Contact Formateur-expert en technologies audio, vidéo et multimédia pour le web et la musique. Compositeur, performer, producteur, fondateur de Plan Sonore, Audio Formations et Audiorama, il écrit et crée les contenus du blog, du podcast et des formations.
Audio & Multimedia Expert of the Year 2023 - France (AI Business Awards)
Voici le palmarès de cette 4ème édition du concours. Cette année, une cinquantaine de participants des 4 coins de France et même d’Afrique et du Canada, voyants et non-voyants ont envoyé leur épisode de podcast pour concourir.
Catégorie Débutant
6 podcasts préselectionnés : Noelle Wansi, Morgane Taulou, Roméo Fratti, Pascale Wakim, Philippe Dezempte, Cyril Alata Ils·elles gagnent un abonnement numérique à Podcast Magazine et un hébergement d’un an sur Podcastics pour leur future chaîne de podcasts
Les 3 gagnants : Morgane Taulou, Roméo Fratti, Cyril Alata gagnent la formation Réalisez et diffusez vos podcasts de A à Z offerte par Audio Formations et un hébergement d’un an pour leur future chaine sur Podcastics
Catégorie Expérimenté
6 podcasts préselectionnés : Isabelle Birambaux, Eric Avolo, Manu Faouen, Alice Mansaud, Maud Calves, Floriane Moro Ils·elles gagnent un abonnement numérique à Podcast Magazine
Les 3 gagnantes : Isabelle Birambaux, Alice Mansaud, Maud Calves Elles gagnent un set de 2 micros cravates Smartlav+ avec leur préampli Rode AI-Micro offerts par Vue (d’)Ensemble et un hébergement d’un an sur Podcastics
Catégorie Pro
4 podcasts Préselectionnés : Johann Swartvaguer, Thessa Izar, Gabriel Macé, César Forget gagnent un abonnement numérique à Podcast Magazine
Les 3 gagnants : Thessa Izar, César Forget, Johann Swartvaguer gagnent une rediffusion de leur épisode sur les chaines Entendez-Voir et Plan Sonore, un hébergement d’un an sur Podcastics et une campagne de publicité sur Facebook et Instagram offerte par Plan Sonore
Ecoutez les podcasts gagnants
important !
Toutes ces personnes (préselectionnées, gagnantes) figurant au palmarès seront recontactées individuellement par email pour la remise de leur prix. Attention : Ne vous désinscrivez surtout pas de notre liste sous peine de ne plus pouvoir être contacté·e.
Les 9 podcasts gagnants sont diffusés sur notre chaine de podcasts Plan Sonore.
Un grand Merci aux partenaires du concours : Podcastics, Podcast Magazine, Vue (d’)Ensemble, Festival Entendez-Voir !, Audio Formations, Plan Sonore.
Rendez-vous en 2025 pour la 5ème édition des Prix du Podcast – Strasbourg qui sera lancée au printemps prochain. Pour être tenu·e au courant, abonnez-vous à la newsletter de Plan Sonore.
Un appel tout particulier aux écoles élémentaires, collèges, lycées qui pourront participer l’année prochaine dans une nouvelle catégorie Ecoles. Les enseignants·tes intéressés·ées peuvent dors et déjà prendre contact avec Bruno de Chénerilles par ce lien : contact
Nous souhaitons coconstruire cette nouvelle catégorie avec eux, en tenant compte de leurs suggestions.
Que se passerait-il si vous posiez votre guitare à plat sur une table ? Au lieu de la porter normalement… Et bien ça s’est passé dans les années 60-70 : des guitaristes pionniers ont ouvert la voie.
Vous pouvez écouter cet article :
Ces pionniers ont eu l’audace de poser leur guitare sur la table et ils ont inventé tout un tas de techniques et de dispositifs pour jouer de cette manière et produire des sons incroyables et innovants.
Avec des objets en bois, en métal, en papier, en carton, du tissu, des petits moteurs électriques, mais aussi tout simplement avec les mains.
Certains, comme Fred Frith, sont devenus des maitres dans l’art de préparer la guitare et ils ont inspiré une myriade de musiciens, improvisateurs ou compositeurs qui perpétuent cette tradition des musiques nouvelles.
Ce qui les a tous séduit c’est de pouvoir transformer leurs guitares en véritables usines à sons. On parle aussi de guitare augmentée, car petit à petit se sont aussi rajoutés l’électronique, le midi…
Un disque emblématique
Il existe un disque emblématique qui a ouvert les portes à toute une génération de guitaristes, dont je suis. Je veux parler du magnifique disque Guitar Solos de Fred Frith, paru sur Caroline Records en octobre 1974.
Frith y expérimente beaucoup de techniques spécifiques de guitare préparée qu’il développera plus tard au fil des années. Notons que toutes ne sont pas exactement de la guitare de table, mais la plupart utilisent des préparations spéciales à l’aide d’objets divers et variés.
Vous pouvez écouter cet album révolutionnaire à son époque et qui dépasse encore aujourd’hui toutes les classifications, sur le bandcamp de Fred :
Et bien voilà : prenez votre guitare, électrique de préférence, posez la sur la table et là, comme par magie vous pouvez déjà utiliser vos 2 mains avec vos 10 doigts en percutant les cordes, en les chatouillant, en les grattant.
Mais vous pouvez aussi expérimenter avec toutes sortes d’objets, les poser, les glisser entre les cordes. No limit ! Votre imagination et vos oreilles vous emmènent dans un autre monde instrumental !
Objets métalliques, en bois, en verre, en pierre : chaque matériau va apporter des sonorités différentes. Mais c’est aussi la forme de l’objet appliqué qui va déterminer son jeu sur l’instrument et permettre de développer des sons et des dynamiques de jeu inouïes.
Drone guitar
Dans ce domaine il y a un petit bidule exceptionnel utilisé par beaucoup de guitaristes de tous styles : l’Ebow, ou l’archet électronique qui va vous permettre de produire des drones, des notes très longues et de les introduire dans votre jeu, dans votre panoplie sonore, que ce soit en guitare de table, préparée ou en guitare conventionnelle.
L’Ebow s’appuie sur 2 cordes et met en vibration continue la 3ème corde qui se trouve entre les deux.
50 ans après
1974/2024 ! A l’occasion de la réédition de son album Guitar Solos, Fred Frith a enregistré un nouvel album de guitare solos, sorti récemment en février 2024. Son titre Fifty. Vous pouvez l’écouter sur les plateformes numériques.
Ou bien encore acheter l’édition vinyle ou CD de ces 2 albums.
Les autres guitaristes emblématiques de la guitare préparée
Keith Rowe
Membre fondateur du groupe AMM, Keith Rowe utilise la guitare comme une surface sonore à préparer et manipuler.
Discographie : "A New Kind of Water" avec AMM, "The Room Extended".
Collaborations : John Tilbury, Christian Wolff, Toshimaru Nakamura.
Derek Bailey
Innovateur emblématique dans l'improvisation libre, Derek Bailey a souvent préparé sa guitare pour obtenir des sons uniques.
Connu pour sa polyvalence, Ribot utilise souvent des préparations pour explorer de nouveaux sons, mais il joue aussi de manière conventionnelle dans différents contextes, pop, rock, jazz.
Discographie : "Rootless Cosmopolitans" (1990), "YRU Still Here?" (2018).
Collaborations : Tom Waits, John Zorn, Elvis Costello.
Producteur et multi-instrumentiste, utilise des préparations de guitare dans ses œuvres solo et collaboratives, notamment en connectant sa guitare avec des synthés modulaires analogiques.
J'utilise la guitare électrique sur table avec des objets prélevés dans la nature (pierres, brindilles...), mais aussi en utilisant les ressources de l'électronique live.
Discographie : "Move Sweet Move" (2005), Alien Disko (2023)...
Collaborations : Alesia Cosmos, Pierre Zeidler, Pascal Holtzer, Marie-Berthe Servier...
Ces artistes, ces guitaristes ont tous apporté des contributions significatives à l'exploration et à l'innovation dans le champ de la guitare préparée, offrant ainsi une variété de sons et de techniques qui continuent d'inspirer les musiciens aujourd'hui.
Que vous soyez guitariste débutant ou expérimenté ou même non-guitariste, ces explorations, ces expérimentations peuvent vous ouvrir un nouveau monde musical, de sonorités rares.
