Le son binaural pour tous ?

On entend beaucoup parler de son en 3D, de son binaural ou encore ambisonique. Nous allons essayer d’y voir plus clair et aussi d’expérimenter cette écoute binaurale, c’est à dire en 3 dimensions et de la comparer aux autres formats de diffusion audio.

Vous pouvez aussi écouter cet article :

Qu’est-ce que le son binaural ?

C’est une technique d’enregistrement qui tente de reproduire au mieux notre écoute humaine qui est si sophistiquée.

Elle est basée sur un couple de micros omnidirectionnels disposés chacun à la place de nos 2 oreilles. C’est ce qu’on appelle une tête binaurale. Elle permet de reproduire au plus près notre écoute humaine.

Effectivement nous sommes capables tout à fait naturellement d’entendre les sons autour de nous, à 360 degrés, donc en 3 dimensions : Gauche, droite, mais aussi avant arrière et même plus en haut et en bas.

L’écoute causale

C’est ce qui nous permet ce qu’on nomme l’écoute causale : nous entendons en permanence les sons tout autour de nous et notre cerveau peut ainsi détecter des sources sonores, notamment des causes de danger : comme une voiture qui s’approche de nous par derrière ou dans la nature un animal, par exemple un serpent qui siffle derrière nous ou un oiseau qui nous survole…

La stéréophonie

A la fin des années soixante, les industries du disque, de la radio, de la télévision ont adopté le standard sonore de la stéréophonie qui tente de reproduire au mieux cette écoute humaine sur 2 haut-parleurs. Depuis, toutes les musiques, les bandes-son de vidéo, la radio et même les plateformes numériques diffusent en stéréo.

Ça fait quand même plus de 50 ans …

Et la stéréo nous permet de situer les sons dans un espace en 2 dimensions : latéral (gauche-droite) et en profondeur (du premier plan au lointain).

C’est déjà bien, mais quid de l’arrière, du haut et du bas ? La stéréo ne nous permet pas d’entendre la direction d’un son qui serait situé par exemple derrière nous et en hauteur. Un avion qui nous survole ou toute autre source sonore.

La multi-phonie

La multi-phonie, c’est la diffusion sur plus de 2 haut-parleurs : 4, 5 ou 8, comme pour le home cinéma et dans les salles. Mais on peut aussi spatialiser la musique électro-acoustique sur des acousmoniums qui peuvent compter plusieurs dizaines de haut-parleurs.

Cette multi-phonie n’a guère existé pour les particuliers que dans le système du home cinéma. Ce phénomène est tombé en désuétude avec la généralisation des smartphones, des tablettes et des plateformes de diffusion qui nous conduisent beaucoup plus à visionner et écouter de manière solitaire sur des petits écrans.

Pour la musique, la quadriphonie ou le home cinéma n’ont pas réussi à détrôner la bonne vieille stéréo qui reste encore aujourd’hui le standard d’écoute de musique, de podcast et de vidéo.

La prise de son binaural

Lorsqu’on se penche sur l’histoire du son binaural, on s’aperçoit que le système est assez ancien, puisqu’il a été inventé quasiment en même temps que la stéréo dans les années 70. Mais tant qu’on écoutait la musique uniquement sur 2 haut-parleurs, le son binaural n’avait aucune utilité.

Maintenant qu’on écoute quasiment toute les musiques sur des écouteurs ou au casque, le son binaural semble revenir en force.

Alors, je vous propose ce sketch magnifique enregistré en binaural. Attention, c’est très immersif : vous êtes chez le barbier, sur le fauteuil et le barbier s’occupe de vous …

Pour profiter de ce son binaural, donc en 3 dimensions, il y a 2 conditions : être au calme et écouter cet audio avec des écouteurs ou avec un casque audio. Un simple smartphone suffit, à condition de mettre des écouteurs.

Alors, c’est parti, écoutez ! Vous êtes chez Luigi, le barbier binaural …

Ingés-son, créateurs sonores : le son binaural c’est pour vous

Mis à part le talent fou des 2 comédiens, cet enregistrement aurait pu être effectué avec un simple Sennheiser Ambeo Smart Headset . Si vous voulez faire des prises de son binaural avec un iPhone ou un iPad , achetez cet excellent dispositif. On le trouve sur Amazon pour un prix ridicule de moins de 50€.

Profitez de cette erreur de marketing manifeste de Sennheiser. Peut-être même que vous n’en trouverez plus, car à l’heure où j’écris cet article, Sennheiser en a arrêté la fabrication.

Mais je vous préviens : autant les micros sont excellentissimes, autant n’espérez pas en faire aussi vos écouteurs de smartphone. C’est la raison pour laquelle le fabricant s’est planté : les écouteurs sont très mauvais.

Mais ils suffisent très largement à contrôler votre prise de son binaural qui sera d’excellente qualité car les micros sont top !

Pour l’extérieur, il vous faudra des petites bonnettes anti-vent, ce qui est assez facile à adapter avec un peu d’imagination et de bricole.

Attention : le dispositif n’est compatible que pour iPhone ou iPad seulement.

Si vous pensez à vous équiper en son binaural pour produire des paysages sonores, du field recording, des pièces de cinéma pour l’oreille, des hörspiels, si vous voyez ce que je veux dire, alors vous avez aussi la possibilité d’investir dans une tête binaurale plus conséquente :

• Soundman OKM II Classic A3 – 192 € : pas forcément mieux, car vous allez sortir en mini-jack, donc pensez à votre enregistreur …
• DPA 4560 Binaural Headset Micro – 969 €

Neumann KU100 – 7.999 € :

Le must, mais forcément inaccessible !

Evidemment, on atteint là un sommet … Et franchement, je doute que vous puissiez amortir un tel investissement.

Alors, le système Sennheiser Ambeo Smart Headset est vraiment ce que je vous conseille vivement. Et vous le savez, je ne fais jamais de pub, je me contente de vous conseiller en connaissance de cause.

Mixer en son binaural

En production musicale, il est possible aussi de mixer en son binaural. Cette solution devient de plus en plus pertinente car comme nous l’avons dit plus tôt, 90% de la musique est aujourd’hui écoutée sur des smartphones, donc sur des écouteurs ou au casque.

Ce qui n’empêche pas votre mix binaural d’être écoutable également sur haut-parleurs. Néanmoins, je vous conseille fortement de vérifier votre mix et votre master sur des monitors de studio pour en vérifier la compatibilité.

En effet, Il peut arriver qu’on soit obligé de faire un compromis entre écoute binaurale au casque et écoute stéréo sur haut-parleurs.

La procédure à suivre est assez simple :

1. Enregistrer vos pistes en multi-pistes comme d’hab dans votre logiciel préféré : Cubase, Logic ou encore Protools
2. Puis je vous conseille de poser les bases de votre mix en une mise à plat stéréo pour régler les volumes, les pans, créer l’espace stéréo de votre mix (réverbs).
3. Et d’aller jusqu’au mix final en stéréo sur vos monitors, comme vous faites d’habitude. Vous pouvez même aller jusqu’au mastering stéréo. C’est une bonne précaution.
4. Puis vous allez faire une copie de votre mix finalisé pour travailler maintenant au casque une nouvelle version binaurale. Je vous conseille fortement d’utiliser le plugin Sennheiser Ambeo Orbit qui est gratuit et très simple à utiliser.
   Attention : il semblerait que le plugin ne fonctionne pas sur une simple piste mono. Votre son mono devra donc être placé sur une piste stéréo.

Evidemment, il ne s’agit pas de chercher à positionner les instruments dans tous les sens, mais plutôt de donner quelques nuances ou quelques mouvements sur certains sons.

