Dans mes formations, je vois tous les jours trop, beaucoup trop de ces très mauvaises pratiques qui barrent la route vers le son professionnel que nous souhaitons tous obtenir dans notre home studio. Voilà pourquoi dans cet article, je vous propose 7 très bonnes pratiques pour un son professionnel dans votre home studio.

1. A la prise !

Lorsque vous enregistrez un son, zéro égaliseur, zéro compresseur, zéro plugin, ce qu’il vous faut c’est le vrai son brut d’un très bon micro très bien placé. Aucune correction. Et c’est tout !

Pourquoi ? Parce qu’il est essentiel de capter toutes les fréquences, tout le rendu de votre bon micro de studio.

Vous n’avez pas de bon micro ? Alors commencez en priorité par en acheter un, un micro à grosse capsule : je vous conseille un Neumann ou un Rode. Mais de grâce, évitez tout le reste !

Et attention, méfiez-vous des vulgaires copies chinoises sur Ali Express. N’achetez jamais çà, vous le regretteriez amèrement.

Et apprenez les bons placements de micro !

2. Les égaliseurs ?

Dans 90% des pistes vous n’avez pas besoin de plus de 2 égalisations. Et même parfois aucune correction. Pourquoi ?

Si vos sons enregistrés sont de bonne qualité, généralement ils ne demandent pas plus qu’un petit coupe-graves ou sans doute une petite bosse de présence.

Et les instruments virtuels que vous choisissez ont un son de qualité, donc c’est pareil. Ne croyez pas que vous devez absolument utiliser toutes les bandes de fréquence possibles sur votre égaliseurs.

Et en plus, à chaque fois que vous allumez un réglage, vous consommez du processeur, ce qui est vital dans votre home studio.

Si vos sons sont de bonne qualité, pourquoi les égaliser ?

Et si vos sons ne sont pas de bonne qualité ? Et bien jetez-les à la corbeille et recommencez ! Attention, parfois l’acoustique de votre local, de votre home studio peut elle aussi être responsable de la mauvaise qualité de vos prises de son.

N’utilisez que des sons qui sont au top !

3. Les compresseurs ?

Pour compresser quoi ? Utiliser des compresseurs est souvent très compliqué, d’ailleurs savez-vous ce que fait exactement un compresseur ? Comment il fonctionne ? Et quel compresseur utiliser, quand et où ?

Je suis quasi certain que vous ne savez pas grand chose en cette matière.

Alors compressez le moins possible : jamais de compression à la prise, vous pouvez utiliser des presets de compression, mais compressez toujours légèrement, jamais à donf !

Pourquoi ? Si vous compressez trop, vous allez écraser, voire même bousiller votre son, réduire sa dynamique et enfreindre les standards des plateformes et des supports physiques.

Savez-vous aussi qu’il existe d’autres moyens de rectifier la dynamique de vos pistes tout en préservant la qualité du son ? On peut appeler çà la compression sans compresseurs et çà s’apprend …

4. Réchauffer votre son ?

Un des seuls reproches qu’on peut faire au son numérique, c’est qu’il est assez clinique, un peu froid, un peu trop clean. C’est assez vrai quand on le compare au bon vieux son analogique des bandes magnétiques et des lampes.

Alors comment réchauffer le son numérique ? On peut utiliser des consoles de mixage cultes, des pré-amplis à lampes hors de prix, des micros de studio à lampes. Çà peut coûter très, très cher !

Par ailleurs, ce qu’on veut, dans son home studio, c’est pouvoir mixer dans son ordinateur, sur son logiciel audio. Mixer dans la boîte, comme on dit souvent.

Et bien on fait depuis plusieurs années des émulations de pré-amplis à lampes, de bande magnétique analogique, et ils sont de plus en plus efficaces et assez faciles à utiliser.

Les grandes marques de plugins font maintenant de très belles choses qui permettent de réchauffer et de bonifier le son numérique.

5. Aérer votre mix !

Aérer, créer de l’espace autour de vos sons, dans votre mix. C’est le fin du fin, ce que peu de home-studistes amateurs savent faire vraiment.

Sauriez-vous expliquer ce que c’est que l’écoute stéréophonique ? Comment cela fonctionne ? Et comment recréer artificiellement un espace stéréo dans votre mix ? Et oui, ce n’est pas seulement panpoter des sons à droite, à gauche et au centre.

C’est bien plus que cela ! Savez-vous utiliser la profondeur ? Créer cette dimension dans votre mix ?

Alors si vous n’avez pas appris à faire tout çà, pas la peine d’essayer le mixage en binaural ou en dolby atmos.

Vous allez d’abord devoir apprendre à faire votre espace stéréo à la base avec des réverbs et des delays.

6. Mastériser c’est compliqué ?

Pas tant que çà. Bien sûr, il faut savoir le faire car cela demande quelques précautions. La plupart du temps cela consiste principalement à résoudre les éventuels conflits de fréquences et à redonner un peu plus de peps à votre mix dans les limites des préconisations des différents supports de diffusion.

Encore faut-il savoir déceler les problèmes, comment les résoudre et avoir toutes les bonnes informations.

Mais en général et à condition d’avoir une bonne base, c’est à dire un bon mix, c’est tout à fait faisable en home studio.

Ah j’oubliais : il faut aussi une bonne écoute de studio pour faire un bon mastering et c’est en général ce qui fait défaut dans la plupart des home studios. Sans compter des oreilles éduquées et affinées, çà aussi, çà ne court pas les rues.

7. Alors Combien de plugins ?

Pour bien produire un titre dans votre home studio, il ne faut pas plus de 10 plugins différents dans votre projet.

Sur les pistes : un égaliseur, un préampli-compresseur, un délay, départ vers 2 réverbs, 2 bus de réverbs (une courte , une longue)

Sur la sortie master, un maximizer, un égaliseur multibandes ou un correcteur de , un plugin de mesure.

Vous avez compté ? Entre 8 et 10, pas plus. Evidemment si vous avez 24 pistes, il en faudra un peu plus, mais en utilisant les sends et les groupes, vous allez économiser du processeur à tire larigot.

Avez-vous besoin de plus ? Je ne crois pas. C’est la méthode de production professionnelle qui tue : Less is More, en ne surtraitant jamais systématiquement les sons.

Pour conclure

Dans votre home studio, simplifier les processus techniques, élaguer, supprimer beaucoup de plugins vous permet de retrouver un son plus naturel, des mixes plus respectueux des sons et de nos oreilles.

C’est çà la méthode Less is More, celle qu’utilisent tous les créateurs, les meilleurs des meilleurs. Comme disait Antoine de Saint-Exupéry : «  L’oeuvre est terminée lorsqu’il ne reste plus rien à enlever. »

Pour aller plus loin :

C’est aussi cette méthode que j’enseigne dans toutes mes formations audio et vidéo qui concernent le home studio, le podcast et la vidéo :

Dans le monde du web, produire des contenus pertinents et engageants est devenu un enjeu majeur pour capter l’attention des audiences et se démarquer dans une mer d’informations.

Que vous soyez créateur de contenu, musicien, podcasteur ou entrepreneur, une IA comme ChatGPT peut transformer votre manière de créer. Cet outil offre une palette d’opportunités pour générer des idées, structurer vos articles, rédiger efficacement et optimiser vos contenus.

Mais, attention ! ChatGPT n’est pas une personne, mais un logiciel intelligent. Ne l’oubliez pas dans vos prompts : inutile de vous adresser à lui comme à un humain, pas de familiarités, pas de politesses. Pas besoin de le remercier, pas de s’il te plaît !

C’est très important pour vous car c’est vous qui impulsez, qui décidez, qui faites les bons choix. ChatGPT n’est qu’une aide logicielle.

