enregistrements de concerts inédits de la fin des années 70, donnés par Corbo Combo et Danger, 2 formations de musique improvisée, préfigurant le projet Alesia Cosmos.

Tous ces disques sont en vente dans la boutique en ligne Audiorama Records.

Les créations musicales

Dans les années 90, Bruno de Chénerilles a développé des projets de création musicale, notamment Fantômes – Saxo3 (93), Move Sweet Move (96) et surtout Ruban : un Portrait Sonore de l’Alsace (99-2010).

Pour ce dernier projet par étapes, il a parcouru l’Alsace de long en large en initiant 7 créations musicales doublées à chaque fois d’ateliers d’action culturelle en lien avec les habitants de ces territoires. Une réédition des 10 albums musique et vidéo du Portrait Sonore est en projet et devrait voir le jour prochainement.

Plus récemment, il a collaboré avec de nombreux musiciens improvisateurs français, canadiens et allemand en créant un dispositif de live electronics qui lui permet de traiter électroniquement les sons des instruments acoustiques en direct pendant les concerts.

Il s’agit là de créer en live du matériau musical original à partir même de ce qui est joué sur le moment par l’instrument acoustique : voix, cuivres, cordes, percussions…

Action Culturelle

Dès ses débuts avec Alesia Cosmos, Audiorama s’est engagé dans des actions culturelles et pédagogiques. D’abord adossées aux tournées d’Alesia Cosmos, ces actions se sont intégrées à part entière dans chaque étape du Portrait Sonore de l’Alsace.

A partir de 1999, Bruno de Chénerilles est intervenu régulièrement dans les projets musicaux de quartier portés par Audiorama à Strasbourg. Port du Rhin, puis Koenigshoffen… Et enfin Meinau et Neuhof depuis 2011.

Dans ces projets, une démarche d’éveil et de pratique des techniques numériques musicales est adressée particulièrement aux enfants et aux jeunes en partenariat avec les acteurs éducatifs et sociaux dans ces quartiers défavorisés.

La pratique musicale pour tous est le maître mot de ces ateliers à l’école ou en plein-air au pied des immeubles. Grâce aux ipads, aux corps sonores et au chant, la musique est accessible sans éducation préalable, dans l’instant. Pour le plus grand plaisir des petits et des grands.

Ecoutez les restitutions des écoles de la Meinau et du Neuhof en 2024

Pour soutenir le travail et la recherche des musiciens d’Audiorama, achetez leurs disques dans la boutique en ligne :

La création de podcast, dans l’écosystème numérique actuel, n’est pas seulement une tendance passagère mais une révolution dans la manière de consommer et de partager l’information, les histoires, et les passions. Si vous vous êtes déjà demandé si le podcasting était fait pour vous, voici sept raisons, plus approfondies, qui pourraient bien vous inciter à sauter le pas dans la création de podcast.

Le monde du podcast a connu une croissance fulgurante ces dernières années, se positionnant comme un médium de choix pour ceux qui cherchent à partager leurs idées, leurs passions, ou à construire une communauté engagée autour d’un sujet spécifique.

Si l’idée de démarrer votre propre podcast vous titille mais que vous hésitez encore à franchir le cap, voici sept raisons qui pourraient bien vous convaincre de vous lancer dans cette aventure captivante : la création de podcast.

1. Une Plateforme pour Partager Votre Passion de Manière Profonde

Le premier attrait du podcasting réside dans sa capacité à offrir une plateforme unique pour partager vos passions.

Le podcast est une scène ouverte à tous, permettant de diffuser largement ce qui vous passionne. Que votre cœur batte pour la musique, l’innovation technologique, la gastronomie, les voyages, les intrigues policières, la poésie ou encore l’histoire, il existe une audience pour absolument tous les sujets imaginables.

Contrairement à d’autres formes de médias, le podcast permet une exploration en profondeur de sujets spécifiques, allant des plus populaires aux plus nichés. Cette profondeur d’exploration crée un lien particulier entre vous et vos auditeurs, qui ressentent votre enthousiasme et votre engagement.