Il faut aussi que le style de musique s’y prête, comme l’electro, l’ambient, les musiques expérimentales ou bien pour certains sons ponctuels qui peuvent venir ou aller, voyager dans l’espace, tourner, pour donner du mouvement, etc…

Bien sûr, ces effets ne seront pas lisibles sur haut-parleurs et il convient vraiment, je le répète, de vérifier si ça n’altère pas le mix stéréo sur haut-parleurs.

Mais si vous avez déjà enregistré une source en stéréo binaurale, il ne faut pas toucher à cette piste stéréo. Elle sera correctement entendue au casque, sans ajout d’un quelconque plugin.

Pour aller plus loin

Après avoir écrit cet article et expérimenté la prise de son binaural, j’ai compris tout l’intérêt de cette technique audio pour de nombreuses réalisations multimédia et j’ai décidé d’ajouter très bientôt un module binaural dans ma formation professionnelle destinée aux musiciens et aux producteurs :

Maitriser sa production musicale en home studio

Et il me semble aussi que cela pourrait intéresser certains podcasteurs·ses, ceux qui font des podcast de fiction, de création ou de voyages. Alors ce module se retrouvera également dans la formation :

Réaliser et diffuser ses podcasts de A à Z

Et pourquoi pas aussi pour tous ceux qui veulent réaliser des vidéos immersives :

Bien débuter en réalisation vidéo.

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Le design sonore en 7 questions fondamentales

On entend souvent parler de design sonore ou encore de sound design. Mais sait-on vraiment de quoi il retourne ? Quel rapport avec le brand content ? Comment intervient-il dans une stratégie de contenus, de communication web, de conception de produit ? Qui sont les acteurs du design sonore ? Voilà les réponses aux questions les plus fréquentes.

Vous pouvez aussi écouter cet article :

1. Qu’est-ce que le design sonore ?

Le design sonore est l’art et la technique de concevoir, créer et produire des sons pour diverses applications, telles que les films, les jeux vidéo, les publicités, les installations interactives et les environnements de réalité virtuelle.

Il comprend la composition musicale, la création de bruitages et d’effets sonores, la post-production audio et la synchronisation sonore.

Le but du design sonore est de renforcer l’expérience visuelle en ajoutant une dimension sonore immersive qui aide à créer l’atmosphère et à faire passer les émotions.

C’est un élément clé de la production de divertissement et de la création de contenu en général, et peut être considéré comme un élément de la narration sonore.

La définition et un article avec des références intéressantes sur Wikipédia :
https://fr.wikipedia.org/wiki/Design_sonore

2. En quoi consiste le design sonore des produits ?

Le design sonore est un aspect important du développement de produits, car il peut influencer l’expérience utilisateur et l’impact émotionnel d’un produit. Voici quelques-unes des réalisations les plus remarquables en design sonore des produits :

• Apple – Les sons d’Apple sont emblématiques et reconnaissables instantanément, que ce soit le son de démarrage d’un Mac ou l’alerte de message d’un iPhone. Ces sons ont été soigneusement conçus pour être simples, distinctifs et agréables à l’oreille.
• Tesla – La conception sonore des voitures Tesla a été saluée pour son niveau de personnalisation. Les conducteurs peuvent personnaliser les sons de la voiture, y compris les bips d’alerte et les sons de klaxon, pour les adapter à leur style de conduite et leur personnalité.
• Sonos – Les enceintes intelligentes Sonos ont été conçues pour offrir une expérience sonore de haute qualité tout en étant simples à utiliser. Leur application permet aux utilisateurs de contrôler facilement la musique et de personnaliser les paramètres audio pour chaque pièce de leur maison.
• BMW – La conception sonore des voitures BMW est également reconnue pour sa personnalisation. Les sons de la voiture ont été conçus pour offrir une expérience immersive et émotionnelle, avec des sons de moteur uniques pour différents modèles et des sons d’avertissement de sécurité conçus pour être à la fois informatifs et agréables à entendre.
• Google – Les sons de Google ont été soigneusement conçus pour être simples et accessibles, avec des sons d’alerte reconnaissables pour les produits tels que Google Home et Google Assistant.

Dans l’ensemble, le design sonore est de plus en plus important pour les entreprises qui cherchent à offrir une expérience utilisateur cohérente et immersive. Les réalisations continuent d’évoluer à mesure que les entreprises explorent de nouvelles façons d’utiliser le son pour améliorer la qualité de leurs produits.

3. Quelles sont les réalisations possibles pour les contenus des marques ?

Le design sonore peut être utilisé de plusieurs manières pour les contenus de marque, notamment :

• Jingle publicitaire : Le design sonore peut inclure la création d’une musique ou d’une chanson pour une campagne publicitaire qui sera associée à la marque.
• Bruitages et effets sonores : ils peuvent aider à renforcer l’impact visuel d’une publicité en ajoutant une dimension sonore immersive.
• Narration vocale : Le design sonore peut inclure la production d’une narration vocale pour des vidéos corporatives, des films institutionnels, etc.
• Musique pour les films institutionnels : elle peut être utilisée pour renforcer l’atmosphère d’un film institutionnel, et peut être conçue pour correspondre à l’image de la marque.
• Audio pour les installations interactives : Le design sonore peut inclure la création d’un son pour des installations interactives en magasin ou en exposition, pour ajouter une dimension sonore à l’expérience client.
• Voix off pour les vidéos corporatives : elles ajoutent une dimension sonore à la narration de la vidéo.

En général, le design sonore peut ajouter une dimension supplémentaire à une marque en permettant de renforcer l’expérience visuelle et de transmettre des émotions de manière plus immersive et mémorable.

4. Quels éléments de design sonore dans une vidéo de marque ou institutionnelle ?

Les éléments de design sonore dans une vidéo de marque ou institutionnelle peuvent inclure :

• Musique : elle peut être utilisée pour renforcer l’atmosphère de la vidéo et pour correspondre à l’image de la marque.
• Effets sonores : ils renforcent l’impact visuel de la vidéo en ajoutant une dimension sonore immersive.
• Narration vocale : elle peut être utilisée pour donner plus d’informations sur la marque ou les produits présentés dans la vidéo. La voix parlée est un vecteur puissant de communication.
• Bruitages : ils peuvent renforcer l’atmosphère générale de la vidéo et peuvent être utilisés pour renforcer certaines actions ou scènes.
• Voix off : elle va donner plus d’informations sur la marque ou les produits présentés dans la vidéo.
• Musique d’ambiance : elle renforce l’atmosphère de la vidéo sans déconcentrer l’auditeur de la narration.

Le but du design sonore dans une vidéo de marque ou institutionnelle est de renforcer l’expérience visuelle. Les éléments doivent être soigneusement sélectionnés et produits pour atteindre cet objectif.

5. Et dans un podcast de marque ou institutionnel ?

Les éléments de design sonore dans un podcast de marque ou institutionnel peuvent inclure :

• Musique d’introduction et de transition : ellee peut être utilisée pour introduire le podcast et pour faire des transitions entre les différentes sections.
• Effets sonores : ils renforcent l’impact de certaines sections du podcast, comme des interviews ou des histoires.
• Narration vocale : elle est utilisée pour présenter le podcast et pour introduire les différentes sections. Elle est très souvent l’élément principal du podcast.
• Bruitages : ils peuvent renforcer l’atmosphère générale du podcast et peuvent être utilisés pour renforcer certaines sections.
• Musique d’ambiance : elle est utilisée pour renforcer l’atmosphère du podcast sans déconcentrer l’auditeur de la narration.
• Sons environnementaux : peuvent être ajoutés pour renforcer la compréhension de la scène décrite dans le podcast.