Dans cet article, je vous propose 7 clés pratiques pour utiliser ChatGPT et rendre votre processus de création plus fluide et productif.

Clé 1 : Générer des Idées de Contenu

La première étape de la création de contenu est souvent la plus difficile : trouver une bonne idée. ChatGPT peut servir d’assistant de brainstorming, en générant des idées de sujets qui résonnent avec votre audience. Que vous souhaitiez écrire un article, créer une vidéo ou lancer un podcast, cet outil peut vous aider à explorer des thèmes variés.

Exemple de prompt :

« Quels sont les sujets tendance dans le domaine de la production musicale en 2024 ? »

« Je cherche 10 idées d’articles pour un blog sur le podcast « 

Ces prompts permettent à ChatGPT de vous fournir une liste d’idées que vous pourrez affiner en fonction de votre style et de vos objectifs. En quelques minutes, vous avez une base solide de sujets pour vos prochains contenus.

Astuce : N’hésitez pas à interagir avec ChatGPT en affinant vos questions. Si une idée vous plaît, demandez plus de détails ou des sous-thèmes connexes. Par exemple, si vous choisissez « Les meilleures techniques d’enregistrement en home studio », demandez-lui ensuite des idées de sous-sections

Clé 2 : Créer un Plan d’Article Structuré

Une fois le sujet choisi, il est crucial de définir un plan structuré. Un bon plan vous guide tout au long de la rédaction, vous évitant les digressions et vous aidant à garder un fil conducteur.

Exemple de prompt :

« Je veux un plan détaillé pour un article sur les meilleures pratiques d’enregistrement audio en home studio « 

« Quelles sections inclure dans un guide complet sur la production de podcasts ? »

En quelques secondes, ChatGPT vous proposera une structure cohérente avec des sections et des sous-sections que vous pourrez adapter selon vos besoins. Cela vous fera gagner un temps précieux, surtout si vous avez tendance à procrastiner face à une page blanche.

Astuce : Ajoutez vos propres idées au plan généré. Utilisez le comme base, mais personnalisez-le pour refléter votre expertise et vos points de vue uniques.

Clé 3 : Rédiger des Titres et des Accroches Impactantes

Le titre et les premières phrases de votre contenu sont déterminants pour capter l’attention du lecteur. Un bon titre donne envie de cliquer, tandis qu’une accroche efficace pousse le lecteur ou le spectateur à rester.

Exemple de prompt :

« Je cherche 5 versions d’un titre accrocheur pour un article sur le montage vidéo facile pour débutants. »

« Je désire des accroches percutantes pour introduire un tutoriel sur le mixage audio. »

ChatGPT peut générer plusieurs variantes de titres et d’accroches. Vous pouvez ensuite choisir celle qui vous semble la plus percutante ou les combiner pour créer un effet maximal.

Astuce : Testez vos titres en utilisant des outils comme CoSchedule Headline Analyzer pour vérifier leur impact potentiel. Un bon titre doit être clair, concis et susciter la curiosité.

Clé 4 : Rédaction de Contenu Fluide et Engagé

Rédiger du contenu demande du temps et de l’inspiration. ChatGPT peut vous aider à écrire des paragraphes complets ou à reformuler des idées complexes de manière plus simple.

Exemple de prompt :

« Rédiger un paragraphe sur l’importance du mastering dans la production musicale. »

« Comment expliquer simplement la compression audio à un débutant ? »

L’outil peut générer du contenu initial que vous pourrez peaufiner selon votre style et ajouter des anecdotes ou des exemples concrets pour le rendre plus engageant.

Astuce : N’utilisez pas le texte généré tel quel. Considérez-le comme une ébauche que vous retravaillez pour y ajouter votre touche personnelle. Cela permet d’éviter le ton impersonnel et générique.

Clé 5 : Optimisation SEO avec ChatGPT

Pour que votre contenu soit visible sur les moteurs de recherche, il doit être optimisé pour le SEO. ChatGPT peut vous aider à identifier les mots-clés pertinents et à les intégrer naturellement dans votre texte.

Exemple de prompt :

« Quels mots-clés utiliser pour un article sur la création de musique électronique ? »

« Je cherche des questions fréquemment posées sur l’enregistrement audio que je pourrais intégrer à mon article « 

Vous pouvez aussi demander à ChatGPT de reformuler des phrases pour inclure des mots-clés de manière fluide, ce qui améliore le référencement sans sacrifier la lisibilité.

Astuce : Combinez les suggestions de ChatGPT avec des outils SEO comme Google Keyword Planner ou Ubersuggest pour obtenir une liste complète et hiérarchisée de mots-clés à cibler.

Clé 6 : Créer des Scripts pour Vidéos et Podcasts

Si vous créez du contenu multimédia, ChatGPT peut être d’une grande aide pour rédiger des scripts complets, que ce soit pour des vidéos YouTube, des podcasts ou même des stories Instagram.

Exemple de prompt :

« Rédiger un script pour une vidéo YouTube de 5 minutes sur les bases du mixage audio. »

« Créer un script pour un podcast sur les erreurs courantes en home studio et comment les éviter. »

Le script généré inclura des éléments comme l’introduction, les points à aborder, des transitions et même des appels à l’action, vous laissant plus de temps pour vous concentrer sur l’enregistrement et la post-production.

Astuce : Relisez le script en pensant à votre voix et à votre ton. Ajustez les phrases pour qu’elles correspondent à votre style de narration.

Clé 7 : Gérer et Réviser le Contenu

La révision est une étape cruciale. ChatGPT peut vous aider à corriger les fautes d’orthographe, de grammaire, et à reformuler des passages pour améliorer la fluidité du texte.

Exemple de prompt :

« Corriger ce paragraphe et améliorer sa lisibilité : [texte]. »

« Reformuler ce passage pour qu’il soit plus percutant « 

Cette fonctionnalité est particulièrement utile pour détecter des erreurs que vous auriez pu manquer ou pour rendre le texte plus dynamique.

Astuce : Utilisez ChatGPT comme un premier filtre, puis relisez votre texte manuellement ou avec un autre outil de correction comme Antidote pour une relecture plus fine.

Conclusion

ChatGPT est un outil puissant pour optimiser et accélérer la création de contenu web. Que vous soyez un créateur chevronné ou débutant, ces 7 clés vous permettront de tirer le meilleur parti de cet assistant virtuel. De la génération d’idées à la rédaction finale, ChatGPT peut s’intégrer dans chaque étape de votre processus créatif, vous faisant gagner du temps tout en enrichissant vos contenus.

Mais n’oubliez jamais : ce n’est pas une baguette magique ! C’est votre intelligence humaine qui tirera le meilleur parti de l’intelligence artificielle de Chat GPT.

Alors, prêt à tester ces clés dans vos prochaines créations ?

Si vous souhaitez aller plus loin,

N’oubliez pas la création de contenus audio et vidéo : podcasts, vidéos, shorts, productions musicales. Vous pouvez certes utiliser ChatGPT pour scripter vos contenus de communication. C’est très utile et vous gagnerez beaucoup de temps !

Mais il vous faudra également de solides compétences pour les réaliser techniquement et atteindre un niveau professionnel.

Et là je vous propose de vous accompagner avec des formations professionnelles en ligne qui vous mèneront directement vers votre réussite, vers votre but.

Bruno de Chénerilles,
formateur-expert en techniques audio, vidéo pour le web et la musique

Pour comprendre ces dynamiques de la création, on peut essentiellement examiner ces 6 pôles en 3 couples de valeurs : Contrainte-Liberté, Technique-Invention, Passé-Futur. Chaque couple évoque une tension, un dialogue nécessaire à l’acte de création. Explorons-les ensemble.

Contrainte – Liberté : L’équilibre entre rigueur et spontanéité

La création, quelle qu’elle soit, se situe toujours quelque part sur cet axe entre ces deux pôles extrêmes : la contrainte et la liberté.