Détourner un instrument de ses usages traditionnels, est une démarche créative qu'on peut appliquer à tous les domaines, même ceux qui ne semblent avoir aucun rapport avec la musique ou même avec l'art.
Prendre le contrepied est une stratégie créative très largement utilisée par les artistes, mais elle peut aussi faire partie intégrante de toute activité innovante dans tous les domaines.
Pour aller plus loin, si vous êtes musicien·ne, producteur, n'hésitez pas à expérimenter, acquérir de nouvelles connaissances techniques, musicales, de nouvelles compétences ...
Et formez-vous, sortez de votre zone de confort. Je pratique çà depuis plus de 40 ans dans ma carrière musicale. Si vous voulez profiter de mon expérience pour aller plus loin dans la vôtre, je ne peux que vous conseiller de me rejoindre en participant à cette formation :
Le 1er instrument électronique c’est sans doute le Theremin. Il a été inventé en 1919 par l’ingénieur russe Leon Theremin. Instrument légendaire, c’est aussi le seul qui se joue sans jamais le toucher.
Vous pouvez écouter cet article :
Il est composé d’un boîtier électronique équipé de deux antennes, on produit les sons sans le toucher. Le plus souvent, la main droite commande la hauteur de la note, en jouant avec l’antenne verticale. L’antenne horizontale, en forme de boucle, est utilisée pour faire varier le volume.
L’histoire tourmentée de Léon Theremin
Ingénieur et inventeur génial, né à Saint-Petersbourg en 1896, Léon Theremin, Termen en russe, est soupçonné d’avoir été un espion russe envoyé aux Etats Unis par l’URSS dans les années 20.
C’est là qu’il fit la démonstration de son instrument révolutionnaire, le Theremin et qu’il rencontra une violoniste virtuose,Clara Rockmore. Elle se passionna pour l’instrument et développa la première technique de jeu spécifique à cet instrument.
L’ambition de Clara Rockmore était de pouvoir jouer le répertoire classique du violon à l’aide d’une technique des doigts très précise et originale. Il s’agissait de pouvoir jouer dans l’air des notes extrêmement précises, ainsi que de donner autant de nuances que nécessaire.
Puis il fut rappelé au bercail et envoyé sous contrôle dans un laboratoire au goulag par Staline. C’est là qu’il développa toute une série d’inventions électroniques dans le domaine de l’espionnage.
Quelques apparitions célèbres du Theremin au cinéma
Mais son passage à New York où il donna de nombreux concerts avec Clara Rockmore, a permis à son Theremin de faire son chemin auprès des compositeurs de films américains, tout d’abord.
Ensuite, cet instrument a marqué discrètement toute une époque au cinéma avant l’invention du synthé. Dès les années 40, on peut l’entendre dans des films noirs, comme La Maison du Docteur Edwards d’Alfred Hitchcock et dans les premiers films de science-fiction américains. Puis dans les années 60, le Theremin est immortalisé notamment par Captain Beefheart dans Electricity, par les Beach Boys dans leur célèbre morceau Good Vibrations.
Et ensuite, le Theremin a été utilisé jusqu’à nos jours dans une quantité incroyable de pièces de musique contemporaine, mais aussi de morceaux pop, rock, chanson, comme Whole Lotta Love de Led Zeppelin et encore beaucoup de musiques de films et de séries, comme Mars Attacks ! ou le générique de L’inspecteur Barnaby.
Par contre, en France à la même époque, les Ondes Martenot, une invention française, ont été plus souvent utilisées au cinéma. Beaucoup de compositeurs français, dont Olivier Messiaen, ont aussi composé un grand nombre de pièces classiques et contemporaines pour l’instrument.
Le Theremin, seul ancêtre du synthétiseur ?
Mais il y a un cousinage évident entre ces 2 instruments considérés comme les premiers instruments électroniques. Ils utilisent tous les deux un oscillateur électronique qui produit une onde sinusoïdale au son velouté caractéristique qui évoque le violon ou la voix humaine.
Au tout début des années 60, Robert Moog commença pour ainsi dire sa carrière d’ingénieur en électronique en réparant des Theremins et en est resté amoureux bien après ses créations de synthétiseurs beaucoup plus sophistiqués.
A tel point qu’il relança la fabrication des theremins dans les années 80 pour assurer sa pérennité. Son apport à l’instrument fut de réduire considérablement son encombrement et de remplacer les lampes par des transistors. Ceci le rendit plus compact mais aussi plus constant et moins fragile.
Aujourd’hui l’instrument est fabriqué par Moog Music et il est à la portée de tous les musiciens pour quelques centaines d’euros.
Jouer du theremin
La technique de jeu est à la fois simple et complexe. On utilise ses 2 mains mais jamais on ne touche le theremin. Plus on s’approche de l’antenne verticale, plus le son devient aigu. L’antenne de gauche sert à contrôler le volume, c’est une sorte de pédale d’expression.
Simplissime, me direz-vous ? Et saisissante, cette sensation de sculpter le son dans l’air avec ses mains, avec ses doigts. Oui, bien sûr ! Mais beaucoup plus compliqué de maitriser précisément les hauteurs, les tons, les demi-tons sans avoir l’appui d’un manche ou d’un clavier avec des touches.
D’ailleurs Clara Rockmore et d’autres spécialistes russes du theremin ont développé et codifié les techniques de jeu. L’instrument peut maintenant s’apprendre à l’aide de plusieurs méthodes existantes.
Alors vous l’avez entendu, ce son unique ? Ben oui pas beaucoup de réglages. En gros on a toujours le même son, ce son caractéristique, sinusoïdal. Mais on peut aussi faire de grandes choses en le branchant sur des pédales d’effets et là tout est possible !
Ecoutez :
A l’heure actuelle, le theremin est très souvent utilisé, mais comme instrument d’appoint, pour donner quelques touches sonores dans des arrangements de tous styles. Mais on attend avec impatience qu’un musicien, un compositeur lui donne ses lettres de noblesse en le plaçant au cœur d’une création musicale en position de soliste.
Pour aller plus loin
On a vu que le theremin est un instrument électronique primitif, mais dont l’originalité a toujours fait mouche et lui confère une certaine pérennité. D’autant plus que ce son analogique ne demande qu’à devenir une source pour toutes sortes de manipulations sonores numériques à effectuer en live ou en studio.
Si vous êtes intéressé·e, vous pouvez voir des vidéos et les modèles disponibles sur moogmusic.com. Et pourquoi ne pas utiliser un theremin dans vos créations musicales, dans vos prods ?
Le Theremin aujourd’hui
Si vous êtes intéressé·e, vous pouvez voir des vidéos et les modèles disponibles sur moogmusic.com.
Et pourquoi ne pas utiliser un theremin dans vos créations musicales, dans vos prods ?
Mais si vous êtes novice en production musicale, alors n’hésitez pas à vous former : c’est le meilleur moyen pour gagner du temps, apprendre les bonnes méthodes et s’approcher au plus vite du son professionnel :
On dit la guitare, mais on devrait toujours dire les guitares, tant cette famille d’instruments est nombreuse. Nous allons nous intéresser ici aux guitares électriques et vous ne savez peut-être pas qu’il en existe plusieurs sortes. Au delà bien sûr des modèles et des marques qui déjà sont légion et que beaucoup connaissent et chérissent.
Oui bien sûr vous le savez : il y a des acoustiques et des électriques. Mais, au fond c’est à la base le même instrument. Accordé le plus souvent en Mi : les 6 cordes à vide sont mi la ré sol si mi. Cà, vous le savez toutes et tous.
guitare électrique Fender Telecaster
Et il y a aussi la guitare basse, le plus souvent électrique et accordée comme la guitare, mais à l’octave en dessous. Elle a le plus souvent 4 cordes, accordées en mi la ré sol, comme la contrebasse. Ces cordes sont beaucoup plus grosses afin de pouvoir sortir correctement les fréquences graves.
Vous connaissez ça, bien sûr. C’est ce qu’on trouve classiquement dans tous les groupes de rock, punk, pop. En général, 1 basse et 2 guitares, on rajoute une batterie et voilà le prototype, l’ossature d’un combo classique de rock. Les Beatles, les Rolling Stones et presque tous les groupes anglais des sixties étaient structurés sur ce modèle.
guitare basse Fender Jazzbass
Mais ce n’est pas tout…
Guitares : la fratrie au grand complet ?