Le but du design sonore dans un podcast de marque ou institutionnel est de renforcer l’expérience auditive en ajoutant une dimension sonore immersive qui aide à créer l’atmosphère et à faire passer les émotions.

Les éléments de design sonore doivent être soigneusement sélectionnés et produits pour atteindre cet objectif.

6. Quelle peut être la stratégie de création du design sonore pour la communication d’une marque ?

La stratégie de création du design sonore pour la communication d’une marque devrait inclure les étapes suivantes :

• Connaissance de la marque : Il est important de comprendre la mission, les valeurs et les objectifs de la marque pour pouvoir créer un design sonore qui les reflète.
• Analyse de l’audience : Il faut comprendre les attentes et les préférences de l’audience pour pouvoir créer un design sonore qui les attire et les engage.
• Évaluation des concurrents : examiner les designs sonores utilisés par les concurrents pour déterminer comment se démarquer.
• Développement d’un concept : Après avoir compris la marque, l’audience et les concurrents, il est temps de développer un concept pour le design sonore qui reflète la marque et attire l’audience.
• Sélection des éléments sonores : ils doivent être soigneusement sélectionnés pour refléter le concept développé et pour renforcer l’atmosphère et les émotions.
• Production et test : Le design sonore doit être produit et testé pour s’assurer qu’il atteint les objectifs et qu’il est cohérent avec la marque.
• Amélioration continue : Le design sonore doit être constamment évalué et amélioré pour s’adapter aux changements dans la marque, l’audience et le marché.

La stratégie de création du design sonore pour la communication d’une marque doit être flexible, adaptable et en constante évolution pour répondre aux besoins changeants de la marque et de son audience.

7. Qui sont les différents acteurs du design sonore ?

Les différents acteurs du design sonore incluent :

• Compositeurs et producteurs musicaux : Ils créent et produisent la musique et les autres éléments sonores utilisés dans le design sonore.
• Sound designers : Ils sont responsables de la conception et de la production des effets sonores, des bruitages et des autres éléments sonores utilisés dans le design sonore.
• Studios d’enregistrement et d’ingénierie sonore : Ils fournissent les installations et les équipements nécessaires pour enregistrer et produire les éléments sonores utilisés dans le design sonore.
• Agences de publicité et de marketing : Elles utilisent le design sonore pour renforcer les messages publicitaires et les stratégies de marketing.
• Producteurs de contenu audio et vidéo : utilisent le design sonore pour renforcer l’impact des podcasts, des vidéos et d’autres formes de contenu audio et vidéo.
• Entreprises de technologies de l’information : elles se servent du design sonore pour renforcer l’expérience utilisateur des applications et des systèmes informatiques.
• Consultants en design sonore : Ils aident les entreprises à développer et à mettre en œuvre une stratégie de design sonore efficace pour renforcer la communication de la marque et l’engagement de l’audience.

Chacun de ces acteurs joue un rôle clé dans le développement et la production de designs sonores efficaces pour les marques et les entreprises.

Pour aller plus loin

C’est un peu plus clair pour vous, je l’espère ? Vous vous voyez peut-être intervenir dans ce domaine ? Créer des contenus audio pour le podcast de marques, composer pour des marques si vous êtes musicien ? Vous lancer dans la création de contenus multimédia, le sound design ?

La concurrence est rude, mais çà en vaut la peine. A condition d’être armé, d’avoir les compétences techniques et créatives pour être au niveau.

Vous voulez vous former pour gagner beaucoup de temps, acquérir des compétences professionnelles dans ces domaines ? Renseignez-vous :
https:plansonore.fr/toute-la-formation-continue

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Mixage et mastering : 3 solutions radicales pour vous améliorer at home

Pour améliorer votre mixage et mastering, il y a plein de solutions. Mais si vous éprouvez des difficultés à atteindre le son pro chez vous « at home », voilà 3 solutions radicales et faciles à mettre en œuvre pour faire immédiatement un grand bond en avant.

Vous pouvez aussi écouter cet article :

Waves L1 Ultra Maximizer

Le mastering le plus simple et le plus efficace, celui dont vous ne pouvez absolument pas vous passer. Celui qui suffira pour 99% de vos productions musicales.

Vous écoutez vos mixages dans votre voiture ou sur votre chaine et vous constatez que vous n’avez pas le même son que les disques du commerce. En ligne ou sur CD, vos musiques n’ont pas la même pêche, vous êtes obligé de monter le volume d’écoute pour entrer dans le son.

Mais comment font-ils ? Vous avez essayé de compresser vos pistes et la plupart du temps ça bousille complètement votre son. Et oui, les compresseurs sont très difficiles à comprendre, donc à régler. Si vous avez plusieurs compresseurs dans votre projet, stop ! Ce n’est pas la solution en matière de mixage et mastering.

Supprimez tous ces compresseurs et quittez ces mauvaises habitudes.

Et essayez tout simplement de mettre sur votre bus master un seul plugin, un maximizer. Je vous conseille le Waves L1 Ultra Maximizer qui est utilisé pour le mixage et mastering par la plupart des ingés-son et des producteurs.

Il est ultra simple à régler, s’adapte à tous les styles de musique. En un clic, vous allez bonifier complètement la sensation d’écoute que provoque votre musique sans en altérer le son, que ce soit de la pop, du jazz, de la techno, du rap ou même de la musique classique.

Vous ne me croyez pas ?

Et bien écoutez la différence sur un extrait de cette maquette, en 2 versions : l’une sans et l’autre avec le Waves L1 Ultra Maximizer. Vous pouvez écouter cet exemple sur votre ordi, mieux sur vos haut-parleurs ou au casque, peu importe. Allez-y !

Ok ? Vous avez entendu la différence ? Sur le son global, le son de la batterie, le son de la guitare… Incroyable, n’est-ce pas ?

La première fois que j’ai essayé ce plugin, je n’en croyais pas mes oreilles. Depuis, dans tous mes projets, dans tous mes mixes, le L1 se trouve automatiquement en fin de parcours sur mon master out. Et c’est ce qui a ouvert la porte à ce qui allait devenir plus tard ma méthode de production musicale en mixage et mastering Less is More. Elle pourrait se traduire par : Pourquoi faire compliqué alors qu’on peut faire simple. C’est celle-là même que j’enseigne depuis plus de 15 ans.

Je suis certain que vous allez l’essayer et adopter pour toujours ce plugin, pour toutes vos productions musicales en mixage et mastering.

Nx – Virtual Mix Room Over Headphones

Mais comment effectuer mixage et mastering correctement dans votre home studio ? Vous travaillez chez vous dans une pièce trop petite dont l’acoustique n’est pas idéale ? Vos haut-parleurs ne sont pas de qualité suffisante ?

Alors vous mixez au casque et ça vous permet aussi de ne pas gêner vos voisins. Vous avez un bon casque professionnel, mais le résultat n’est pas satisfaisant lorsque vous écoutez vos mixes en ligne ou sur des haut-parleurs.

Et oui, impossible de faire mixage et mastering au casque, c’est ce que vous diront tous les ingés-son. Et ils ont raison…

En tout cas c’est ce que je vous aurais dit, moi aussi, il y a encore quelques jours… avant que j’essaye un plugin Waves, le Nx – Virtual Mix Room Over Headphones.