La Contrainte : un cadre stimulant pour la création

La contrainte, loin d’être un frein à la création, en est souvent le moteur. Que ce soit une limitation de moyens, des règles esthétiques ou techniques, ou encore des délais serrés, ces restrictions forcent à sortir des sentiers battus.

Les contraintes stimulent l’ingéniosité. En musique, par exemple, travailler avec une gamme restreinte ou un nombre limité de pistes peut pousser à des solutions innovantes que l’on n’aurait pas trouvées dans un cadre illimité.

Prenons l’exemple de la musique électronique : un artiste qui a accès à un synthétiseur analogique doit tirer parti de chaque sonorité, en modifiant à l’extrême les paramètres pour créer des textures uniques. Cette contrainte technique engendre alors de nouvelles formes d’expression.

La Liberté : l’espace de l’imagination

De l’autre côté, la liberté est l’espace où tout est possible. La page blanche, le studio vide, ou encore un morceau à inventer : c’est dans ce vide que surgit la magie de la création. C’est la liberté de rêver, d’expérimenter sans se soucier des règles ou des attentes. La liberté permet à l’artiste d’aller au-delà de ce qu’il connaît, de se laisser porter par l’inspiration et l’instinct.

Cependant, cette liberté totale peut aussi désorienter. Sans contrainte dans son parcours de création, l’artiste peut se perdre, procrastiner ou être paralysé par trop de choix. C’est souvent dans l’interaction entre la contrainte et la liberté que naissent les créations les plus marquantes.

Technique – Invention : Le rôle de l’outil et de l’innovation

Dans le processus de la création, la technique et l’invention sont les pôles complémentaires du 2ème axe.

La Technique : la maîtrise des outils

La technique représente la compétence, la maîtrise des outils et des méthodes. C’est une base nécessaire : sans une solide connaissance technique, l’artiste ne peut pas pleinement réaliser ses idées.

Par exemple, dans la musique, comprendre comment utiliser une station audio-numérique, savoir enregistrer des voix correctement ou mixer des sons sont des prérequis pour aller plus loin dans la production.

Cette maîtrise technique est souvent acquise à travers des années d’apprentissage, d’essais et d’erreurs. Un guitariste, par exemple, doit d’abord apprendre les accords et maîtriser son instrument avant de pouvoir improviser et composer.

Ce qui nous dirige vers la question de la connaissance théorique en musique : maitriser le solfège, l’harmonie, les différents styles et traditions musicales dans le temps et dans le mone.

L’Invention : sortir des sentiers battus

L’invention c’est l’innovation, le moment où l’artiste transcende la technique pour apporter quelque chose de nouveau. C’est le moment de liberté où l’artiste se permet d’expérimenter avec les outils à sa disposition pour créer quelque chose d’inédit. Elle consiste à explorer des chemins inconnus, souvent en rompant avec les conventions établies.

Même dans la musique pop, un artiste comme David Bowie a constamment réinventé sa musique, non seulement en innovant techniquement, mais aussi en remettant en question les formats et les genres musicaux. Il utilisait les techniques existantes pour les transformer en une création totalement novatrice.

Interaction entre technique et invention

Nous venons de le voir, ces deux pôles sont opposés, mais aussi se nourrissent mutuellement. La technique seule est stérile si elle n’est pas mise au service de l’invention. De même, sans technique, l’invention peut manquer de structure et de force. L’artiste doit naviguer entre ces deux pôles pour réaliser une création ambitieuse et aboutie.

Passé – Futur : Inspirations d’hier et perspectives de demain

C’est notre 3ème axe dans le processus de la création.

Le Passé : un héritage créatif

Comme chacun d’entre nous, l’artiste est ancré dans une histoire, une tradition, un héritage. Le passé nourrit la création, que ce soit à travers des références culturelles, des styles, ou des techniques apprises des générations précédentes.

La connaissance de cet héritage permet à l’artiste de se situer dans un contexte, d’enrichir ses créations avec des références conscientes ou inconscientes.

Par exemple, dans la musique, de nombreux genres contemporains trouvent leurs racines dans des traditions anciennes. Le jazz, par exemple, puise dans le blues et la musique classique, tandis que la musique électronique d’aujourd’hui s’appuie souvent sur les premières expérimentations sonores du XXe siècle.

Le Futur : innovation et anticipation

Mais la création ne se limite pas à ce qui a été fait. Elle est aussi tournée vers le futur, vers l’exploration de nouvelles formes, de nouvelles idées, de nouveaux outils.

L’artiste doit anticiper, parfois imaginer des réalités qui n’existent pas encore. C’est cette tension vers l’avenir qui permet aux créateurs de repousser les frontières de leur art. C’est aussi le rôle social majeur des artistes dans la société : inventer des maquettes pour le futur.

Le futur, c’est aussi la technologie. Aujourd’hui, avec l’IA, la réalité augmentée ou la musique générée par des algorithmes, l’artiste est confronté à des possibilités encore impensables il y a quelques années.

Le dialogue entre passé et futur

Ainsi, le passé et le futur se répondent dans le processus de création. Le passé ancre, le futur propulse. En réinventant le passé, en l’adaptant aux enjeux contemporains, l’artiste crée une œuvre résolument nouvelle, mais porteuse d’un héritage.

Et très souvent, il est nécessaire pour l’artiste de revenir aux sources, de revisiter les créations passées pour consolider sa création au présent et dans le futur.

Des exemples concrets dans la création musicale et multimédia

Dans la musique et la production multimédia, ces 6 pôles de la création sont omniprésents.

Prenons l’exemple de la production d’un morceau de musique électronique. Le producteur est contraint par les outils à sa disposition (synthés, échantillons, logiciel…), mais libre d’expérimenter avec ces outils pour créer des sons uniques.

La maîtrise technique (le mixage, l’arrangement) est nécessaire pour donner vie à l’invention. Et il puise dans des influences passées (disco, funk, house, classique , jazz, pop, rock …) tout en cherchant à créer un son futuriste.

Les 2 cerveaux : Gauche et Droit

Notre cerveau fonctionne selon deux modes distincts, mais complémentaires, localisés chacun dans un hémisphère, le gauche et le droit.

Le cerveau gauche : logique et structuration

L’hémisphère gauche est souvent associé à la logique, à l’analyse, à la rationalité. C’est lui qui nous permet de maîtriser les techniques, de respecter les contraintes, d’organiser notre processus de création. Il est le cerveau de la méthode, celui qui pose des bases solides pour l’élaboration d’une œuvre.

Le cerveau droit : intuition et créativité

Le cerveau droit, en revanche, est celui de l’intuition, de l’émotion, de l’imaginaire. C’est lui qui permet d’innover, de se libérer des règles, d’imaginer, de rêver des mondes nouveaux. C’est lui qui est à l’origine de l’invention, de l’audace artistique.

Une interaction continue

Comme pour toutes les actions dans notre vie courante, le processus de création repose sur l’interaction entre ces deux modes de pensée. L’artiste doit sans cesse naviguer entre l’organisation logique et l’exploration intuitive pour donner naissance à des créations équilibrées, à la fois structurées et inventives.

Conclusion : Harmoniser les tensions de la création

Si on les situe sur 3 axes, ces six pôles de valeur s’opposent 2 à 2 et opèrent grâce aux 2 hémisphères de notre cerveau.

Mais en réalité, ils peuvent très bien ne pas s’opposer, mais se compléter. Le véritable processus de création consiste même à naviguer entre ces tensions, à harmoniser contrainte et liberté, technique et invention, passé et futur. C’est de cette interaction que naît la richesse artistique.