Alors oui : guitare et basse basse, mais encore ?
Vous connaissez la baritone ? Non ? Elle se situe entre les deux !
Elle est accordée plus bas : en si ou même en la. Oui en dessous ! Elle a un manche plus long, 6 cordes plus grosses et donc des basses plus riches.
Cà donne : la ré sol si mi la ou bien si mi la ré sol si. A l’origine, elle a été créée avant l’invention de la basse électrique. Sur scène, en country, rock, la contrebasse acoustique ne sortait pas facilement. Alors on a eu l’idée de créer cette baritone pour doubler la contrebasse.
guitare électrique baritone Danelectro
On l’a aussi utilisé parfois pour remplacer carrément une basse, mais elle peut aussi sortir des sons très riches, comme on en entend dans les westerns spaghetti. On appelle ça aussi le twang : des riffs mélodiques avec beaucoup de réverbération. Cà vient pas mal aussi de la country music.
Danelectro est le fabricant emblématique aux USA pour les baritone, mais je crois bien que c’est Fender qui a inventé le concept. Les Danelectro sont des guitares très bon marché, on en trouve aussi depuis peu sur le marché européen..
Mais c’est aux USA qu’on en trouve beaucoup plus : Gretsch, Fender, Harley Benton, mais aussi des modèles plus coûteux.
On y est ? Au grand complet ? Pas encore…
Guitares : Et la petite soeur ?
Encore moins connue, la soprano. Elle est plus petite, avec des cordes plus fines et accordées plus haut que la guitare. La plupart du temps en la ou même en si, mais au dessus. Ca donnera : si mi la ré sol si ou bien la ré sol si mi la.
Attention, ce n’est pas un ukulele qui lui n’a que 4 cordes.
On la présente parfois comme un instrument pour enfants et on trouve la plupart du temps des modèles avec une lutherie approximative, très cheap, qui souvent ne tiennent pas l’accord. Difficile à jouer sur scène.
Une Epiphone LesPaul Pee Wee, une guitare soprano imitation- réduction de la Gibson LesPaul.
Sortie dans les années 90, elle était présentée par le fabricant comme une guitare de chambre d’hôtel pour les musiciens en tournée et vendue avec ce petit ampli à piles qui tenait dans sa housse.
A peu près jouable, mais j’ai quand même dû faire améliorer la mienne par un luthier.
Pas mal imaginé, mais ça n’a pas vraiment marché commercialement. Epiphone s’est planté avec ce modèle qui pourtant était assez bon marché. Mais après tout, est-ce qu’un guitariste qui passe sa vie en tournée va acheter un instrument bon marché, même pour sa chambre d’hôtel ?
Résultat, on en trouve quasiment plus sur le marché du neuf.
Pour conclure
Il est regrettable que les guitaristes ne s’intéressent pas plus à ces guitares très typées que sont les soprano et les baritone. C’est la raison principale de l’abandon progressif de ces instruments par les fabricants et les luthiers. Malgré tout, on voit un regain d’intérêt sur le marché pour les baritone.
Et pourtant, on a là une famille d’instruments comparable à celle des 4 saxophones : soprano, alto, ténor et baryton, tous très employés dans cette musique sophistiquée qu’est le jazz.
Mais les guitares électriques évoluent surtout dans l’univers très standardisé du rock et de la pop. Et c’est dommage, car ce sont des instruments formidables et aux tonalités extrêmement variées. Et la famille est pourtant très riche : soprano, ténor (c’est la guitare courante), baritone et basse.
Pour ma part, bien que n’étant pas un guitariste virtuose, j’apprécie mes 3 guitares électriques : une belle Telecaster Elite (ténor), une baritone Danelectro et une soprano Pee Wee. Et j’en tire des sonorités, des modes de jeu très diversifiés et inventifs.
Rock The Casbah, ce sont des colonies de vacances et des stages artistiques autour de la musique, du cinéma, du théâtre, de la danse, des arts graphiques, de la photo, de la fiction sonore et bien d’autres ! Ces séjours, ces colos artistiques offrent les conditions idéales pour une véritable immersion dans le monde de la création et de l’expression artistique collectives, le tout dans une joyeuse ambiance !
Ecoutez l’interview des animatrices Guisane Humeau et Charlie Marchal
L’association séjours Rock the Casbah et ses colos artistiques
Depuis 12 ans, les colos artistiques de Rock The Casbah proposent des expériences uniques avec une immersion totale dans le monde de la création artistique dans une joyeuse ambiance collective et fraternelle. La musique et le cinéma étaient leurs premières propositions, puis le théâtre et la danse se sont ajoutés au fil du temps.
Cette année, de nouvelles expressions artistiques sont proposées avec 3 nouveaux séjours (Photo, Hippothéa et Fiction Sonore) et 2 semaines supplémentaires au mois d’août.
Le taux d’encadrement est d’un animateur spécialisé pour 5 à 7 participants pour les colos artistiques. Ce fort taux d’encadrement (plus du double du taux requis par la réglementation) est un choix et il permet de proposer aux participants les meilleures conditions possibles pour leur colonie de vacances artistique.
Des activités complémentaires (cinéma, musique, ciné-club, grands jeux, sorties, etc.) sont aussi proposées et du matériel professionnel est toujours à disposition des participants et des animateurs.
Les équipes pédagogiques des séjours sont composées d’intervenants professionnels, d’artistes et d’animateurs diplômés ayant de solides pratiques dans leurs domaines respectifs. Musiciens, professeurs de musique, réalisateurs, monteurs, preneurs de son, comédiens, metteurs en scène, danseurs, photographes …
Le projet éducatif des colos artistiques de Rock The Casbah s’inscrit dans les valeurs de l’éducation populaire. Les projets pédagogiques de chaque colo artistique sont adaptés aux différents publics accueillis. Ils privilégient la coopération à la compétition : l’apport de chacun, dans sa singularité, permet de construire un objet culturel collectif de qualité.
À propos du lieu des colos artistiques
Les séjours de colos artistiques de Rock The Casbah ont lieu à Ineopole Formation, MFR d’Occitanie à Brens (81). Il s’agit d’une Maison Familiale Rurale étendue sur 6 hectares, dans un cadre naturel et arboré, qui jouxte Gaillac dans le Tarn (à 50 km de Toulouse)
Le château et les salles d’activités sont confortables et fonctionnels. Les jeunes y sont logés, dans des chambres de 2 à 6 lits sur 2 étages. Dans le centre, diverses salles de restauration, un terrain de sport et un barbecue. 8 salles d’activité et un amphithéâtre de 182 places pour le ciné-club et les restitutions de fin des séjours (concert, projection, etc.).
La colo artistique Fiction Sonore
Un tout nouveau séjour centré sur la fiction sonore a particulièrement attiré notre attention.
Ce séjour fiction sonore propose de se concentrer sur le son et rien que le son ! Raconter des histoires, réaliser une fiction ou un documentaire, créer une émission de radio, réaliser des bruitages originaux… tout est possible dans ce séjour accompagné par une réalisatrice sonore, Guisane Humeau.
5 heures d’ateliers par jour, de la cueillette de sons dans la nature, en ville ou sur les lieux du séjour, au travail de ces sons dans des logiciels dédiés. Cette matière servira à créer des œuvres collectives diverses, un véritable « cinéma pour les oreilles » !
L’objectif pédagogique se créera autour des envies des participant.es, le produit final sera le fruit de leur imagination et créativité ! Le séjour se termine par une diffusion des réalisations des jeunes le vendredi soir devant leur famille et leurs amis en live (réalisation de bruitages + jeu d’acteur.ice etc. sur scène) ou monté et mixé au préalable.
Cette colo artistique se déroulera du dimanche 4 au vendredi 9 août 2024 pour les 12-17 ans. Il se déroulera en parallèle de 3 autres séjours artistiques (photo, cinéma et musique).
Quelques mots sur l’animatrice Guisane Humeau :
Après ses études où elle s’intéresse à l’une des premières communautés virtuelles de l’internet « The WELL », elle entre en 2013 au CREADOC à Angoulême où elle découvre le documentaire sonore et sa puissance immersive. Guisane Humeau est aujourd’hui diplômée de son Master «écriture et réalisation de documentaires de création».