L’idée est simple, mais il fallait y penser. Les développeurs de ce plugin sont partis de 2 constatations :

1. Tous les casques, même les meilleurs colorent toujours plus ou moins le son et ce n’est pas du tout ce qu’on attend en monitoring de studio. Au contraire, on a besoin de l’écoute la plus neutre possible.
2. Contrairement à des haut-parleurs, un casque colle sur chacune de nos 2 oreilles les canaux gauche et droite de la stéréo en les séparant totalement. Notre oreille gauche n’entend que la canal de gauche et la droite que le canal de droite.
   Ceci n’est pas le cas du tout lorsqu’on écoute sur des haut-parleurs, ni même lorsqu’on écoute de la musique ou des sons en direct. Chacune de nos 2 oreilles entend un mélange différent des canaux gauche et droite et c’est cela qui nous permet de situer les sons dans l’espace. La stéréophonie (gauche + droite) reproduit cette écoute humaine le mieux qu’elle peut.

Et voilà : ce sont les 2 raisons pour lesquelles les mixage et mastering au casque sont systématiquement très trompeurs.

Alors les développeurs de Nx ont analysé très précisément la courbe de réponse de plusieurs centaines de modèles de casques audio afin de pouvoir la compenser et d’apporter l’écoute la plus linéaire possible.

Mais cela ne suffisait pas. Il s’agissait bien de reproduire l’écoute sur haut-parleurs, celle qu’on a en studio lorsqu’on mixe. Vous savez bien, on appelle çà le sweet spot. L’endroit précis à égale distance des 2 monitors, celui où se place l’ingé-son pour mixer en stéréo. Celui où la stéréophonie est parfaite.

Ils ont réussi à modéliser, comprenez simuler, cette écoute stéréo dans l’air pour votre casque. Oui pour chaque modèle de casque.

Actuellement plus de 270 modèles de casques ont été traités. Il y a fort à parier que le vôtre est dans la liste et vous n’avez plus qu’à le choisir. C’est ce que j’ai fait avec mon casque préféré le Sony MDR 7506, un grand classique en studio.

Et j’ai testé :

1. Sans
   Tout d’abord l’écoute d’une même production musicale sur haut-parleurs et sur mon casque sans le plugin. La musique sonne très différemment en effet tant pour la retranscription des fréquences que pour la perception de l’espace stéréo. Mais çà je le savais déjà. C’est même précisément la raison pour laquelle je ne mixe jamais au casque.
2. Avec
   Puis J’ai placé le plugin sur la sortie casque de mon master et j’ai écouté à nouveau mon mix, alternativement sur mon casque et sur mes haut-parleurs. L’effet est convaincant : la musique est moins entendue gauche-droite au niveau de ma tête, mais plus devant moi et je retrouve une sensation d’écoute qui approche celle mes moniteurs de studio. Et la répartition des fréquences et de l’espace stéréo est assez semblable. Je ressens beaucoup moins de différence en alternant casque et haut-parleurs.

C’est très agréable ! Et on pourrait pinailler en argumentant qu’il resterait à vérifier précisément une production entièrement réalisée (mixage et mastering) au casque pour l’écouter ensuite sur des moniteurs de studio. Pour vérifier la cohérence de ce mix.

Mais je suis certain qu’on s’y retrouve, tant cette modélisation est réussie.
Beaucoup de mes élèves travaillent chez eux dans une pièce trop petite dont l’acoustique est intraitable et avec des voisins peu conciliants. Dans ces conditions, même s’équiper de moniteurs de studio ne peut pas résoudre leur problème.

Mixage et mastering au NX Germano Studios

Il existe même des variantes de ce plugin qui vous permettent de simuler en plus la control room de très grands studios professionnels, comme par exemple le prestigieux Germano Studio à New York, que je vous recommande. Pour le même prix, vous aurez en plus cette possibilité de faire votre mixage et mastering dans cette control room prestigieuse sur votre casque. Comme dans tout grand studio, vous pourrez switcher entre les 3 types de monitors différents présents dans la cabine du studio..

Désormais, je vais leur recommander cette solution plus efficace et bien plus économique pour leur mixage et mastering at home. Bien évidemment, soyons réalistes, elle ne peut remplacer à 100% de bons moniteurs dans un studio bien traité acoustiquement. Mais cela apporte un bénéfice certain dans un petit home studio.

Profitez d’une remise de 10%

Si vous voulez acquérir tout de suite ces 2 plugins pour votre mixage et mastering ou même plus, je vous propose de bénéficier d’une remise de 10% à partir de 50€ d’achat sur le site web de Waves en utilisant ce lien :

https://www.waves.com/r/995435

Attention ! Ce lien n’est valable qu’une seule fois et pendant 7 jours après l’avoir cliqué.
Cette remise de 10% est valable une fois pour l’achat de n’importe quel plugins ou bundle Waves (à partir de 50€ d’achat). Profitez-en !

NB : Je tiens à préciser que je ne fais jamais de publicité sur ce blog Plan Sonore. Ces recommandations ont comme seul but de vous aider. Elles sont totalement honnêtes, efficaces, testées au studio et dans nos formations. Et c’est bien sûr le cas pour les deux que je viens de vous apporter.

La méthode Less is More pour votre mixage et mastering

Si vous débutez, si vous voulez aller plus loin et maitriser votre production musicale dans votre home studio, il y a évidemment beaucoup plus à savoir. Le travail de studio est tout un art, avec les bons outils, les bonnes méthodes et les meilleures théories.

• Quel matériel et quels logiciels utiliser ?
• Comprendre l’acoustique musicale
• Comment enregistrer les instruments et la voix
• Comment monter, traiter et mixer plusieurs projets de production musicale

J’enseigne depuis plus de 15 ans aux musiciens, musiciennes et producteurs qui souhaitent produire leur musique at home et atteindre un niveau et des résultats professionnels en mixage et mastering.

Ma méthode de production Less is More est fondée sur la pertinence, la simplicité et le respect des sons. Elle permet d’utiliser ces nouvelles technologies sans être submergé·e par la multiplicité des outils, la complexité des traitements et d’atteindre un son professionnel en mixage et mastering sans oublier l’objectif musical de vos productions.

Cette formation vous fera gagner beaucoup de temps en évitant les aléas et les fausses pistes de l’utilisation à l’arrache de votre logiciel et de votre équipement dans votre home studio. Cela se chiffre souvent en années perdues à errer tout seul dans la complexité de la production musicale en studio, sans avoir la bonne méthode de travail..

Si vous désirez en savoir plus, rendez-vous sur la page de présentation de la formation à distance Maitriser votre Production Musicale en Home Studio  :
https://plansonore.fr/maitriser-votre-production-musicale-en-home-studio/

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Le numérique accessible aux musiciens non-voyants ?

Mettez-vous à la place d’un musicien ou d’une musicienne non-voyants. Il ou elle ne voit rien sur un écran et le tactile est pour lui ou pour elle un cauchemar. Alors les fabricants de synthés, de pianos numériques, de workstations pensent-ils à rendre leur matériel numérique accessible ? Nous avons rendez-vous avec 2 musiciens non-voyants qui témoignent.

Vous pouvez également écouter intégralement cet article en audio :

Le problème numéro 1 des non-voyants en informatique est qu’ils se heurtent quotidiennement à des applications, des sites web, des plateformes qui ne leur sont bien souvent pas accessibles. En effet, tous les éléments visuels doivent leur être accessibles par des raccourcis clavier combinés au lecteur audio d’écran qui leur décrit verbalement tout ce qui est à l’écran.

Si vous êtes voyant, vous n’avez certainement pas conscience que lorsque vous travaillez sur ordinateur ou tout simplement lorsque vous naviguez sur internet, vous utilisez constamment vos yeux afin de lire, contrôler les différentes fonctions que vous actionnez sur votre écran.