Chaque artiste, chaque créateur doit trouver son propre équilibre entre ces pôles, en fonction de son projet, de ses aspirations, de ses outils. C’est cet équilibre, cette gestion de toutes ces contradictions, propre à chacun, qui fait la singularité et la valeur de sa création.

Pour aller plus loin dans la création musicale et multimédia

Si vous êtes dans la création musicale, mais aussi de contenus web, méditez et appliquez ces principes. Et n’oubliez jamais que vous n’êtes pas seul·e et que vous pouvez vous faire accompagner par des experts pour avancer plus vite.

Et notamment pour vous doter des bonnes méthodes, des bonnes techniques qui vont vous permettre de propulser vos pulsions et vos rêves de création.

Dans cet article, je vais limiter mes observations au domaine du numérique et plus spécialement à internet. On estime que 90 % des sites et plateformes web françaises ne sont pas réellement accessibles aux déficients visuels ou aux malentendants.

La plupart des émissions de radio et de télévision ne proposent pas de solution d’accessibilité aux déficients visuels ou aux malentendants.

C’est valable aussi dans les 2 cas pour le secteur privé, mais encore plus grave aussi pour le service public. A commencer par les sites du gouvernement !

Premier exemple : un déficient visuel ne peut toujours pas faire sa déclaration d’impôts sans l’aide d’un voyant.

La déclaration d’impôts en ligne

En France, la déclaration d’impôts en ligne a été théoriquement conçue pour être accessible aux personnes en situation de handicap, y compris les non-voyants.

Les autorités fiscales françaises ont fait des efforts pour rendre le site web des impôts accessible conformément aux normes d’accessibilité du web, notamment les Web Content Accessibility Guidelines (WCAG).

Mesures d’accessibilité pour les non-voyants

• Compatibilité avec les lecteurs d’écran
• Navigation simplifiée
• Textes alternatifs et étiquettes
• Formulaires accessibles
• Assistance téléphonique et accompagnement

Limites et critiques

Malgré ces efforts, il existe encore beaucoup de critiques de la part des associations de défense des droits des personnes handicapées. Elles rapportent beaucoup de difficultés à naviguer sur le site en raison de nombreux bugs ou mises à jour qui affectent en permanence son accessibilité. De plus, la complexité de certains aspects de la déclaration peut rendre l’autonomie difficile, même avec un site techniquement accessible.

En somme, la déclaration d’impôts en ligne en France est théoriquement accessible aux non-voyants grâce aux diverses mesures mises en place pour respecter les normes d’accessibilité.

Cependant, l’expérience utilisateur est très variable et la plupart des personnes, handicapées ou valides, ont encore besoin d’une assistance supplémentaire pour compléter leur déclaration en toute autonomie.

Notons aussi pour ce cas particulier, que la déclaration d’impôts française n’est pas plus accessible aux personnes valides. En effet, la gestion des cas particuliers et les notices d’explications sont particulièrement incompréhensibles par le commun des mortels.

Le site de l’Urssaf accessible aux entrepreneurs ou salariés non-voyants ?

Un entrepreneur non-voyant ne peut pas faire ses démarches sur les sites de l’Urssaf. On estime que 50% de leurs contenus font l’objet de non-conformités importantes et ne sont donc pas accessibles à tout le monde.

Problèmes spécifiques

Parmi les principales non-conformités relevées, on trouve des composants interactifs qui ne sont pas toujours accessibles au clavier, des liens vides dans les menus, et des documents bureautiques non accessibles. Ces lacunes peuvent poser des obstacles significatifs pour les utilisateurs dépendant des lecteurs d’écran.

Mesures en cours

L’Urssaf a engagé un processus de mise en conformité qui inclut des audits réguliers, des plans pluriannuels d’amélioration, et un engagement à rendre accessibles toutes les applications et sites web d’ici 2026.

Rappelons que la loi sur l’accessibilité date de 2005 : à supposer que l’Urssaf respecte ses engagements sur l’accessibilité réglementaire, ce qui n’est vraiment pas certain, il aura fallu plus de 20 ans pour qu’elle le fasse.

Mais la date butoir prévue par la loi sur la dématérialisation de 2018, c’était 2022. L’Urssaf a donc déjà 4 années de retard sur ses obligations légales d’accessibilité.

Limites et critiques

En résumé, bien que des progrès aient été réalisés, le site de l’Urssaf n’est pas encore totalement accessible à 100 % pour les non-voyants et d’autres personnes handicapées. Il reste du chemin à parcourir pour atteindre une conformité totale avec les prescriptions de la loi sur l’accessibilité et l’inclusion.

Sans compter que l’accessibilité générale des plateformes de l’URSSAF, j’entends pour des personnes valides, laisse totalement à désirer. Tous les entrepreneurs et les employés d’entreprises chargés des formalités avec l’URSSAF comprendront de quoi je parle.

Et l’audiovisuel est-il accessible à tous ?

Le cas du service public

Les émissions et les podcasts de Radio France ne sont pas accessibles aux malentendants. Il existe pourtant une solution : le sous-titrage des podcasts et des émissions enregistrées.
Et pourquoi la radio en ligne ne pourrait-elle pas être sous-titrée en temps réel elle aussi ?

Les solutions techniques existent pourtant pour rendre la radio et les podcasts accessibles aux malentendants. Voyez mon podcast Plan Sonore sur Youtube, qui est accessible aux malentendants sans avoir le budget et les ressources techniques faramineux de Radio France.

Le cas particulier de France TV

Dans ce désert de l’inclusion absente des services publiques, une mention spéciale est à décerner à France TV : les retransmissions en direct des Paralympiques sont sous-titrées pour les malentendants, mais toujours pas disponibles en audio-description pour les déficients visuels.

Donc un petit bravo pour cet effort ! Mais c’est la moindre des choses, ne trouvez-vous pas ?

Néanmoins, il y a énormément de trous dans la raquette : si vous parcourez les programmes des différentes chaînes sur le site France TV, donc le service public financé par nos impôts, vous allez découvrir que la plupart des émissions, séries, films ne sont pas totalement accessibles, ni aux déficients visuels (audio-description), ni plus rarement aux malentendants.

Pire ! Je regarde en ce moment le direct des Paralympiques et je constate que le sous-titrage est complètement bâclé, désynchronisé : on remet les sous-titres 2 mn en arrière dans une épreuve de natation. Pas de sous-titrage des journalistes sur le plateau.

Quel mépris pour les malentendants ! Mais c’est encore pire pour les non-voyants. Pas d’audio-description.

Un exemple : je regarde en ce moment les épreuves de tennis-fauteuil à Roland Garros. Totalement inaccessible aux non-voyants ! A quoi pensent les commentateurs, les journalistes sportifs ?

Comme pour tous les directs de tennis, on a au commentaire un duo de journaliste sportif·ve et de consultant·e, généralement un ou une ancien·ne champion·ne de la discipline.

Et c’est un commentaire-bavardage entre les 2, déjà insupportable pour les valides, mais qui en plus ne donne pas les informations de base sur le match : la description du coup gagnant et le score. Visiblement, l’équipe des sports de France TV n’a pas réfléchi à l’accessibilité pour les non-voyants de leurs retransmissions. En effet, ils ne peuvent pas suivre les épreuves dans ces conditions.

On a vraiment l’impression que les JO ont déjà coûté tellement cher à France TV, que pour les Paralympiques, on a lésiné considérablement sur les moyens techniques et les innovations, quoique France TV puisse prétendre.

Une grande occasion ratée de faire un bond en avant pour l’accessibilité télévisuelle. Et encore une fois, ce seront à coup sûr les américains qui vont nous donner une leçon aux prochains Paralympiques de Los Angeles.

Public et Privé

Et qu’en est-il des directs et des diffusions sur les différentes chaines de TV publiques ou privées ? Et bien là aussi, on sent un effort, mais énormément de failles : il est extrêmement rare que les émissions soient accessibles à la fois aux déficients visuels (audio-description) et aux malentendants (sous-titrages).