Le montage sonore, l’écriture et l’improvisation de textes sont ses modes d’expression privilégiés, dans une démarche attentive à la mémoire, au temps et au corps. Elle fait aujourd’hui partie des collectifs de création « Les moyens habiles », « Les menstruelles » et « La disquette ».
Des colos artistiques pour ados, mais aussi pour enfants et adultes. Voilà une idée géniale ! Elle est unique en son genre : des colos, ca existe, mais des colos artistiques centrées sur les pratiques artistiques et la création dans tous ses états, c’est unique !
Et si en plus, les activités sont menées par des professionnels des différentes disciplines artistiques proposées, alors là c’est un gage d’excellence.
De plus, ces colos artistiques sont inclusives : les tarifs sont modulés en fonction des revenus des familles. Et Rock The Casbah est agréé : les familles défavorisées peuvent obtenir des aides publiques pour les séjours de leurs enfants.
Toutes les infos sur toutes les colos artistiques, les dates, les programmes, les tarifs, les inscriptions sur le site web de Rock The Casbah.
Audio Formations : audio, vidéo, production musicale
Pour vos nouvelles compétences en techniques audio, vidéo pour la musique et pour le web, toutes les formations professionnelles continues pour vous accompagner vers votre réussite :
En 2024, Audiorama a fêté ses 40 années de musique. Créée en 1983, cette structure entreprend des créations musicales et des actions culturelles. Située à Strasbourg, elle rayonne sur l’Est de la France et bien au delà des frontières.
Vous pouvez écouter cet article :
Le label de disques Audiorama
A l’origine, Audiorama se dénommait Planétarium. C’était le label de disques qui produisit le premier album d’Alesia Cosmos en 1983, ainsi que Planeta la revue sonore des musiques nouvelles.
Planétarium diffusait également bon nombre de labels underground de disques, de cassettes et des fanzines. Musiques nouvelles, free music, rock in opposition, l’époque était fertile en France, en Europe et dans le monde entier.
Pendant les années 90, le label s’est développé, année après année, accueillant aussi bien les créations des membres d’Alesia Cosmos, Bruno de Chénerilles, Pascal Holtzer que d’autres groupes ou compositeurs comme Les Phônes, Jo Krencker, Jean-Gilles Charvot …
Après une accalmie au début des années 2000, les rééditions des 2 premiers albums d’Alesia Cosmos, Exclusivo! et Aeroproducts, par des labels américain et français ont réactivé le label avec le 3ème album du groupe. Enregistré en 2019, Live at Audiorama est un double album CD.
Plusieurs projets parallèles, menés par des membres d’Alesia Cosmos, ont été édités depuis : VaVaVoom !, Alien Disko, ainsi que Small Hits, un single de versions inédites des 2 titres phares du groupe.
Enfin en 2023, le label polonais Impulsy Stetoskopu éditait 2 enregistrements de concerts inédits de la fin des années 70, donnés par Corbo Combo et Danger, 2 formations de musique improvisée, préfigurant le projet Alesia Cosmos.
Tous ces disques sont en vente dans la boutique en ligne Audiorama Records.
Les créations musicales
Dans les années 90, Bruno de Chénerilles a développé des projets de création musicale, notamment Fantômes – Saxo3 (93), Move Sweet Move (96) et surtout Ruban : un Portrait Sonore de l’Alsace (99-2010).
Pour ce dernier projet par étapes, il a parcouru l’Alsace de long en large en initiant 7 créations musicales doublées à chaque fois d’ateliers d’action culturelle en lien avec les habitants de ces territoires. Une réédition des 10 albums musique et vidéo du Portrait Sonore est en projet et devrait voir le jour prochainement.
Plus récemment, il a collaboré avec de nombreux musiciens improvisateurs français, canadiens et allemand en créant un dispositif de live electronics qui lui permet de traiter électroniquement les sons des instruments acoustiques en direct pendant les concerts.
Il s’agit là de créer en live du matériau musical original à partir même de ce qui est joué sur le moment par l’instrument acoustique : voix, cuivres, cordes, percussions…
Action Culturelle
Dès ses débuts avec Alesia Cosmos, Audiorama s’est engagé dans des actions culturelles et pédagogiques. D’abord adossées aux tournées d’Alesia Cosmos, ces actions se sont intégrées à part entière dans chaque étape du Portrait Sonore de l’Alsace.
A partir de 1999, Bruno de Chénerilles est intervenu régulièrement dans les projets musicaux de quartier portés par Audiorama à Strasbourg. Port du Rhin, puis Koenigshoffen… Et enfin Meinau et Neuhof depuis 2011.
Dans ces projets, une démarche d’éveil et de pratique des techniques numériques musicales est adressée particulièrement aux enfants et aux jeunes en partenariat avec les acteurs éducatifs et sociaux dans ces quartiers défavorisés.
La pratique musicale pour tous est le maître mot de ces ateliers à l’école ou en plein-air au pied des immeubles. Grâce aux ipads, aux corps sonores et au chant, la musique est accessible sans éducation préalable, dans l’instant. Pour le plus grand plaisir des petits et des grands.
Ecoutezles restitutions des écoles de la Meinau et du Neuhof en 2024
Pour soutenir le travail et la recherche des musiciens d’Audiorama, achetez leurs disques dans la boutique en ligne :
La création de podcast, dans l’écosystème numérique actuel, n’est pas seulement une tendance passagère mais une révolution dans la manière de consommer et de partager l’information, les histoires, et les passions. Si vous vous êtes déjà demandé si le podcasting était fait pour vous, voici sept raisons, plus approfondies, qui pourraient bien vous inciter à sauter le pas dans la création de podcast.
Si l’idée de démarrer votre propre podcast vous titille mais que vous hésitez encore à franchir le cap, voici sept raisons qui pourraient bien vous convaincre de vous lancer dans cette aventure captivante : la création de podcast.
1. Une Plateforme pour Partager Votre Passion de Manière Profonde
Le premier attrait du podcasting réside dans sa capacité à offrir une plateforme unique pour partager vos passions.
Le podcast est une scène ouverte à tous, permettant de diffuser largement ce qui vous passionne. Que votre cœur batte pour la musique, l’innovation technologique, la gastronomie, les voyages, les intrigues policières, la poésie ou encore l’histoire, il existe une audience pour absolument tous les sujets imaginables.
Contrairement à d’autres formes de médias, le podcast permet une exploration en profondeur de sujets spécifiques, allant des plus populaires aux plus nichés. Cette profondeur d’exploration crée un lien particulier entre vous et vos auditeurs, qui ressentent votre enthousiasme et votre engagement.
En parlant de ce qui vous anime, en partageant régulièrement votre savoir et vos découvertes, vous créez un espace d’échange et d’apprentissage qui enrichit non seulement votre vie mais aussi celle de vos auditeurs.
Vous invitez les autres dans votre univers en créant une expérience immersive qui peut transformer l’écoute passive en une véritable connexion émotionnelle.
2. Création de podcast : Renforcer Votre Expertise et Crédibilité
Se positionner comme un expert dans un domaine via la création de podcast n’est pas seulement gratifiant sur le plan personnel; cela peut aussi avoir des répercussions significatives sur votre carrière ou votre business.
En abordant des sujets complexes avec aisance, en partageant des insights uniques ou en invitant d’autres experts, vous construisez une bibliothèque de contenus qui témoignent de votre savoir.
Cette accumulation de connaissances accessibles en fait une ressource inestimable pour ceux qui cherchent à apprendre, tout en solidifiant votre statut d’expert.
En vous exprimant sur des thématiques qui vous tiennent à cœur et que vous maîtrisez, vous vous établissez comme une voix d’autorité dans votre domaine.
Chaque épisode de podcast est une opportunité de montrer votre expertise et de renforcer votre crédibilité auprès de votre audience. Cela peut avoir un impact significatif sur votre carrière ou votre activité, en attirant de nouvelles opportunités professionnelles, en vous ouvrant les portes de conférences, ou même en vous permettant de publier des livres ou des articles.
3. Développer une Communauté Engagée et Fidèle
Les podcasts ont ce pouvoir magique de transformer des auditeurs occasionnels en une communauté fidèle et engagée. Cet engagement vient de la nature intime du podcasting, où les auditeurs vous invitent dans leur quotidien, que ce soit lors d’une promenade, d’un trajet en voiture, ou dans le confort de leur foyer.
Et c’est votre voix, votre parole qui se niche au creux de leur oreille. Elle devient familière, complice. Mais n’oublions pas que la voix parlée reste depuis toujours le moyen de communication le plus puissant.