Alors maintenant, faites ce test : fermez les yeux ! Vous êtes dans la même situation qu’un non-voyant ou une non-voyante … C’est terminé : vous ne pouvez plus rien faire ou presque, pas même continuer à lire cet article. Alors imaginez un musicien ou une musicienne non-voyants sur sa station de travail numérique …

Fort heureusement, il existe des outils qui peuvent rendre le numérique accessible : les raccourcis clavier et les lecteurs d’écran. Les non-voyants les utilisent au quotidien sur leur ordinateur. Encore faut-il que les applications, les plateformes web ou les instruments numériques soient eux-même accessibles, c’est à dire compatibles avec les lecteurs d’écran et manoeuvrables avec des raccourcis clavier.

Or globalement, on en est loin, même si des lois obligent en théorie les développeurs à rendre le numérique accessible aux non-voyants. En France particulièrement, nous accusons un retard énorme en la matière. J’ai compris récemment que l’accessibilité numérique n’était pas enseignée aux futurs développeurs de sites web, d’applications numériques. Impensable !

Dans le monde entier, ce sont les premiers concernés, les non-voyants qui s’attaquent à ce vaste problème. En effet, les nouvelles générations de non-voyants sont hyper-connectées et les outils informatiques, numériques leur sont d’une utilité folle dans leur vie quotidienne, tout comme dans leurs activités professionnelles. Et ils ont bien compris qu’il leur fallait se démener, lutter pour que les voyants leur rendent le numérique accessible.

Plus fort encore, ce sont des développeurs non-voyants qui fabriquent le plus souvent les outils d’accessibilité pour leur communauté.

Mais intéressons-nous maintenant au cas plus particulier des musiciens, musiciennes non-voyants. Tout comme les voyants, ils doivent pouvoir avoir accès aux logiciels audio, aux claviers, synthés, aux interfaces audio-numériques pour pouvoir produire leur propre musique dans leur home-studio.

Dans ce domaine, rendre le numérique accessible est d’autant plus crucial que les logiciels, les interfaces sont très complexes, même pour les voyants. On ne peut les maitriser correctement qu’en suivant des formations techniques assez poussées.

Nous avons rendez-vous avec 1 musicien et 1 musicienne non-voyants qui pratiquent au quotidien et sont de fervents facilitateurs du numérique accessible.

Jason Dasent milite pour le numérique accessible

Originaire de la Trinidad et basé à Londres, Jason Dasent est plus qu’un musicien. En tant que producteur, ingénieur, claviériste et tout le reste, il fusionne la soul avec la pop et le funk avec des saveurs de calypso de sa Trinité natale. Mais en tant que personne malvoyante, il est très engagé à combler le fossé entre l’accessibilité et la créativité.

Depuis plusieurs années, il a pris l’initiative de contacter les principaux fabricants d’équipement musical et de logiciels son afin de leur poser la question de l’accessibilité de leurs produits. Mais il n’a pas seulement alerté ces entreprises, il a aussi proposé ses services pour les aider à résoudre plus efficacement cette problématique.

Et ces efforts portent leurs fruits : les rencontres à distance avec les développeurs et les responsables de ces marques posent les jalons de nombreuses collaborations qui aboutissent régulièrement à rendre le matos numérique accessible aux musiciens non-voyants.

La collaboration avec le fabricant français Arturia est emblématique de son travail. L’équipe de Jason a travaillé avec les ingénieurs de la marque afin de rendre leur équipement numérique accessible aux musiciens et musiciennes non-voyants.

Arturia : le matos numérique accessible

Arturia est l’un des principaux développeurs mondiaux de logiciels de musique, de contrôleurs de studio, de synthétiseurs matériels et d’interfaces audio. En créant du matériel pour les musiciens professionnels et amateurs, le fabricant français leur propose des équipements à la fois faciles à utiliser, qui améliorent leur flux de travail et qui sonnent de manière très professionnelle.

Arturia est très concerné par l’accessibilité aux musiciens non-voyants de son matériel. En lien avec Jason, leur équipe a développé cette fonctionnalité sur KeyLab et Analog Lab V qui sont donc particulièrement recommandés aux musiciens et producteurs non-voyants qui désirent utiliser clavier et banques d’instruments virtuels.

Visitez le site web d’Arturia : https://www.arturia.com/

Jason Dasent – KeyLab et Analog Lab V

Dans cette vidéo en anglais, Jason Dasent nous montre comment il exploite les fonctionnalités d’accessibilité de KeyLab et Analog Lab V. Si vous êtes musicien, musicienne et non-voyant ou non voyante, vous n’aurez, je pense, aucun mal à comprendre ce qu’il se passe dans la démo de Jason, vous entendrez notamment le lecteur d’écran nommer les presets qu’il parcoure ou sélectionne.

Vous pouvez lire l’article complet sur Jason Dasent sur le site web d’Arturia. NB : le site est en anglais, si vous voulez y accéder en français, utilisez la fonction translate sur le navigateur Chrome.

→ https://www.arturia.com/stories/jasondasent

Amalia Abélard

Elle vit dans l’ile de La Réunion et elle est non-voyante. Elle joue de pas mal d’instruments : piano, synthés, batterie, basse et elle enregistre ses propres musiques chez elle. Elle joue en live avec d’autres musiciens voyants ou non-voyants dans des styles variés : jazz, pop, musique traditionnelle réunionnaise.

Amalia réalise aussi ses propres podcasts autour de son activité musicale. Elle y propose ses musiques, des présentations d’instruments acoustiques, électroniques. Elle est donc particulièrement impliquée dans le numérique accessible au quotidien dans ses activités musicales.

Elle a pris en main tout récemment le Genos Yamaha, un clavier arrangeur numérique, une workstation de haute volée qui va sans nul doute devenir son instrument numérique principal. Elle nous fait part de ses premières impressions en ce qui concerne son accessibilité et l’utilisation du guide vocal fourni avec le clavier.

Amalia et le Genos Yamaha

Vous pouvez retrouver Amalia sur son podcast La Fa Mi sur les principales plateformes de podcast comme Apple Podcasts, Google Podcasts, Spotify, Deezer etc …

Yamaha et l’accessibilité

Les pianos numériques Yamaha sont un standard tant pour les musiciens professionnels, qu’amateurs mais aussi pour toutes les écoles et les profs de musique. En soi, un piano numérique n’est pas un instrument numérique très complexe. On imagine bien qu’il suffit de pouvoir changer les sons de piano proposés.

Sur les plus chers des pianos Yamaha, les Clavinova hauts de gamme, un guide audio permet aux non-voyants d’avoir plus de repères dans leurs réglages et leur navigation dans les bibliothèques de sons.

Mais on remarque en général sur tous les pianos Yamaha que toutes les fonctions sont accessibles par des boutons physiques et que bien souvent même ils n’ont pas d’écran visuel ou tactile, ce qui les rend beaucoup plus accessibles que pas mal d’autres appareils des marques concurrentes.

Pour aller plus loin

Nous avons vu que le numérique accessible est nécessaire aux musiciens, musiciennes non-voyants pour pouvoir utiliser leurs instruments et leurs logiciels numériques. Mais les formations audio pour les non-voyants doivent leur être elles aussi accessibles. Or il n’en existe quasiment pas, que ce soit en ligne ou en présentiel.

Voilà pourquoi dès 2020, nous (Audio Formations) avons décidé de prendre cette question du numérique accessible à bras le corps. Nous proposons aux non-voyants des versions 100% accessibles de nos formations en ligne.

Les déficients visuels peuvent les suivre à domicile, ce qui est très important aussi pour eux. Elles sont en français et donc accessibles dans toute la francophonie.

Les formations accessibles :

Par les liens ci-dessous, vous pouvez accéder aux pages de présentation de ces formations. Bien évidemment ces 2 pages de présentation sont elles aussi accessibles à 100% aux déficients visuels.