Etc, etc… En effet l’URSSAF, les Impôts et l’Audiovisuel ne sont que 3 exemples criants de cette honte institutionnelle. Et pourtant …

La loi de 2005, renforcée en 2016,18 et 19 est pourtant formelle

La Loi n° 2005-102 du 11 février 2005 est intitulée « Loi pour l’égalité des droits et des chances, la participation et la citoyenneté des personnes handicapées »

Cette loi est le pilier de la législation française en matière d’accessibilité et d’inclusion. Elle a introduit des mesures importantes pour améliorer l’intégration des personnes handicapées dans la société.

Article 47 : Accessibilité des services publics numériques. Il impose l’accessibilité des sites internet des services publics aux personnes handicapées, incluant les non-voyants.

Le régime des contrôles et des sanctions pour le secteur public

La loi prévoit un contrôle de conformité par la DINUM, des sanctions en cas de non-conformité, ainsi que des recours au défenseur des droits et une assistance pour les citoyens.

Dans la pratique, aucune application concrète de la loi, ni sanction n’est intervenue avant 2020. Et depuis, les délais de mise en conformité à la loi ne cessent d’être repoussés pour les différentes administrations.

Les obligations pour le secteur privé

En revanche la loi est encore beaucoup plus floue en ce qui concerne les entreprises privées. Seules sont concernées celles qui proposent un service public ou des services essentiels au public, comme les banques, les compagnies d’assurance, les opérateurs de télécommunications, et les fournisseurs d’énergie.

Ces entreprises sont donc tenues de rendre leurs sites internet accessibles.

Bien que les sanctions spécifiques pour le secteur privé soient encore moins strictes que celles imposées au secteur public, les entreprises peuvent être poursuivies pour discrimination si elles ne rendent pas leurs services numériques accessibles. En outre, les plaintes peuvent être déposées auprès du Défenseur des droits.

Mais il n’y a manifestement pas de procédure automatique de contrôle des infractions. Le citoyen peut toujours déposer des plaintes au Défenseur des droits…

Mais honnêtement, quels sont les citoyens ou même les associations de citoyens qui vont se lancer dans une plainte en sachant que les lois sont si peu contraignantes et les sanctions quasi inexistantes ?

Pour conclure :

De qui se moque-t-on ? Des handicapés en tout premier, mais plus généralement aussi de tous les citoyens français.

La grand messe des jeux paralympiques servira-t-elle à permettre aux gouvernements, à l’administration française et au service public de continuer à se moquer des handicapés et de leur inclusion dans la vie du pays.

Personnellement, j’en suis persuadé : ce moment exceptionnel d’inclusion va permettre aisément de retomber dans le mépris et le non-respect de la loi. C’est un véritable déni de démocratie !

Là encore, tournons notre regard vers les USA, toujours en avance d’au moins 10 ans sur nous : la loi y est très contraignante en termes d’accessibilité numérique, pour tout le monde et les sanctions très lourdes sont appliquées.

Avez-vous remarqué que les plateformes américaines si décriées par les franco-français sont toutes accessibles à 100% ?

Ceci explique cela …

Audio Formations et l’accessibilité numérique

Afin de démontrer que si on veut, on peut et que ce n’est pas une question de budget, mais bien de bonne volonté, voyez comment notre organisme de formation a commencé à proposer des formations audio en ligne, accessibles aux non-voyants.

1. L’Oreille

L’Importance de l’Écoute

L’oreille est l’outil primordial de tout musicien. Avant même de toucher un instrument, l’écoute active permet de comprendre les nuances, les harmonies, et les rythmes. C’est en affinant son oreille que le musicien peut réellement interpréter et créer de la musique. L’écoute est aussi la première étape vers la création musicale, car elle permet de se nourrir de diverses influences.

Techniques pour Développer l’Oreille

Pour développer une oreille musicale, il est essentiel de pratiquer régulièrement des exercices d’écoute. L’entraînement auditif, comme le solfège, aide à identifier les intervalles, les accords, les progressions harmoniques et les sons eux-même.

De plus, écouter une variété de genres musicaux enrichit la palette auditive. Par exemple, le fait d’écouter du jazz, du classique, du rock, et des musiques du monde peut sensibiliser l’oreille à des structures et des sonorités diverses et variées.

Exemples Pratiques

Les musiciens professionnels comme Jacob Collier sont connus pour leur oreille exceptionnelle. Ils peuvent identifier et reproduire des accords complexes à l’oreille. Des applications comme « EarMaster » ou « Tenuto » peuvent aider les musiciens à améliorer leur reconnaissance auditive.

On peut noter aussi que nous ne sommes pas tous égaux à la naissance concernant les capacités auditives. Il n’y a pas 2 oreilles semblables et, sans vouloir décourager quiconque, ce sont les meilleures oreilles qui ont plus d’appétence musicale et de chances de réussite dans ce domaine.

2. L’Instrument

Choisir et Maîtriser son Instrument

L’instrument est l’extension physique du musicien. Choisir le bon instrument est crucial, car il doit correspondre à la sensibilité et au style de l’artiste.

Par exemple, un musicien attiré par les mélodies douces et les harmoniques subtiles pourrait choisir la guitare acoustique, tandis qu’un autre attiré par les sons puissants et percussifs pourrait opter pour la batterie.

Maîtriser son instrument nécessite des années de pratique, mais c’est aussi une source immense de satisfaction. La maîtrise technique permet de s’exprimer librement et de communiquer des émotions profondes à travers la musique.

Entretien et Relation avec l’Instrument

Un bon musicien entretient et respecte son instrument. Cette relation presque symbiotique permet de créer une connexion profonde et d’extraire le meilleur son possible. Par exemple, un violoniste passera du temps à ajuster la tension des cordes et à nettoyer l’instrument après chaque utilisation. Cet entretien régulier prolonge la vie de l’instrument et maintient sa qualité sonore.

3. Le Travail

La Discipline du Travail

La pratique régulière et assidue est indispensable pour tout musicien. C’est par le travail que l’on améliore sa technique, sa précision et sa capacité d’interprétation. La discipline du travail forge le caractère et la résilience du musicien. C’est indéniablement une des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Méthodes de Travail Efficaces

Il est crucial de structurer ses sessions de pratique. Alterner entre technique, théorie, et jeu libre permet de progresser de manière équilibrée. Par exemple, un pianiste peut commencer par des gammes et des exercices techniques, puis travailler sur des pièces classiques, et enfin improviser ou jouer des morceaux qu’il aime. Les répétitions méthodiques et l’utilisation de métronomes ou de backing tracks peuvent grandement améliorer la qualité de la pratique.

Anecdotes et Exemples

Ludwig van Beethoven est un exemple classique de la valeur du travail. Malgré sa surdité progressive, il a continué à composer certaines de ses œuvres les plus célèbres grâce à une discipline de travail incroyable. Des musiciens contemporains comme John Mayer ou Yo-Yo Ma ont également parlé de leur régime de pratique rigoureux qui les a aidés à atteindre un haut niveau de maîtrise.

4. L’Invention

La Créativité en Musique

L’invention est au cœur de la musique. Composer, improviser, et réarranger des morceaux existants stimule la créativité. C’est par l’invention que le musicien trouve sa voix unique et se distingue. L’invention musicale peut prendre plusieurs formes, de l’écriture de nouvelles compositions à la création de nouveaux arrangements pour des morceaux existants.

En passant aussi par l’improvisation radicale, qu’on appelle souvent composition instantanée. Elle est considérée par ses pratiquants comme le summum de l’invention, l’art total de l’instant en quelque sorte.