En effet ce format unique du podcast favorise la création de liens forts entre vous et vos auditeurs. Contrairement aux médias sociaux, où l’interaction peut être superficielle et éphémère, les podcasts permettent de développer une véritable communauté d’auditeurs fidèles et engagés.
En cultivant cette relation, en encourageant les retours, en intégrant les questions de votre audience dans vos épisodes, ou en organisant des événements dédiés, vous renforcez le sentiment d’appartenance à une communauté soudée et passionnée, les liens avec votre audience. Vous créez un cercle vertueux d’engagement et de fidélité.
4. Un Moyen Accessible et Économique de Créer du Contenu de Qualité
L’un des attraits majeurs de la création de podcast est sa très grande facilité d’accès. Avec un équipement de base – un bon microphone, un logiciel d’enregistrement, et une pièce calme – vous pouvez produire du contenu de qualité.
N’importe qui peut commencer à enregistrer et à diffuser ses propres émissions.
Cette facilité d’accès à la création de podcast en fait une option séduisante pour ceux qui débutent dans la création de contenu. Sans nécessairement pouvoir disposer de gros budgets ou des compétences avancées que supposerait une production vidéo.
De plus, les ressources et tutoriels disponibles en ligne offrent une mine d’informations pour améliorer la qualité de production au fil du temps, rendant le podcasting encore plus accessible à tous.
Mais attention ! Se lancer à l’arrache dans la création de podcast, en picorant à droite et à gauche risque de vous prendre beaucoup de temps et de vous écarter de votre objectif final :
Créer votre chaine de podcasts de qualité technique professionnelle et aux contenus passionnants.
5. Flexibilité et Liberté Créative Sans Égal
En tant que podcasteur, vous avez une liberté créative quasi totale. Du choix des sujets à la structure des épisodes, en passant par le rythme de publication, vous avez le contrôle.
La création de podcast se distingue par cette très grande liberté en termes de création de contenu. Que vous préfériez un format court et dynamique ou des épisodes longs et détaillés, le choix vous appartient.
Cette flexibilité vous permet d’adapter votre podcast à votre style de vie, à vos contraintes de temps, et surtout à vos ambitions créatives.
Expérimenter avec différents formats, intégrer de la musique, des effets sonores, ou changer le ton et le style de narration sont aussi des moyens d’affiner votre voix unique.
6. Opportunités de Monétisation et de Networking
Bien que la création de podcast puisse débuter comme une passion et parfaitement le rester, elle offre aussi potentiellement et à terme des voies de monétisation intéressantes.
Que ce soit à travers des partenariats, des sponsorings, ou la création de contenu exclusif pour des plateformes payantes, la vente de produits dérivés, ou encore des abonnements payants, les options sont nombreuses pour générer des revenus.
Parallèlement, la création de podcast peut devenir un outil de networking puissant. En invitant des experts, des collègues podcasteurs, ou des personnalités du secteur, vous tissez un réseau de contacts précieux, d’investisseurs ou des partenaires commerciaux ouvrant la porte à des collaborations fructueuses.
Mais ne vous attendez pas à tout de suite entrer dans la cour des grands. Il vous faut tout d’abord faire vos premières armes, être crédible et professionnel pour arriver à développer votre audience. Il faudra vous accrocher le temps qu’il faut pour être écouté·e d’un minimum d’auditeurs, suffisant pour arriver à monétiser.
On dit toujours dans les affaires qu’il faut un minimum de 3 ans d’activité pour qu’un business ait une chance de devenir rentable. C’est un peu çà aussi dans la création de podcast.
7. Améliorer Vos Compétences en Communication et en Narration
Animer un podcast vous amène à aiguiser vos compétences en communication et en narration. Chaque épisode est une occasion de pratiquer l’art de la parole pour captiver votre audience.
Trouver votre voix de podcast.
Structurer vos idées de manière cohérente, parler clairement et de manière engageante, savoir écouter vos invités et réagir à leurs propos sont autant de compétences que vous développerez au fil des épisodes.
Ces compétences sont transférables dans de nombreux aspects de la vie professionnelle et personnelle, faisant du podcasting un investissement enrichissant bien au-delà du simple fait de créer du contenu.
Il y a beaucoup du journalisme dans le podcast. Les techniques sont les mêmes, dans l’écriture comme dans l’interview et l’improvisation. Mais ce qui change et qui est enthousiasmant, c’est que vous pouvez vous permettre plus de passion, de subjectivité…
Et ne le négligez pas, recevoir des feedbacks de votre audience sera une source précieuse d’apprentissage et d’amélioration continue.
Conclusion
La création de podcast est bien plus qu’une simple tendance; c’est une plateforme puissante pour partager des idées, construire une communauté et développer des compétences.
Que vous soyez motivé·e par la passion de partager votre savoir, l’envie de construire une audience engagée ou le désir d’explorer de nouvelles avenues créatives et professionnelles, la création de podcast offre un monde d’opportunités.
Et l’audience des podcasts grimpe toujours plus au fil des années. 37% des français écoutent déjà des podcasts. C’est le seul média qui monte, qui grimpe !
Alors, pourquoi ne pas saisir le micro et commencer votre propre aventure podcastique ?
Pour aller plus loin
Si l’idée de vous lancer dans la création de podcast pour démarrer votre propre chaine de podcasts vous inspire, mais que vous ne savez pas par où commencer et que vous voulez aller droit au but, réaliser votre objectif : créer votre chaine de podcasts,
Alors, vous devez envisager une formation dédiée à la création de podcast. Avec des conseils d’expert, des astuces techniques, une méthode infaillible et un accompagnement individuel, nous pouvons vous aider à transformer votre vision en réalité sonore.
Pour commencer à construire votre empire podcastique dès aujourd’hui, visitez cette page pour plus d’informations :
Vous avez tous au moins une centaine de plugins vst disponibles dans votre logiciel audio. Entre ceux qui sont fournis d’origine et ceux que vous avez téléchargés par la suite. Je le sais, moi c’est pareil. Mais je me suis aperçu qu’au bout du compte je ne me sers que d’une dizaine d’entre eux et toujours les mêmes. Ce sont ceux que je préfère et qui me permettent de mixer et mastériser correctement dans tous les cas de figure.
Est-ce que c’est subjectif ? Il y a forcément une part de subjectivité et puis je n’ai pas testé tous les plugins du monde. Cà, personne ne l’a fait, il y en a beaucoup trop.
Mais avec l’expérience et les résultats obtenus, je crois ne pas me tromper beaucoup.
Alors voilà une liste et une analyse de mes 10 meilleurs plugins vst actuellement disponibles, avec des conseils sur leur utilisation.
2 plugins vst en général, pour toutes vos pistes :
Je vous conseille 2 super plugins indispensables et magiques à placer en insert sur à peu près toutes vos pistes.
UAD Manley Tube Preamp
Ce plugin une simulation de l’excellentissime préampli à lampes Manley. Et là UAD a fait très fort. Magique, aussi bien pour les voix que pour les drums, les guitares, les claviers.
Vous avez des presets de rêve pour à peu près tous les instruments et vous pouvez affiner, doser. Le son chaud des lampes, à très petit prix. Mais attention ne compressez pas trop, n’en abusez pas !
Et sinon, vous avez besoin à coup sûr d’un très bon plugin de réverb à convolution qui vous permettra au moins et à la fois une réverb courte et une longue. Attention à l’utiliser en sends, évidemment !
Pourquoi à convolution ? Parce qu’elles sonnent vraiment très naturelles, elles sont modélisées à partir d’un véritable espace (studio, salles de tailles différentes, excellentes acoustiques).
Quelques DAW (Digital Audio Workstation) en proposent en interne, comme Cubase : c’est l’excellente Reverence ! Perso, je n’utilise que cette réverb, elle est absolument parfaite.
Si votre logiciel n’en propose pas, je vous conseille fortement la Waves IR1 Convolution Reverb. Elle est top avec des collections de presets modélisés à partir de studios, de salles d’exception.
Ce plugin vst est un must pour bien faire sonner vos basses que ce soit des basses synthé, des basses guitare ou même des contrebasses.
Et Dieu sait que les basses fréquences sont hyper importantes et difficiles à gérer dans un mix. Elles peuvent ruiner, encombrer, brouiller l’espace de votre mix, pour peu qu’on les veuille bien punchy.