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Occasions : vente de matériel audio et video

Audiorama vend ce matériel audio et vidéo pour cause de double-emploi.
Profitez de cette occasion ! Ces appareils sont en très bon état et ont été utilisés selon les bonnes pratiques professionnelles.

Et oui, il arrive un moment où le studio s’encombre de matériel audio et vidéo qui a été remplacé. De qualité professionnelle, ces appareils jouent parfaitement leur rôle et ils peuvent trouver une seconde vie dans le home studio d’un autre musicien ou pour les productions média d’une autre structure.

Si vous êtes intéressé(e) par l’un ou l’autre de ces appareils, contactez Bruno de Chénerilles : contact@audiorama.org

Monitoring de studio – 600 € – Bon état

2 monitors Yamaha NS10M + ampli de puissance Nad 2140 – Puissance : 2x60w RMS – Un grand classique dans le monitoring de studio, généralement utilisé en proximité au dessus de la console. Une grille de protection est rajoutée sur le haut-parleur principal.

Ce matériel audio est en bon état, mais non révisé. C’est la raison pour laquelle je vends à ce prix très bas. L’ampli seul : 250 €, les HPS seuls 450 €
A enlever à Strasbourg. Envoi difficile (12 Kg pour les 2 enceintes + 8,5 kg pour l’ampli ).

Camera Canon XHA1 – 400 € – Bon état

Caméra professionnelle HDV 1080i – Vendue avec tous ses accessoires d’origine chargeur, batterie + batterie supplémentaire + lot de cassettes mini DV, à signaler : l’anneau pour micro additionnel a été cassé, mais sans aucune conséquence sur le bon fonctionnement du camescope.
A enlever à Strasbourg. Envoi possible par colissimo (4 Kg).

Roland PC-180A – 50 € – Etat : comme neuf

Clavier-maitre midi 49 touches + pitch bend + modulation, connectique : midi out, fourni avec son bloc secteur. Manuel téléchargeable en pdf sur 123notices.com
3 claviers à vendre : 50 € pièce, les 3 pour 120 €. A enlever à Strasbourg. Envoi possible par colissimo (poids : 3,5kg).

Fostex FR2 – 350 € – Etat : comme neuf

Enregistreur numérique professionnel – vendu avec sa courroie d’origine, manuel + bloc secteur Fostex + 2 cartes compact flash SanDisk ultra 4GB et 2GB.
A enlever à Strasbourg. Envoi possible par colissimo (2,5 kg).

Bonnette anti-vent Rycote – 300 € – Très bon état

diamètre 10cm, complète avec sa suspension interne adaptable tous micros et son windjammer. Ce matériel audio professionnel est idéal pour tous tournages vidéo et cinéma en extérieur.
A enlever à Strasbourg. Envoi possible par colissimo (poids : 2kg).

M-Audio TriggerFinger – 40 € – Etat : comme neuf

Contrôleur midi génial, 16 pads, 4 faders, 8 boutons rotatifs, 16 mémoires programmables, connectique : usb et midi out, pas de vis pour pied de micro, manuel téléchargeable en pdf sur 123notices.com
J’en ai 5 à vendre : 40 € pièce, 150 € pour les 5
A enlever à Strasbourg. Envoi possible par colissimo (poids : 3kg).

Lexicon MPX1 – 190 € – Etat : comme neuf

Le son légendaire des réverbs Lexicon + plein d’effets combinables dans ce multi-effets numérique, programmable et pilotable en midi depuis votre logiciel de MAO, connexions analogiques et numériques, rackable 1U, avec ses Manuels papier d’origine anglais et français. Ce matériel audio est très professionnel. A enlever à Strasbourg. Envoi possible par colissimo (Poids : 3kg).

Novation Remote 25SL – 80 € – Etat : comme neuf

Clavier maitre 25 touches + contrôleurs midi : 8 pads, 8 faders, 16 boutons rotatifs, connectique usb + prises midi in out thru, manuel téléchargeable en pdf sur 123notices.com
A enlever à Strasbourg. Envoi possible par colissimo (poids : 4kg).

Akaï S3200 – 500 € – Etat : comme neuf

L’avant-dernier des légendaires sampleurs Akaï (après les S900, S950, S1000), avec son manuel papier d’origine, lecteur interne de diskettes, 8 sorties analogiques séparées, interface midi in out thru, extension de mémoire maxi, avec les cartes d’interfaces optionnelles : digital AES-EBU + Optical, SMPTE, SCSI pour HD. NB : sans HD interne.
Ce matériel audio professionnel vintage est très recherché. A enlever à Strasbourg. Envoi possible par colissimo (Poids : 11kg).

Si vous êtes intéressé(e) par ce matériel audio ou vidéo, par l’un ou l’autre de ces appareils, contactez Bruno de Chénerilles : contact@audiorama.org

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Production musicale : les Master Classes Audio

Production musicale : les Master Classes Audio

Tout nouveau et çà manquait terriblement : Une série de Master Classes Audio pour les musiciens, les compositeurs, les producteurs qui maîtrisent déjà leur home studio. Pour se perfectionner et élargir leurs champs d'action.

Des Master Classes Audio à prendre en toute liberté et sans contraintes, en ligne et sur abonnement, sans engagement … Une série de challenges, de défis pour faire avancer très concrètement votre potentiel créatif et vos compétences en production musicale.

Bruno de Chénerilles vous explique pourquoi et comment il en est venu à proposer ces Master Classes Audio. Pourquoi et comment vous pourriez vous aussi tracer plus facilement votre chemin personnel dans ce métier si difficile.

Vous pouvez aussi l'écouter en podcast :

Plan Sonore · Production Musicales : les Master Classes Audio

Pourquoi des Master Classes Audio ?

Si vous maitrisez Cubase, Logic ou Protools, si vous avez monté votre home studio, vous avez l'outil et les compétences de base pour faire fructifier votre activité, pour la rentabiliser.

Créer des bandes-son, des habillages, des musiques originales à la demande pour des projets audiovisuels, évènementiels ou de spectacle vivant bien financés, voilà qui peut vous permettre de monnayer efficacement votre talent.

Personnellement, j'ai mis le pied dans le métier de compositeur-producteur en répondant à une proposition de théâtre musical contemporain qui m'a ouvert ensuite et tout de suite les portes de la création radiophonique. Et c'était parti !

Cela changeait tout pour moi qui peinait à vivre de ma musique. Et cela m'a permis de continuer à produire pour le cinéma, la télévision, le théâtre, la danse et des grandes expositions...

Et sachez bien que tous ces domaines ont besoin de son, d'audio, de musique. Je devrais dire de bon son, de bonne musique, bien produite. Et à l'époque, il n'y avait pas encore internet. Aujourd'hui, les nouveaux écosystèmes du web ont encore accru, décuplé même, les besoins audio et ce n'est pas fini...

Outre les bénéfices financiers, cela m'a ouvert aux autres formes de création et ce fut très bénéfique pour ma propre musique. Sans cet apport, je n'aurais certainement pas pu tenir la barre dans ce métier pendant 40 ans, comme je l'ai vécu.

Comment franchir le cap ?

Pouvoir répondre en toute confiance à des commandes pour l'audiovisuel, la vidéo, le podcast, la télévision, le cinéma, le spectacle vivant, cela demande un entrainement particulier et la connaissance de leurs techniques spécifiques de production.

C'est ce que j'ai appris et mis en pratique tout au long de ma vie professionnelle. Cela m'a demandé un travail et des temps d'adaptation énormes, car j'étais seul pour développer ces nouvelles compétences.

Personne pour me guider, pour m'enseigner. Il n'y avait pas de formations dans ces domaines très particuliers. Autant vous dire qu'il fallait une énorme dose d'autonomie pour pouvoir avancer et répondre aux propositions du tac au tac.