Encourager l’Invention

Pour encourager l’invention, il est utile de sortir de sa zone de confort. Explorer de nouveaux genres, collaborer avec d’autres musiciens, et expérimenter avec différents instruments ou technologies peut ouvrir de nouvelles perspectives créatives.

Par exemple, un guitariste classique peut très bien expérimenter avec une pédale d’effets pour créer des sons inédits.

Exemples Inspirants

Des artistes comme David Bowie et Björk sont célèbres pour leur capacité à réinventer leur musique et à explorer de nouveaux territoires sonores. Ils ne se contentent pas de suivre les tendances, mais créent de nouvelles voies grâce à leur créativité sans bornes.

5. La Polyvalence

L’Art de la Polyvalence

Être polyvalent permet au musicien de s’adapter à divers contextes et styles musicaux. La polyvalence enrichit le bagage musical et offre plus d’opportunités professionnelles.

Par exemple, un musicien capable de jouer du jazz, du rock, et de la musique classique sera plus demandé pour des collaborations et des concerts variés.

Comment Devenir Polyvalent

Pour devenir polyvalent, il est important de diversifier ses compétences. Apprendre plusieurs instruments, s’initier à différents genres, et développer des compétences techniques en production musicale sont autant de moyens d’y parvenir.

Un bassiste pourrait par exemple apprendre à jouer de la guitare et des claviers, et s’intéresser à la composition et à l’arrangement.

Les multi-instrumentistes sont des musiciens à la puissance ++, tant ils deviennent capables d’appréhender la musique de manière transversale et universelle.

Témoignages et Exemples

Prince est un exemple emblématique de polyvalence musicale. Il jouait de nombreux (presque tous) instruments, composait, produisait, et performait avec une aisance incroyable. Sa capacité à traverser les genres et à maîtriser divers aspects de la musique a fait de lui une légende. Il cultivait indéniablement les 7 valeurs fondatrices de la musique.

6. L’Expérimentation

Oser l’Expérimentation

L’expérimentation est essentielle pour repousser les limites de la musique. C’est par l’audace et l’innovation que des styles musicaux nouveaux émergent et que la musique évolue. Par exemple, les Beatles ont révolutionné la musique pop en incorporant des techniques d’enregistrement novatrices et des influences diverses dans leurs albums.

Techniques d’Expérimentation

Utiliser des effets sonores, des techniques de jeu non conventionnelles, ou les technologies modernes de l’informatique musicale peut transformer radicalement la musique. L’expérimentation doit être encouragée à tous les niveaux de la pratique musicale.

Par exemple, un guitariste peut utiliser un EBow pour produire des sons soutenus et éthérés, ou un chanteur peut expérimenter avec l’autotune pour créer des effets vocaux inédits. Mais ce ne sont là que la partie visible de l’iceberg, car l’expérimentation sonore n’a pas de limites.

Innovations et Exemples

Des artistes comme Radiohead et Aphex Twin sont connus pour leurs approches expérimentales de la musique. Radiohead a intégré des éléments électroniques et des structures de chansons non conventionnelles dans leur musique, tandis qu’Aphex Twin a exploré des textures sonores et des rythmes complexes dans la musique électronique. Sans compter les grands innovateurs dans le jazz, la musique électroacoustique…

Pour élargir le tableau, la liberté et l’originalité devraient être également parmi les valeurs fondatrices de la musique cultivées en permanence par tous les musiciens, ce qui est loin d’être le cas.

7. L’Expérience

L’Accumulation d’Expériences

L’expérience est la somme de toutes les pratiques, performances, et interactions musicales d’un musicien. Chaque expérience enrichit et affine sa compréhension de la musique.

Par exemple, jouer dans des environnements variés comme des petites salles, des festivals en plein air, ou des sessions d’enregistrement en studio permet d’acquérir des compétences précieuses et une compréhension plus profonde de la musique.

Partager et Transmettre l’Expérience

Les musiciens expérimentés ont la responsabilité de partager leurs connaissances. Enseigner, collaborer avec des artistes moins expérimentés, et participer à des projets communautaires permet de transmettre cet héritage musical des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Par exemple, des artistes comme Herbie Hancock et Quincy Jones sont non seulement des musiciens accomplis mais aussi des mentors pour les jeunes générations de musiciens.

Anecdotes et Témoignages

Miles Davis, tout au long de sa carrière, a joué avec des musiciens de différentes générations, transmettant son savoir et s’inspirant des nouvelles idées. Cette interaction entre générations a permis l’évolution constante de son style musical.

Conclusion

Ces 7 valeurs fondatrices de la musique – l’oreille, l’instrument, le travail, l’invention, la polyvalence, l’expérimentation, et l’expérience – forment la base sur laquelle tout musicien peut construire son art. En les cultivant, on ne fait pas seulement progresser son propre parcours musical, mais on contribue également à l’évolution de la musique dans son ensemble. Que vous soyez débutant ou professionnel, ces valeurs sont des guides intemporels pour développer votre passion et votre carrière dans la musique.

En conclusion, la musique est bien plus qu’un simple agencement de sons. C’est une discipline qui exige une oreille fine et élargie, une relation intime avec son instrument, une éthique de travail rigoureuse, une créativité incessante, une polyvalence adaptative, une soif d’expérimentation et une richesse d’expériences.

En cultivant ces 7 valeurs fondatrices de la musique, chaque musicien peut non seulement améliorer ses compétences techniques mais aussi enrichir son expression artistique et contribuer à l’évolution perpétuelle de cet art universel.

Pour aller plus loin

Les 7 options des métiers de la musique qui suivent sont chacune un métier différent en soi. Mais dans la réalité, nombreux sont ceux et celles dans le domaine musical qui exercent plusieurs métiers à la fois. Ainsi, Ils multiplient leurs chances de trouver un emploi, de décrocher des contrats.

En effet, il faut bien le dire : les métiers de la musique offrent certes beaucoup de possibilités, mais la mono-activité est très difficile à tenir professionnellement. Un excellent couteau suisse, aux compétences multiples a beaucoup plus de chances potentielles d’y survivre.

Instrumentiste

Être instrumentiste, c’est maîtriser un ou plusieurs instruments et se produire en solo ou au sein d’un ensemble (orchestre, groupe, duo, etc.). Ce métier peut s’exercer dans divers contextes : concerts, enregistrements en studio, événements privés, accompagnement d’artistes, etc.

Les instrumentistes doivent constamment travailler leur technique et leur interprétation pour rester au sommet de leur art. De plus, ils doivent souvent être polyvalents et s’adapter à différents styles musicaux.

Soulignons aussi qu’un chanteur ou une chanteuse est un instrumentiste : son instrument, c’est sa voix.

Les formations : étude d’un instrument ou du chant en école de musique, en conservatoire. Mais n’oublions pas que bon nombre d’instrumentistes et même de virtuoses sont des autodidactes, notamment dans les musiques populaires traditionnelles, la pop music, le jazz.

Exemples d’opportunités :

– Concerts live
– Sessions d’enregistrement
– Collaborations avec d’autres artistes
– Enseignement privé ou en école de musique

Professeur de musique

Son rôle est essentiel pour transmettre la passion et les compétences musicales aux nouvelles générations.

Les professeurs de musique peuvent enseigner dans des écoles de musique, des conservatoires, des établissements scolaires ou donner des cours particuliers d’instrument.

Ils doivent avoir une solide connaissance de la théorie musicale, être capables de jouer de plusieurs instruments, et posséder des compétences pédagogiques pour s’adapter aux besoins de chaque élève.

Les filières de formation sont plurielles : école de musique, conservatoire, mais aussi licence de musicologie pour les profs de musique de l’éducation nationale.