Maxxbass vous aidera à bien les placer dans votre mixage. Sans assombrir, sans brouiller votre mix. Ce plugin intelligent fait merveille pour tous les styles de musique.
Si vous faites beaucoup d’enregistrements de voix parlées ou chantées, vous avez tout le temps besoin de petits utilitaires pour nettoyer certaines d’entre elles, mais aussi pour travailler le son de ces voix et inventer de nouveaux sons.
Waves DeBreath
Si vous faites beaucoup d’enregistrements de voix parlée ou chantée, ce petit plugin peut vous être très utile pour supprimer ou minimiser les bruits de respiration.
Une fois que vous avez affiné vos réglages en fonction de la voix que vous enregistrez, Waves DeBreath fait son boulot automatiquement et en temps réel. Quel gain de temps pour nettoyer vos pistes de voix !
Encore un petit plugin bien pratique, si vous avez une voix qui siffle beaucoup, que ce soit du chant ou de la voix parlée. Vous savez, ces sifflantes qui rendent certaines voix agressives, même parfois insupportables.
Là encore un petit réglage et le Waves Deesser va faire son boulot. Vous pouvez même mettre en mémoire le réglage pour une voix en particulier.
Les choeurs (harmony vocals) sont très employés dans la pop, le hip hop, le rnb, la soul, le funk. Mais que faire si vous n’avez pas sous la main ce trio de wonderful singers ? Ce bon plugin bien réglé peut faire très bien le job. Mais vous pouvez aussi l’utiliser pour doubler des lead vocals ou des mots rappés.
Vous pouvez régler la hauteur, le panoramique et le volume de chacune des voix pour créer votre groupe de backing vocals.
Je connaissais déjà le plugin Waves Tune, mais cette version plus récente travaille en temps réel. C’est encore mieux.
Vous pouvez l’utiliser pour corriger des voix qui ne chantent pas très juste et croyez-moi, il y en a pas mal chez les chanteurs, chanteuses amateurs. Mais aussi pour des effets style autotune, vocoder et vous pouvez vraiment inventer des traitements fous …
Vous pouvez aussi retenir les plugins que je vous ai indiqués pour toutes vos pistes, ils sont particulièrement indiqués pour les voix (manley tube preamp et bien sûr réverb !
Il est théoriquement déconseillé formellement de mixer et de mastériser au casque. Mais si vous êtes obligé·e de mixer au casque dans votre tout petit home studio, pour ne pas gêner les voisins ou si vous n’avez pas de vrais monitors de studio… C’est la honte !?
Ben non, c’est maintenant tout à fait possible de mixer correctement au casque, car ce plugin vst pourra corriger la courbe de réponse de votre casque, rétablir la même frontalité qu’une paire de monitors et même vous permettre de travailler dans l’acoustique de la cabine de plusieurs grands studios (très bien choisis, d’ailleurs).
Un plugin indispensable si vous voulez contrôler la Loudness de votre master pour respecter les recommandations des plateformes numériques ou être d’équerre pour une diffusion sur CD.
Et oui, on n’est plus du tout dans la surcompression qu’on a pu connaître dans les années 90-2000 : c’est une des bonnes choses qu’a apporté la diffusion en streaming sur le web. Mais si vous ne faites rien, vous risquez bien de sortir des clous et d’avoir de grosses surprises en diffusion.
La version gratuite du plugin vst Youlean Loudness Meter 2 est largement suffisante pour contrôler vos Lufs.
Waves L1 Ultra Maximizer ou Waves Online Mastering
Là, je ne vais pas trancher : je vous propose une alternative pour un mastering hyper simple et efficace. Attention ! A condition que votre mix soit impeccable, le mastering peut consister tout simplement à lui donner la touche finale et surtout à le bonifier, à l’intensifier, à lui donner présence et impact.
Pour cela un bon maximizer peut très bien faire l’affaire. C’est en fait un compresseur-limiteur réglé d’une certaine manière pour faire ce job sur votre bus de sortie. Et ma recommandation va à celui qui pour moi est inégalé : le L1 Ultra Maximizer.
Et l’alternative, me direz-vous ? C’est la solution de mastering online de Waves qui pour moi fait à peu près la même chose. Elle fonctionne avec des styles, des modèles, des références. L’idée est de laisser l’IA s’inspirer d’une musique de référence que vous pouvez choisir pour mastériser dans ce style. Si vous voulez sonner un peu comme Prince ou Doctor Dre ou je ne sais pas, moi …
Alors, je crois que vous pouvez me faire confiance. Pourquoi ? Avec l’expérience, j’ai éclairci pas mal de problèmes au studio. J’ai trouvé la méthode qui répond le mieux à toutes les situations.
Vous le savez peut-être, c’est ma méthode Less is More. Pourquoi faire compliqué, alors qu’on peut faire simple ? Tout le contraire de celle de l’administration française, vous savez bien…
Alors c’est tout simple : je n’utilise plus que les plugins VST que je vous ai listés dans cet article. Et çà le fait ! C’est le fruit de plusieurs dizaines d’années d’expérience.
Vous avez remarqué que j’utilise beaucoup les plugins vst Waves. Bien sûr, il existe d’autres très bons fabricants, mais cette firme a une très grosse expérience, un catalogue très important et leurs plugins vst sont utilisés par les ingés-son dans tous les grands studios et même en live sur les grosses tournées.
Une précision encore : bien entendu, je n’ai pas intégré les égaliseurs. Ce ne sont pas des plugins à rajouter, vous les avez déjà la plupart du temps sur la tranche de toutes vos pistes et c’est bien suffisant.
Un seul conseil pour l’égalisation : plus vos sons sont bons au départ, moins ils auront besoin d’égalisation. Là aussi suivez ma méthode Less is More !
On se pose plein de questions sur le potentiel de l'IA en techniques de studio ? Et voilà que Waves propose à prix cassé une solution de mastering audio en ligne qui utilise l'IA. Alors que vaut cette solution ?
Vous pouvez écouter cet article en audio :
C’est un véritable banc d’essai que je vous propose pour évaluer cette nouvelle solution présentée en janvier 2024 par le fabricant israélien de plugins bien connu et leader mondial sur le marché des plugins VST. Elle a été développée en collaboration avec l’ingénieure de mastering américaine Piper Payne.
Ce faisant, nous nous plaçons sur le terrain mouvant et clivant de l’utilité de l’intelligence artificielle. Mais je vous rappelle que la présence d’IA dans les plugins VST n’est sans doute pas réellement une nouveauté.
On peut déjà la déceler dans des plugins très efficaces qui nous facilitent vraiment certaines tâches : denoiser, declicker, debreather, pour n’en citer que quelques uns.
En effet, n’est-ce pas le début de l’intelligence de pouvoir déceler certains paramètres sonores, les modifier de manière relative, au cas par cas, afin d’améliorer automatiquement, mais de manière adaptative un fichier son ?
Une solution complète de mastering on line
Mais là, Waves nous propose une solution complète de mastering en ligne, quasi automatique qui pourrait bien nous faciliter la tâche, nous faire gagner du temps et économiser de l’argent.
En effet, 6 Euros le titre, moins de 60 Euros pour un album 15 titres ! C’est ce qu’on peut appeler casser le marché … Et d’ailleurs, dès la sortie de la solution Waves Online Mastering avec un test gratuit tout au long du mois de janvier 2024, les commentaires ont été immédiats.
« Waves se tire une balle dans le pied… Ils ne vendront plus de plugins de mastering … encore une concurrence déloyale de l’IA … Les studios de mastering vont tous fermer … »
Et là, je vous réponds : « On se calme, les amis ! ».
Tout d’abord, examinons cette solution de plus près et jugeons sur pièces : c’est notre banc d’essai en conditions réelles.
Mixage et mastering du titre
Au moment d’écrire cet article, je venais de terminer mon tout dernier mix d’une petite création musicale sympathique : un remake pop de la chanson tradi Coucou Hibou, bien connue de nos enfants et que nous avons probablement tous chantée à l’école.
Cette version brillante et détonnante a été concoctée par 2 amis musiciens dans leur home studio et j’ai pris beaucoup de plaisir à mixer leur chanson. Voix lead, choeurs, synthés, guitare, percussions : une vingtaine de pistes, une intro, des refrains, des ponts, des chorus, un final. Un peu plus de 4mn de bonheur !