Après avoir dispensé pendant des années des formations en production musicale et en techniques de studio pour un grand nombre de musiciens, j'ai cherché une manière de les amener plus loin.

A ceux de mes élèves musiciens qui avaient accompli leur formation de base et qui maitrisaient suffisamment les techniques du home studio, j'ai commencé à proposer des défis, des challenges et des compléments plus pointus sur des techniques particulières.

Pour les aider à franchir progressivement le cap de la maitrise de base, pour atteindre l'expertise dans des formes de production audio rentables, pour les aider également à promouvoir leur musique.

Bruno de Chénerilles

" Compositeur-producteur, ingénieur du son, formateur expert en techniques du son, vidéo et multimédia pour la musique et pour le web.
En 1983, j'ai fondé Audiorama, le laboratoire de création musicale et action culturelle qui a porté d'année en année ses projets avec de multiples partenaires.
J'ai enseigné dans diverses universités en France et au Canada.
En 2004, j'ai fondé Audio Formations, organisme de formation professionnelle continue spécialisé dans les formations en ligne dans le domaine de la musique et du multimédia.
Je suis également performer dans le domaine du live electronics et de l'improvisation.

Les Master Classes Audio

Et voilà comment s'est dessiné petit à petit ce programme de Master Classes Audio. Pour le moment, il y en a 14, chacune sur une thématique, une spécialité bien précise. Mais le programme n'est pas fermé, il évolue sans cesse selon les besoins et les attentes des musiciens qui entrent dans ce cycle d'excellence.

Les 7 premières Master Classes Audio ont été peaufinées durant l'été 2021 et mises en ligne dès le mois de septembre. 7 autres sont programmées pour l'hiver 2021/22.

Ce n'est pas une formation traditionnelle et elle n'est pas pour tout le monde.

Chaque Master Classe Audio est cadrée, accompagnée et vous conduit à un résultat très pro en termes de production. Vous pouvez les choisir dans l'ordre que vous voulez, selon vos priorités personnelles.

Certaines sont transversales et vous serviront pour différents domaines. D'autres pourront répondre directement à des projets réels et précis qui se posent à vous. Voilà pourquoi, c'est vous qui choisissez l'ordre dans lequel vous les prenez, selon vos priorités.

Les Master Classes Audio sont toutes accessibles en ligne depuis votre ordinateur, votre tablette ou votre smartphone. 24H sur 24, 7 jours sur 7, quand vous le voulez !

Le programme de lancement

• Réaliser un single

• Créer une bande-son pour une vidéo

• Bien débuter en montage vidéo
  

• Créer un dispositif de concert avec Ableton Live
  

• Un podcast pour votre activité musicale

• Réviser vos termes techniques

• Créer des paysages sonores

• Diffuser et promouvoir votre musique

• Créer des habillages sonores : logo, vidéo, podcast, tv, cinéma …

• Aborder la création radiophonique

• Créer des interfaces tactiles sur ipad

• Réaliser une installation sonore interactive

• Spatialiser en multi-diffusion

• Composer une pièce de musique concrète

NB : La liste n'est pas exhaustive.

Vous êtes intéressé-e ?

Pour entrer dans ce niveau supérieur de formation, il faut bien sûr avoir une bonne maitrise des techniques de base du home studio et pouvoir faire écouter quelques réalisations.
Pour évaluer votre situation, vous pouvez répondre au questionnaire qui suit.
Puis, je vous contacterai pour faire le point avec vous, répondre à vos questions et nous assurer ensemble que vous pouvez y aller.

Pour accéder au questionnaire

Comment vous inscrire ?

Abonnement mensuel sans engagement : 47 €

• Vous bénéficiez de toutes les mises à jour et des nouvelles Master Classes Audio qui se rajouteront

• Si vous souhaitez vous engager pour un an, vous bénéficiez de 2 mois offerts : 470 € pour un an
  

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Ce qu'ils pensent de nos formations home studio

Dimitri - musicien amateur

Débutant, j'ai pris mon pied en découvrant cette formation très claire et bien organisée. Bruno est toujours à l'écoute et nous offre ses conseils précieux pour aller droit au but en évitant les erreurs (comment choisir son matériel, ses logiciels, comment enregistrer de façon optimale une guitare, une voix, un piano...). La formation nous accompagne pas à pas dans des réalisations techniques de plus en plus poussées, et les chapitres plus théoriques sont un vrai plus pour élargir ses horizons !

Patrick - musicien professionnel

Je suis vraiment ravi de la formation "Maitriser votre Production Musicale at Home". Bruno est un vrai pro qui va droit au but, à l'essentiel, et nous mène vers l'autonomie. Exactement ce que j'attendais : économie de temps, d'argent, tout est pensé dans les règles de l'art, et en plus le programme est passionnant et pratique. Je m'éclate et me sens rassuré, c'est possible d'avoir un son Pro at Home, en suivant le guide.

Julien - musicien professionnel

La formation m’a beaucoup apporté. Elle m’a notamment permis de m’équiper correctement, et à moindres frais, en achetant uniquement le matériel essentiel, mais de qualité professionnelle. Les aspects théoriques permettent de solidifier quelques bases incertaines, mais l’essentiel de la formation consiste en des exercices pratiques qui permettent de vraiment progresser.

Bruno de Chénerilles est un formateur expérimenté, très pédagogue, et c’est surtout un musicien qui a roulé sa bosse et pratiqué de nombreuses facettes du métier. C’est pourquoi il comprend bien mes besoins et je me sens en phase avec ses idées et son enseignement.

La distance liée à la formation en ligne est compensée par la disponibilité de Bruno qui répond très rapidement aux questions, et organise régulièrement des échanges en visioconférences.

David - chanteur, artiste touche à tout

Très accessible, dans un langage et une approche accessible à tous. J’ai été totalement satisfait par les différentes étapes proposées… Cela m'a redonné confiance et permis d'éclaircir ma vision du métier.
Bruno est une personne très passionnée qui a la capacité de transmettre son savoir de la meilleure façon qu'il soit, en restant naturel et à l'écoute, en s'adaptant à son interlocuteur/élève et toujours dans la bonne humeur…
Aujourd'hui, mon projet se réalise peu à peu, j'intègre une structure culturelle où on me laisse la responsabilité d'un nouveau studio professionnel, je vais aussi pouvoir proposer des prestations en tant qu'auto-entrepreneur dans mon propre studio semi-professionnel ainsi que des cours d'initiation à la M.A.O. dans différents lieux.

Elles et ils ont suivi les modules d'Acoustique Musicale, de Prise de Son et nos cours de Prise en main d'Audacity ou d'Ableton Live ... :

Pamela

Informations utiles, formateur compétent, explications claires

Marie-Joelle

Très bonne formation. Débutante totale sur le sujet, il m'a fallu moins de 2 heures pour suivre le cours et prendre le logiciel en mains. Présentation claire et exemples efficaces.

Thierry

je suis déjà musicien mais je n'arrivais pas utiliser correctement Ableton Live. Donc là, c'est parfait !

Aurélie

Ce cours est clair, simple, précis et très bien expliqué ! Merci 

Vincent

Excellent cours, très complet sur ce qu’est le son. Formateur pédagogue, à la voix posée. Lecontenu est clair. Je recommande à tous, celles et ceux qui désirent comprendre le son ou se remettre à niveau !

Patrick

Waouwww, les explications sont claires, Bruno parle distinctement et dans un bon rythme, je suis comblé, enfin je comprends ces notions de l’ acoustique. Un grand merci pour ce cours, je recommande.