Exemples d’opportunités :

– Enseignement dans des écoles de musique ou des conservatoires
– Cours particuliers à domicile ou en ligne
– Animation d’ateliers et de stages musicaux
– Préparation des élèves aux concours et examens de musique

Compositeur

Le compositeur crée des œuvres musicales originales pour diverses finalités : films, séries télévisées, publicités, jeux vidéo, spectacles vivants, etc. La composition nécessite une maîtrise approfondie de la théorie musicale, de la créativité, et souvent des compétences en arrangement et orchestration.

Les compositeurs peuvent travailler en freelance ou être employés par des sociétés de production.

La plupart des compositeurs ont une formation supérieure en conservatoire, mais il n’est pas rare de rencontrer aussi des compositeurs autodidactes.

Exemples d’opportunités :

– Composition de musiques de film et de séries
– Création de bandes sonores pour jeux vidéo
– Musique pour publicités et spots promotionnels
– Œuvres originales pour concerts et enregistrements

Musicien intervenant

C’est un professionnel qui utilise la musique comme outil éducatif, thérapeutique ou social. Il intervient dans divers contextes comme les écoles, les hôpitaux, les centres sociaux, et les maisons de retraite.

Le but est d’éveiller à la musique, de rendre accessible à tous la pratique musicale, mais aussi d’améliorer le bien-être des individus par le biais de la musique.

Ce métier requiert des compétences élevées en pédagogie et en animation, une bonne compréhension des besoins des publics spécifiques, et une grande sensibilité.

Le DUMI est le diplôme professionnel requis pour intervenir auprès de tous ces publics. Il se prépare en 2 ans dans les 10 CFMI (Centre de Formation des Musiciens Intervenants) en France.

Il est nécessaire au départ de pratiquer au moins un instrument, de chanter juste et de connaître le solfège. Il est fréquent d’intégrer cette formation après 2 années ou une licence de musicologie. Les musiciens intervenants sont en général des couteaux suisses de la musique, à l’aise dans toutes sortes de contexte social.

Exemples d’opportunités :

– Ateliers musicaux en milieu scolaire
– Musicothérapie dans les hôpitaux et cliniques
– Programmes de réinsertion sociale par la musique
– Activités musicales dans les maisons de retraite, les prisons, les quartiers difficiles

Sound designer

Le sound designer est responsable de la création et de la manipulation des effets sonores pour les productions audiovisuelles et multimédias.

Il travaille sur la post-production des films, des jeux vidéo, des applications, des installations interactives et aussi sur l’habillage des spectacles vivants (théâtre, danse …), des scénographies d’expositions, dans les musées et sur certains grands évènements publics..

Le sound designer doit être à l’aise avec les logiciels de création sonore, avoir une bonne oreille et être capable d’innover pour créer des ambiances sonores uniques. Il doit également connaître les caractéristiques techniques des différents dispositifs de diffusion sonore.

Exemples d’opportunités :

– Création de paysages sonores pour le cinéma et la télévision
– Sound design pour les jeux vidéo et les applications mobiles
– Effets sonores pour les installations artistiques et les expositions
– Post-production audio pour la publicité et le marketing

Producteur-arrangeur

C’est un rôle clé dans la création musicale. Il supervise le processus de production d’un morceau, de l’écriture à l’enregistrement en passant par le mixage et le mastering.

Il travaille étroitement avec les artistes pour réaliser leur vision musicale. Les compétences requises incluent une connaissance approfondie des techniques d’enregistrement, des logiciels de production musicale, de la théorie de la musique et une capacité à diriger et inspirer les musiciens.

Il n’y a pas de formation spécifique pour ce métier, mais il requiert des compétences variées : instruments, composition, techniques de studio. Ce métier est presque toujours exercé par des musiciens.

Exemples d’opportunités :

– Production d’albums et de singles pour des artistes
– Arrangements musicaux pour différents genres
– Gestion de projets musicaux en studio
– Collaboration avec des labels et des maisons de disques

Ingénieur du son

C’est le professionnel en charge de la capture, du mixage et du mastering de l’audio. Il travaille en studio d’enregistrement, en live lors de concerts, ou dans la post-production audiovisuelle.

Ce métier exige une expertise technique pointue, une oreille attentive et la capacité de travailler en étroite collaboration avec les artistes et les producteurs pour obtenir le meilleur son possible.

Le titre professionnel d’ingénieur du son est accordé aux professionnels ayant une formation dans une école supérieure de son (niveaux licence, master). A un niveau en dessous, les techniciens son, les sonorisateurs peuvent avoir une formation plus sommaire (niveau BTS) ou même souvent être autodidactes.

Exemples d’opportunités :

– Enregistrement et mixage en studio
– Prise de son sur les tournages cinéma, télévision, vidéo-clips ou field recording
– Sonorisation de concerts et d’événements live
– Post-production audio pour le cinéma et la télévision
– Mastering de projets musicaux pour une diffusion professionnelle sur les réseaux ou sur supports physiques (CD, Vinyle)

Pour conclure

Ces 7 métiers de la musique représentent une partie des nombreuses opportunités offertes par le monde de la musique. Chacun d’eux nécessite des compétences spécifiques et une passion indéfectible pour cet art de la musique et du son.

Que vous soyez déjà engagé dans l’une de ces carrières ou que vous envisagiez une reconversion, il est crucial de continuer à développer vos compétences et de rester ouvert aux nouvelles tendances et technologies qui façonnent l’industrie musicale.

Si vous décidez de faire carrière dans la musique, je vous conseille fortement de ne pas vous restreindre à une seule spécialité, mais d’avoir plusieurs cordes à votre arc. La musique est un monde très concurrentiel.

Aussi, un instrumentiste doit être capable de composer, d’arranger, de faire du sound design, de mixer, de masteriser… Et tous ces acteurs de la musique doivent dorénavant maitriser la production musicale en home studio. La polyvalence est synonyme d’emploi.

Enfin, bien que les femmes soient encore sous-représentées dans ces métiers de la musique, souvent d’ailleurs dans les postes techniques, elles sont de plus en plus nombreuses et elles tirent très bien leur épingle du jeu.

Pour aller plus loin

Vous pouvez écouter cet article :

Découvrez les sept raisons pour lesquelles vous devriez vous lancer dans cette aventure enrichissante et accessible. Lancer votre podcast peut transformer votre communication et renforcer votre présence en ligne. Dans cet article, nous explorons la croissance phénoménale du podcast, ses avantages uniques, et les outils pour débuter facilement.

1. La croissance du Podcast est exponentielle en France

Le podcast a connu une véritable explosion en France ces dernières années. Selon une étude de Médiamétrie, plus de 18 millions de Français écoutaient des podcasts en 2023, un chiffre en augmentation de 20% par rapport à l’année précédente.

Cette tendance montre que le podcast est un média en pleine expansion, avec un public de plus en plus large et diversifié. La population podcast était majoritairement dans la tranche d’âge 35-45 ans. Mais ces tranches d’âge s’élargissent de plus en plus aux deux extrémités : 25-35 ans et 45-65 ans.

En lançant votre podcast en 2024, vous vous inscrivez dans une dynamique positive et vous avez l’opportunité de toucher un public grandissant.

2. Communiquer de manière authentique et intime

Le podcast offre une forme de communication unique et authentique. Contrairement aux autres médias, le podcast permet une connexion plus intime avec les auditeurs. La voix humaine, avec ses nuances et ses émotions, crée une proximité et une confiance difficilement atteignables par d’autres canaux de communication.

Dans votre podcast, vous parlez à l’oreille de vos auditeurs avec votre sincérité. C’est la forme de communication la plus puissante qui soit.

En choisissant de lancer un podcast, vous choisissez de communiquer de manière plus personnelle et engageante.

3. Accéder facilement à la création de contenu

L’un des grands avantages du podcast est son accessibilité. Que vous soyez entrepreneur, artiste, formateur ou simplement passionné par un sujet, vous pouvez lancer votre propre podcast sans avoir besoin de compétences techniques avancées ni d’un budget important.