Dans un premier temps, j’ai mixé tout çà et j’ai appliqué ensuite un mastering très minimal dont j’ai l’habitude : avec tout simplement le plugin Waves L1 UltraMaximizer que j’affectionne particulièrement. L’idée était de mastériser une version appropriée au streaming sur les plateformes comme Spotify, par exemple.
Surveillez vos LUFs !
Sans vous expliquer de fond en comble les données techniques pour ce genre de sport, sachez simplement qu’un titre en streaming sera toujours aligné automatiquement en volume par les algorithmes de la plateforme dès son chargement. C’est ce qui assure un fil de streaming cohérent en écoute et permet de passer d’un titre à l’autre sans grosse différence de niveaux.
Voilà pourquoi, les musiciens ou les producteurs qui mettent en ligne ont tout intérêt à respecter à peu près la norme préconisée en terme de niveau de compression de leurs masters. Voilà ce que demandent les principales plateformes musicales en LUFS, qui est, pour résumer, l’unité de mesure de niveau ressenti à l’écoute.
L’acronyme LUFS signifie : Loudness Unit Full Scale. Voici les valeurs recommandées par les principales plateformes et supports :
Spotify
Apple Music
Amazon Music
Youtube
Deezer
Souncloud
CD
– 14 Lufs
– 16 Lufs
-9 à -13 Lufs
-13 à -15 Lufs
-14 à -16 Lufs
-8 à -13 Lufs
-9 Lufs
Pour simplifier, plus vous compressez votre master, plus cette valeur ressentie sera élevée. Attention : – 9 Lufs sonne donc plus fort que -14 Lufs. Et on en retiendra qu’une valeur moyenne autour de -13 ou -14 Lufs convient pour toutes les plateformes.
Nous insérons donc un plugin qui va mesurer les Lufs, en tout dernier sur la piste master stéréo, comme Izotope Insight ou bien la version gratuite de Youlean Loudness Meterqui est bien suffisante.
Mon mastering maison
Mon premier mastering maison se présente donc de cette manière en sortie : tout d’abord le L1 Ultramaximizer, puis Izotope Insight qui nous donnera en plus des Lufs des mesures de cohérence de notre spectre sonore.
Et je vais caler le seuil de déclenchement du Maximizer pour que mon niveau de Lufs intégré se situe entre -13 et -14.
Vous pouvez écouter cet extrait :
Préparation pour le Waves Online Mastering
Il s’agit maintenant de faire une copie de mon projet mixé sans le mastering et de le préparer pour le Mastering Online selon les prescriptions de Waves.
J’ai donc supprimé le Maximizer qui était présent sur mon bus stéréo out.
Baisser le volume général pour que la sortie module à – 3,8 dbfs
Baisser également les niveaux de réverb, comme conseillé de – 3db
Et j’ai exporté cette version de mon mix à la même résolution.
Puis je me suis rendu dans mon compte Waves pour m’inscrire gratuitement au Waves Online Mastering.
Une fois connecté, j’ai pu importer mon fichier stéréo. Notons que Waves offre un master gratuit à tout nouvel arrivant. Espérons qu’ils vont continuer à faire ce petit cadeau.
Le fichier est processé et là je comprends que différents styles sont appliqués.
Les 6 options proposées pour le mastering
Une fois le fichier importé et processé, on tombe sur le tableau de bord qui propose 6 options. Il ne serait pas juste de les nommer « réglages », car on n’a aucune visibilité sur ce qui se passe à l’intérieur de chaque option.
J’en déduis qu’il s’agit donc de modélisation, ce qui n’est pas étonnant quand on a affaire à l’Intelligence Artificielle. Elle n’est pas capable de créer, d’inventer, de s’adapter à des cas particuliers. Mais elle sait très bien se débrouiller à partir de modèles qu’on lui a proposés.
Notons que les gens de Waves ne sont pas très bavards à ce sujet et ça se comprend très bien. Pas envie de se faire piquer leur technologie par des concurrents. Aussi, ils n’expliquent rien et se contentent d’arguments commerciaux pour trouver des clients.
Voilà les 6 options proposées en 2 catégories : « style » et « add tone » :
Ce qui est génial, c’est qu’il est possible de pré-tester les styles pour entendre comment va sonner le master. Il faut choisir un style et tout se passe donc à l’oreille.
Pour ma part, le style qui me convenait le mieux était « Précis ». C’est celui qui respectait le mieux l’esprit de mon mix.
Les corrections de tonalité proposées sont assez transparentes :
Profondeur : renforcement des basses Présence : ça ressemble tout à fait à une classique bosse de présence autour de 5000Hz
Notons qu’il est possible d’appliquer ces 2 corrections en même temps et le son devient alors beaucoup plus punchy. Un son très rap, hip-hop bien rentre-dedans…
Après écoute des corrections proposées, j’ai jugé que mon mix était bien équilibré, je n’ai fait aucune de ces corrections de tonalité. Mais là encore je ne peux me fier qu’à ce que j’entends.
Exportation du master
L’exportation du master se fait en 2 temps. Le master est généré, je peux l’écouter sur le tableau de bord. A ce stade, je peux faire aussi d’autre versions en choisissant d’autres options et les générer pour pouvoir comparer.
Si je veux downloader mon fichier mastérisé, c’est là qu’intervient le paiement. Pour commencer, j’ai droit à mon premier master gratuit, donc j’en profite.
Ça me paraît très compressé…
Je m’empresse de vérifier les Lufs de ce master et là : surprise ! Les niveaux atteints sont de + 0,2 dbfs et le Loudness est à – 9 Lufs. Ce master est décidément trop compressé. Adapté au support CD, mais pas du tout aux plateformes de streaming (voir plus haut : les spécifications).
Là je vois un gros défaut au système : il m’a été impossible de vérifier mes Lufs avant d’exporter le master.
Importer une musique de référence
Et c’est là que je comprends qu’une fonction m’avait échappée : la « Référence » . En effet il est possible de télécharger une musique de référence dont l’IA va s’inspirer pour faire le master.
Ça peut être un titre du commerce, si vous tenez vraiment à sonner comme telle ou telle chanson. J’imagine assez bien un producteur de rap qui va vouloir sonner comme Doctor Dre ou Snoop Dogg.
Dans mon cas, je me figure que je vais lui donner comme référence mon master maison calibré à -13,9 Lufs pour voir s’il va comprendre ce que je cherche.
Ce que je fais et j’exporte un nouveau master. Notons au passage qu’ayant épuisé mon crédit, je dois maintenant payer mon master 6$.
Et là, bingo ! C’est beaucoup mieux : niveau : -0,1 dbfs et Lufs : -13,4. Pas mal : j’ai été compris. Vous pouvez écouter le résultat et voir les mesures à gauche de la première version et à droite de la version avec référence :
Les Pour et les Contre
En comparant, mon master maison et ce master Waves IA, je constate que ça sonne à peu près pareil, ni mieux, ni moins bien. Faites le test vous-même : écoutez les 2 masters.
La principale différence que j’entends est celle-ci : l’introduction du morceau cartonne un peu plus que ce que j’avais choisi de faire et le final aussi. Force est de constater que ce n’est pas vraiment une amélioration, mais plutôt un choix subjectif que je n’avais pas fait.
Mais entre les deux, ça se ressemble beaucoup. Pas vraiment étonnant, l’IA a somme toute bien copié ce que je lui avais donné en référence : mon master maison.
Pour :
– Rapidité – Efficacité – Le son est bon – Le prix très, très abordable
Contre :
– Contrôle uniquement à l’oreille avant d’exporter le master : ni Lufs, ni dbfs, ni vision des fréquences. – Le résultat est à la hauteur d’un mastering très minimal et ressemble étrangement à celui qu’on peut faire avec un simple compresseur / limiteur comme le L1 Ultra Maximizer
Pour conclure
A moins que Waves n’améliore cette solution dans le futur, elle est sans aucun doute destinée à des home studistes qui ne connaissent rien au mastering. Et là elle fait très bien le job en proposant des masters corrects à un prix très bas.
Mais au delà de ça, si ces utilisateurs amateurs ne vont pas chercher plus loin, ils ne pourront guère gérer correctement le mastering propre aux différents supports, car il n’y a aucun contrôle prévu des Lufs.