En parlant de ce qui vous anime, en partageant régulièrement votre savoir et vos découvertes, vous créez un espace d’échange et d’apprentissage qui enrichit non seulement votre vie mais aussi celle de vos auditeurs.

Vous invitez les autres dans votre univers en créant une expérience immersive qui peut transformer l’écoute passive en une véritable connexion émotionnelle.

2. Création de podcast : Renforcer Votre Expertise et Crédibilité

Se positionner comme un expert dans un domaine via la création de podcast n’est pas seulement gratifiant sur le plan personnel; cela peut aussi avoir des répercussions significatives sur votre carrière ou votre business.

En abordant des sujets complexes avec aisance, en partageant des insights uniques ou en invitant d’autres experts, vous construisez une bibliothèque de contenus qui témoignent de votre savoir.

Cette accumulation de connaissances accessibles en fait une ressource inestimable pour ceux qui cherchent à apprendre, tout en solidifiant votre statut d’expert.

En vous exprimant sur des thématiques qui vous tiennent à cœur et que vous maîtrisez, vous vous établissez comme une voix d’autorité dans votre domaine.

Chaque épisode de podcast est une opportunité de montrer votre expertise et de renforcer votre crédibilité auprès de votre audience. Cela peut avoir un impact significatif sur votre carrière ou votre activité, en attirant de nouvelles opportunités professionnelles, en vous ouvrant les portes de conférences, ou même en vous permettant de publier des livres ou des articles.

3. Développer une Communauté Engagée et Fidèle

Les podcasts ont ce pouvoir magique de transformer des auditeurs occasionnels en une communauté fidèle et engagée. Cet engagement vient de la nature intime du podcasting, où les auditeurs vous invitent dans leur quotidien, que ce soit lors d’une promenade, d’un trajet en voiture, ou dans le confort de leur foyer.

Et c’est votre voix, votre parole qui se niche au creux de leur oreille. Elle devient familière, complice. Mais n’oublions pas que la voix parlée reste depuis toujours le moyen de communication le plus puissant.

En effet ce format unique du podcast favorise la création de liens forts entre vous et vos auditeurs. Contrairement aux médias sociaux, où l’interaction peut être superficielle et éphémère, les podcasts permettent de développer une véritable communauté d’auditeurs fidèles et engagés.

En cultivant cette relation, en encourageant les retours, en intégrant les questions de votre audience dans vos épisodes, ou en organisant des événements dédiés, vous renforcez le sentiment d’appartenance à une communauté soudée et passionnée, les liens avec votre audience. Vous créez un cercle vertueux d’engagement et de fidélité.

4. Un Moyen Accessible et Économique de Créer du Contenu de Qualité

L’un des attraits majeurs de la création de podcast est sa très grande facilité d’accès. Avec un équipement de base – un bon microphone, un logiciel d’enregistrement, et une pièce calme – vous pouvez produire du contenu de qualité.

N’importe qui peut commencer à enregistrer et à diffuser ses propres émissions.

Cette facilité d’accès à la création de podcast en fait une option séduisante pour ceux qui débutent dans la création de contenu. Sans nécessairement pouvoir disposer de gros budgets ou des compétences avancées que supposerait une production vidéo.

De plus, les ressources et tutoriels disponibles en ligne offrent une mine d’informations pour améliorer la qualité de production au fil du temps, rendant le podcasting encore plus accessible à tous.

Mais attention ! Se lancer à l’arrache dans la création de podcast, en picorant à droite et à gauche risque de vous prendre beaucoup de temps et de vous écarter de votre objectif final :

Créer votre chaine de podcasts de qualité technique professionnelle et aux contenus passionnants.

5. Flexibilité et Liberté Créative Sans Égal

En tant que podcasteur, vous avez une liberté créative quasi totale. Du choix des sujets à la structure des épisodes, en passant par le rythme de publication, vous avez le contrôle.