Avec un simple microphone et un logiciel de montage basique, vous pouvez déjà produire des épisodes de qualité professionnelle. De plus, il existe de nombreuses ressources en ligne pour vous guider à chaque étape, mais surtout des formations, des accompagnements très complets vers la création et la diffusion de votre chaîne de podcasts.

4. Utiliser un média très polyvalent

Le podcast est un média extrêmement polyvalent. Il peut être utilisé pour différents objectifs : partager des connaissances, raconter des histoires, promouvoir une entreprise, ou même comme outil de communication interne.

Par exemple, de nombreuses grandes entreprises utilisent désormais les podcasts pour informer et motiver leurs employés. Peu importe vos objectifs, le podcast peut être adapté pour répondre à vos besoins spécifiques.

Dans les années qui viennent, vos compétences de podcasteurs·ses seront de plus en plus recherchées par les entreprises en interne, mais aussi en prestations externes.

Dans un futur très proche, on peut imaginer que n’importe quel business aura besoin de son podcast. Il y a là une perspective nouvelle de prestations qui auront comme avantage également d’être beaucoup moins coûteuses pour les petites entreprises que des productions vidéo.

C’est une révolution ! Pouvez-vous imaginer le podcast d’un chef-cuisinier ? Ou bien encore celui d’un jardinier ? De n’importe quel artisan ou artiste, connu ou encore inconnu ?

5. Renforcer son image de marque

Lancer votre podcast peut considérablement renforcer l’image de marque de votre entreprise ou de votre projet personnel. En partageant du contenu pertinent et de qualité, vous pouvez vous positionner comme un expert dans votre domaine.

Vous pouvez non seulement parler de votre marque, de votre activité, mais aussi donner la parole à vos clients ou à vos fans. Les interviewer, discuter avec eux.

Lancer votre podcast augmente non seulement votre crédibilité, mais aussi votre visibilité et votre influence. Un podcast bien conçu peut attirer de nouveaux clients, partenaires ou followers, tout en fidélisant ceux que vous avez déjà.

6. Profiter d’une flexibilité inégalée

Le podcasting offre une flexibilité que peu d’autres médias peuvent égaler. Vous pouvez enregistrer vos épisodes à tout moment et les publier quand bon vous semble. Cette liberté vous permet de gérer votre emploi du temps comme vous le souhaitez.

Et les auditeurs peuvent écouter vos podcasts où et quand ils le veulent : en voiture, dans les transports en commun, en faisant du sport, ou en cuisinant… Et sans gêner l’entourage, car 99% des auditeurs les écoutent avec des écouteurs sur leur téléphone.

Cette accessibilité et cette flexibilité favorisent une consommation régulière de vos contenus audio.

7. Se doter d’un impact éthique et écologique

Enfin, le podcast est un média plus respectueux de l’environnement comparé aux formats traditionnels comme la télévision ou la radio. Il ne nécessite pas de ressources matérielles importantes et son empreinte carbone est relativement faible.

Pour lancer votre podcast, vous n’avez besoin que d’un micro, d’un logiciel gratuit et d’un casque audio. Et ça suffit pour démarrer.

De plus, en tant que créateur de podcast, vous avez la possibilité de promouvoir des valeurs éthiques et responsables, que ce soit à travers le choix de vos sujets, votre manière de produire ou les messages que vous véhiculez.

De nombreux podcasts sont produits « at home » avec un simple micro et un ordinateur. On estime qu’un épisode de podcast coûte 10 à 100 fois moins cher en budget de production qu’une vidéo.

Conclusion

Lancer votre podcast en 2024 présente de nombreux avantages. Que ce soit pour profiter de la croissance du marché, établir une communication authentique, bénéficier de la flexibilité et de la polyvalence du format, ou encore renforcer votre image de marque, les raisons ne manquent pas. N’attendez plus pour vous lancer dans cette aventure passionnante et accessible à tous. Que vous ayez des ambitions professionnelles ou personnelles, le podcast est un outil puissant pour atteindre vos objectifs.

Pour aller plus loin et lancer votre podcast

En tant que formateur-expert en techniques audio et multimédia, je vous invite à découvrir nos formations professionnelles continues chez Audio Formations. Que vous souhaitiez maîtriser la production de podcasts, de vidéos, ou d’autres contenus multimédia, nous sommes là pour vous accompagner et vous aider à réussir dans vos projets.

Que se passerait-il si vous posiez votre guitare à plat sur une table ? Au lieu de la porter normalement… Et bien ça s’est passé dans les années 60-70 : des guitaristes pionniers ont ouvert la voie.

Vous pouvez écouter cet article :

Ces pionniers ont eu l’audace de poser leur guitare sur la table et ils ont inventé tout un tas de techniques et de dispositifs pour jouer de cette manière et produire des sons incroyables et innovants.

Avec des objets en bois, en métal, en papier, en carton, du tissu, des petits moteurs électriques, mais aussi tout simplement avec les mains.

Certains, comme Fred Frith, sont devenus des maitres dans l’art de préparer la guitare et ils ont inspiré une myriade de musiciens, improvisateurs ou compositeurs qui perpétuent cette tradition des musiques nouvelles.

Ce qui les a tous séduit c’est de pouvoir transformer leurs guitares en véritables usines à sons. On parle aussi de guitare augmentée, car petit à petit se sont aussi rajoutés l’électronique, le midi…

Un disque emblématique

Il existe un disque emblématique qui a ouvert les portes à toute une génération de guitaristes, dont je suis. Je veux parler du magnifique disque Guitar Solos de Fred Frith, paru sur Caroline Records en octobre 1974.

Frith y expérimente beaucoup de techniques spécifiques de guitare préparée qu’il développera plus tard au fil des années. Notons que toutes ne sont pas exactement de la guitare de table, mais la plupart utilisent des préparations spéciales à l’aide d’objets divers et variés.

Vous pouvez écouter cet album révolutionnaire à son époque et qui dépasse encore aujourd’hui toutes les classifications, sur le bandcamp de Fred :

https://fredfrith.bandcamp.com/album/guitar-solos

Des Objets sur la guitare ?

Et bien voilà : prenez votre guitare, électrique de préférence, posez la sur la table et là, comme par magie vous pouvez déjà utiliser vos 2 mains avec vos 10 doigts en percutant les cordes, en les chatouillant, en les grattant.

Mais vous pouvez aussi expérimenter avec toutes sortes d’objets, les poser, les glisser entre les cordes. No limit ! Votre imagination et vos oreilles vous emmènent dans un autre monde instrumental !

Objets métalliques, en bois, en verre, en pierre : chaque matériau va apporter des sonorités différentes. Mais c’est aussi la forme de l’objet appliqué qui va déterminer son jeu sur l’instrument et permettre de développer des sons et des dynamiques de jeu inouïes.

Drone guitar

Dans ce domaine il y a un petit bidule exceptionnel utilisé par beaucoup de guitaristes de tous styles : l’Ebow, ou l’archet électronique qui va vous permettre de produire des drones, des notes très longues et de les introduire dans votre jeu, dans votre panoplie sonore, que ce soit en guitare de table, préparée ou en guitare conventionnelle.

L’Ebow s’appuie sur 2 cordes et met en vibration continue la 3ème corde qui se trouve entre les deux.

50 ans après

1974/2024 ! A l’occasion de la réédition de son album Guitar Solos, Fred Frith a enregistré un nouvel album de guitare solos, sorti récemment en février 2024. Son titre Fifty. Vous pouvez l’écouter sur les plateformes numériques.

Ou bien encore acheter l’édition vinyle ou CD de ces 2 albums.

Les autres guitaristes emblématiques de la guitare préparée