Pour les autres, plus pros, qui savent mixer correctement et mastériser un minimum, cette solution ne leur apportera probablement rien. Je vois toutefois une utilité : pouvoir vérifier si son propre mastering est correct et comparer différentes options de mastering possibles en testant avec les styles et les Add Tone.
En fin de compte, je vois aussi là une occasion salutaire de démystifier le mastering.
L'intelligence artificielle (IA) transforme le monde de la musique de manière spectaculaire. Des compositions aux enregistrements, en passant par le mixage et le mastering, elle n'est plus une simple curiosité technologique, mais un outil indispensable dans l'arsenal de tout producteur musical. Cet article vise à explorer comment elle change la création musicale, offrant un aperçu de ses applications dans différents domaines de la production musicale.
Vous pouvez aussi écouter cet article :
Composition Musicale Assistée par IA
Son utilisation pour composer de la musique est peut-être l’un des aspects les plus fascinants de la technologie dans le domaine musical. Des systèmes comme Google’s Magenta ou IBM’s Watson Beat utilisent des algorithmes d’apprentissage profond pour générer de la musique en se basant sur une variété de styles et de genres.
Cette technologie permet aux musiciens de s’inspirer de nouvelles mélodies, harmonies et rythmes, en repoussant les limites de leur créativité.
Exemples Notables
– AIVA (Artificial Intelligence Virtual Artist) est un autre exemple, un compositeur d’IA qui a créé des pièces pour films, jeux vidéo et publicités. – Des applications comme Amper et Jukedeck permettent même aux non-musiciens de créer des accompagnements musicaux personnalisés. – Toutefois, il ne faut pas se faire d’illusions : ces applications sont à considérer comme des outils au service du compositeur et elles ne remplacent pas son instinct, son imagination et son talent.
Enregistrement et Édition Optimisés par IA
Dans le domaine de l’enregistrement, l’IA facilite la vie des ingénieurs du son en automatisant des tâches répétitives. Par exemple, des logiciels comme iZotope’s RX l’utilisent pour identifier et réparer les problèmes de qualité sonore tels que le bruit de fond, les clics ou les bruits de bouche.
Restauration d’anciens disques vinyles : le plugin VST Izotope permet de déclicker et décraquer automatiquement une numérisation d’un vieil album vynil. Enlever ces clics manuellement est toujours possible, mais l’opération est très longue.
Nettoyer un speak de podcast ou un commentaire de film : le plugin VST Waves Debreath détecte et atténue automatiquement les bruits de respiration dans la voix parlée. Notons qu’un réglage fin est nécessaire pour que l’opération fonctionne proprement selon la voix concernée.
Avantages Clés
– Gain de temps considérable dans le processus d’édition. – Précision accrue dans l’identification et la correction des défauts sonores. – Bon nombre de plugins VST utilisent l’intelligence artificielle depuis plusieurs années sans qu’on s’en aperçoive.
Mixage et Mastering Assistés par IA
Le mixage et le mastering sont deux autres domaines où l’IA apporte une révolution. Des outils comme LANDR ou iZotope’s Ozone offrent des solutions de mixage et mastering automatisées, en analysant la musique et en appliquant des modifications pour améliorer la qualité sonore. Ces outils sont particulièrement utiles pour les producteurs indépendants ou les artistes travaillant avec des budgets limités.
Points Forts
– Accessibilité accrue pour les artistes indépendants, les producteurs en home studio. – Résultats rapides et de qualité professionnelle.
IA et Expérimentation Musicale
L’IA ouvre également la porte à des expérimentations musicales inédites. Des artistes comme Holly Herndon ont intégré l’IA dans leur processus créatif, utilisant des voix générées par IA pour créer des chansons uniques. Cela montre que l’IA n’est pas seulement un outil technique, mais aussi un moyen d’explorer de nouvelles formes d’expression artistique.
Toutefois, il faut noter que ces expérimentations ne permettent pas d’arriver à un résultat à la même hauteur que l’invention humaine. Là aussi il faut savoir utiliser l’IA ou même inventer de nouveaux processus pour l’utiliser.
Défis et Perspectives
Malgré ces avancées, l’utilisation de l’IA dans la musique soulève des questions éthiques et des défis. La question des droits d’auteur sur la musique générée par IA et le risque de réduction de l’emploi dans l’industrie musicale sont des sujets de débat. Néanmoins, l’IA dans la musique offre des perspectives passionnantes, en particulier en matière d’accessibilité et de démocratisation de la production musicale.
Perspectives Futures
– Croissance continue des outils d’IA dans la musique. – Collaboration accrue entre musiciens et développeurs d’IA. – Savoir faire des musiciens à développer dans l’utilisation de l’IA.
L’IA dans l’Éducation Musicale et la Formation
Son impact s’étend également au domaine de l’éducation musicale. Des applications basées sur l’IA telles que Yousician ou Flowkey permettent aux apprenants de tous niveaux d’accéder à des tutoriels personnalisés et à des feedbacks en temps réel. Bien utilisés, ces outils rendent l’apprentissage de la musique plus interactif et accessible.
Avantages en Éducation :
– Apprentissage personnalisé basé sur le niveau et les progrès de l’élève. – Feedback immédiat, rendant l’apprentissage plus efficace.
Analyse et Recherche Musicale Assistées par IA
La recherche musicologique comme tout type de recherche, bénéficie également de l’IA. Des algorithmes complexes sont utilisés pour analyser des compositions, identifier des tendances dans la musique populaire, et même étudier les œuvres de compositeurs classiques sous un nouveau jour. Cela ouvre de nouvelles perspectives pour comprendre l’évolution de la musique à travers le temps.
Applications en Recherche :
– Analyse de vastes catalogues musicaux pour identifier des motifs récurrents. – Compréhension approfondie des styles et des influences musicales.
L’IA dans le Marketing et la Distribution Musicale
Le marketing et la distribution de musique ne sont pas en reste. Elle peut aider les artistes et les labels à analyser les tendances du marché, à prédire les succès potentiels, et à personnaliser les campagnes marketing pour atteindre efficacement leur public cible.
Stratégies Marketing :
– Analyse prédictive pour identifier les futurs hits. – Personnalisation des recommandations musicales pour les auditeurs. – Développer des campagnes de promotion
Personnalisation de l’Expérience Auditive
L’IA contribue également à améliorer l’expérience d’écoute. Des systèmes comme Spotify’s Discover Weekly utilisent des algorithmes pour recommander de la musique basée sur les préférences de l’utilisateur, créant une expérience d’écoute unique et personnalisée.
Impact sur les Auditeurs :
– Découverte de nouveaux artistes et genres adaptés aux goûts personnels. – Amélioration de l’expérience utilisateur grâce à des playlists personnalisées. – L’impact est aussi négatif car la passivité des auditeurs en est fortement encouragée.
Développement Durable et IA en Musique
Enfin, l’IA peut jouer un rôle dans la promotion du développement durable dans l’industrie musicale. Par exemple, en optimisant les ressources nécessaires pour les tournées et les concerts, ou en aidant à la création de matériaux plus durables pour les instruments.
Contributions Écologiques :
– Réduction de l’empreinte carbone des tournées grâce à une meilleure planification. – Innovation dans la fabrication d’instruments plus écologiques. – Là encore, l’IA peut aussi encourager la passivité, décourager les initiatives et elle n’est pas le seul outil dans le domaine et loin de là.
Conclusion
L’intelligence artificielle est-elle en train de redéfinir, de révolutionner la création musicale ? On peut très fortement en douter. Mais il est indéniable qu’elle offre, de la composition à la production, des outils et des possibilités nouvelles pour les artistes, les producteurs et les ingénieurs du son.
Comme toute technologie, elle présente ses propres défis, mais son potentiel pour enrichir les outils de la musique est indéniable. En tant que musiciens et passionnés de son, il est essentiel de rester informés et d’explorer les opportunités offertes par cette révolution technologique.
L’intégration de l’IA dans la musique ne se limite pas à la création et à la production ; elle s’étend à l’éducation, à la recherche, au marketing, à l’expérience utilisateur et même à la durabilité.
Cette technologie révolutionne non seulement la façon dont la musique est créée, mais aussi comment elle est enseignée, partagée et expérimentée. En tant qu’acteurs de l’industrie musicale, il est essentiel de rester à l’avant-garde de cette évolution, en exploitant le potentiel de l’IA pour enrichir et diversifier le paysage musical.