La création de podcast se distingue par cette très grande liberté en termes de création de contenu. Que vous préfériez un format court et dynamique ou des épisodes longs et détaillés, le choix vous appartient.

Cette flexibilité vous permet d’adapter votre podcast à votre style de vie, à vos contraintes de temps, et surtout à vos ambitions créatives.

Expérimenter avec différents formats, intégrer de la musique, des effets sonores, ou changer le ton et le style de narration sont aussi des moyens d’affiner votre voix unique.

6. Opportunités de Monétisation et de Networking

Bien que la création de podcast puisse débuter comme une passion et parfaitement le rester, elle offre aussi potentiellement et à terme des voies de monétisation intéressantes.

Que ce soit à travers des partenariats, des sponsorings, ou la création de contenu exclusif pour des plateformes payantes, la vente de produits dérivés, ou encore des abonnements payants, les options sont nombreuses pour générer des revenus.

Parallèlement, la création de podcast peut devenir un outil de networking puissant. En invitant des experts, des collègues podcasteurs, ou des personnalités du secteur, vous tissez un réseau de contacts précieux, d’investisseurs ou des partenaires commerciaux ouvrant la porte à des collaborations fructueuses.

Mais ne vous attendez pas à tout de suite entrer dans la cour des grands. Il vous faut tout d’abord faire vos premières armes, être crédible et professionnel pour arriver à développer votre audience. Il faudra vous accrocher le temps qu’il faut pour être écouté·e d’un minimum d’auditeurs, suffisant pour arriver à monétiser.

On dit toujours dans les affaires qu’il faut un minimum de 3 ans d’activité pour qu’un business ait une chance de devenir rentable. C’est un peu çà aussi dans la création de podcast.

7. Améliorer Vos Compétences en Communication et en Narration

Animer un podcast vous amène à aiguiser vos compétences en communication et en narration. Chaque épisode est une occasion de pratiquer l’art de la parole pour captiver votre audience.

Trouver votre voix de podcast.

Structurer vos idées de manière cohérente, parler clairement et de manière engageante, savoir écouter vos invités et réagir à leurs propos sont autant de compétences que vous développerez au fil des épisodes.

Ces compétences sont transférables dans de nombreux aspects de la vie professionnelle et personnelle, faisant du podcasting un investissement enrichissant bien au-delà du simple fait de créer du contenu.

Il y a beaucoup du journalisme dans le podcast. Les techniques sont les mêmes, dans l’écriture comme dans l’interview et l’improvisation. Mais ce qui change et qui est enthousiasmant, c’est que vous pouvez vous permettre plus de passion, de subjectivité…

Et ne le négligez pas, recevoir des feedbacks de votre audience sera une source précieuse d’apprentissage et d’amélioration continue.

Conclusion

La création de podcast est bien plus qu’une simple tendance; c’est une plateforme puissante pour partager des idées, construire une communauté et développer des compétences.

Que vous soyez motivé·e par la passion de partager votre savoir, l’envie de construire une audience engagée ou le désir d’explorer de nouvelles avenues créatives et professionnelles, la création de podcast offre un monde d’opportunités.

Et l’audience des podcasts grimpe toujours plus au fil des années. 37% des français écoutent déjà des podcasts. C’est le seul média qui monte, qui grimpe !

Alors, pourquoi ne pas saisir le micro et commencer votre propre aventure podcastique ?

Pour aller plus loin

Si l’idée de vous lancer dans la création de podcast pour démarrer votre propre chaine de podcasts vous inspire, mais que vous ne savez pas par où commencer et que vous voulez aller droit au but, réaliser votre objectif : créer votre chaine de podcasts,

Alors, vous devez envisager une formation dédiée à la création de podcast. Avec des conseils d’expert, des astuces techniques, une méthode infaillible et un accompagnement individuel, nous pouvons vous aider à transformer votre vision en réalité sonore.

Pour commencer à construire votre empire podcastique dès aujourd’hui, visitez cette page pour plus d’informations :