Christel

Le cours est clair. Il est tout a fait adapté pour une néophyte comme moi. Bruno prend le temps de nous expliquer avec simplicité. Les exercices pratiques sont détaillés et aident à prendre en main le logiciel facilement.

Samy

J’ai trouvé le cours très bien organisé et structuré. L’information fournie est à la fois riche et complète sans noyer l’auditeur. J’ai beaucoup aimé la pédagogie de l’auteur qui prend soin d’illustrer chaque point avec des exemples concrets et des expériences sonores. J’ai beaucoup appris et le cours m’a ouvert des pistes pour améliorer la qualité de mes enregistrements dans mon home studio. Je le recommande à tous ceux qui veulent entamer un travail sur le son et bien comprendre les bases avant de commencer à lire des ouvrages plus complexes. Bravo à Bruno donc, et merci !!

Mario

Ce cours est très clair, progressif dans la chronologie, et intéressant à suivre.

Thierry

Bonne qualité du cours, j’ai appris plusieurs choses que je ne savais pas faire.

Yann

Pour quelqu’un qui débute comme moi, j’apprécie l’avancée pas à pas sur les fonctions de base. Le tuto est présenté pour Mac ou Windows, j’utilise Audacity sous Ubuntu mais toutes les explications correspondent quand même et m’ont permis de faire tous les exercices... Merci pour cette prise en main simple, ça donne envie de poursuivre vers plus de détails

Réponses aux questions fréquemment posées

Que se passe-t-il si je dois m'engager de manière imprévue dans un gros projet ?

La Formule par Abonnement vous permet de rester constamment disponible pour ces éventualités. Vous pouvez lever le pied dans la formation quand vous en avez besoin. Vous pouvez même stopper votre abonnement momentanément en accord avec votre formateur, pour le reprendre ensuite.

Et si la formation ne me convient pas ?

Dans la formule abonnement, vous pouvez arrêter quand vous le désirez. Il est conseillé d'en parler avec votre formateur avant d'abandonner, car les Master Classes Audio peuvent répondre à vos besoins spécifiques. Exprimez-les !

Est-ce que l'équipement représente un gros investissement financier ?

A priori, vous devriez déjà disposer d'un équipement home-studio. Pas d'équipement supplémentaire sauf si vous abordez quelque chose de vraiment nouveau.

Est-il possible de ne choisir que certaines Master Classes Audio ?

Ce n'est pas un parcours linéaire par étapes. Vous choisissez celles que vous voulez et dans l'ordre de vos priorités.

Quelles sont les conditions acoustiques à réunir pour pouvoir travailler chez moi ?

A priori, si votre home-studio est déjà installé, cela devrait suffire. Il  est possible de faire avec vous un diagnostic prenant en compte vos projets de productions futures, afin d'optimiser votre local, sans faire de dépenses inutiles.

Au bout de combien de temps puis-je espérer être opérationnel·le ?

Vous le serez tout de suite, car chaque Master Classe Audio est de fait opérationnelle, car elle débouche très concrètement sur un projet ou des résultats concrets. C'est en faisant qu'on y apprend.

Abonnement mensuel sans engagement : 47 €

• Vous bénéficiez de toutes les mises à jour et des nouvelles Master Classes Audio qui se rajouteront

• Si vous souhaitez vous engager pour un an, vous bénéficiez de 2 mois offerts : 470 € pour un an
  

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Quels formats pour vos fichiers media ?

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Comment s’y retrouver dans tous ces fichiers media que nous sommes bien obligés de manipuler tous les jours ? C’est la jungle ? Et que signifient tous ces suffixes ? Pas si compliqué que çà, vous allez voir. Audio, vidéo, image, pour chaque usage choisissez le format de fichier le plus standard, celui que tout le monde pourra lire.

En effet, les fichiers media servent en premier lieu à communiquer. Vous les envoyez à vos correspondants, à votre imprimerie, vous les mettez en ligne sur votre site, sur vos réseaux numériques, vos réseaux sociaux.

Ils doivent être de bonne qualité et à une définition appropriée au mode de diffusion que vous envisagez. Aussi, dans la plupart des cas, on sera amené à utiliser plusieurs formats pour une même image, un même son, une même vidéo.

Vous pouvez écouter cet article :

Comment reconnaître le format d’un fichier ?

La première indication est le suffixe du fichier qui commence toujours pas un point : .aif, .mp3 … Il va nous permettre de reconnaître la nature du fichier : son, vidéo ou image fixe.

Dans un deuxième temps, on pourra faire clic droit sur le fichier (windows) ou cmd+i (mac) pour avoir plus de précisions, quant à son poids (sa taille) et à son format (sa définition ou leurs dimensions pour les images)

Plus le fichier media sera de bonne qualité, plus il sera lourd. Sur internet, les fichiers très lourds ont du mal à être lus correctement. Voilà pourquoi on utilise en général des formats compressés qui sont plus légers et donc plus faciles à lire à distance.

On fera donc toujours un compromis entre qualité et portabilité, pour ainsi dire. Seules les conditions professionnelles de diffusion ne souffrent guère la compression : cinéma, télévision, pressage cd ou vinyle, diffusion en salle, l’imprimerie …

Les fichiers Audio

Les fichiers son sont utilisés – écoutés – par tout le monde, mais ce sont les musiciens, les producteurs, les podcasteurs qui les manipulent et les génèrent.

Mono ou stéréo ?

Une première distinction est à faire : un fichier mono ne comporte qu’une seule piste. Un fichier stéréo comprend 2 pistes (gauche et droite) qui sont en général entrelacées pour pouvoir être lues simultanément par tous les appareils ou logiciels.

Les fichiers mono ne sont utilisés qu’en studio : on enregistre une source avec un micro, cela génère un fichier mono. En diffusion, tous les fichiers son sont stéréo, c’est le standard absolu qui vous permet de les écouter partout, sur un téléphone, un ipad, un ordi, en ligne …

Un fichier stéréo pèse 2 fois plus lourd qu’un fichier mono de la même durée. De plus ce n’est pas la quantité ou le volume du son qui va changer le poids d’un fichier. Un fichier de silence pèse aussi lourd qu’un fichier de musique techno. On verra que ce n’est pas du tout la même chose pour les fichiers image.

.wav ou .aif ?

Les fichiers son professionnels sont en 2 formats possibles : .wav sous windows et .aif sur mac.

Il est un fait établi que les mac peuvent lire les 2 sans distinction, alors que sous windows on peut encore avoir des problèmes à lire des aif . Voilà pourquoi les fichiers wav sont très conseillés, puisqu’ils peuvent être lus partout.

16/44.1 ou 24/48 ?

Il est ensuite 2 dimensions très importantes pour la qualité d’un fichier son professionnel : la définition du message informatique en bits et le taux d’échantillonnage en KiloHertz.
Le CD audio a longtemps été un étalon en matière de fichier son numérique, son format est de 16 bits et 44.1 Khz. Mais c’est déjà un format un peu compressé, car ce format de fichier permet de stocker jusqu’à 80 minutes de son stéréo sur cette petite galette.

Une meilleure définition, celle qu’on utilise la plupart des cas en studio pro ou en home studio, c’est 24 bits et 48 Khz qui permet un meilleur rendu de l’image sonore. Mais il est plus lourd de 40% environ, car il comporte plus d’informations.

.mp3

Le mp3 est le format standard du son sur internet et sur les lecteurs numériques de poche (lecteurs mp3, smartphones). C’est un format de fichier très compressé qui permet de stocker et de lire très facilement de grandes quantités de musique.
Le format haute-qualité (HQ)en mp3 pèse environ 10 fois moins lourd que le wav 16/44.1 . Evidemment, c’est un format grand public, car la perte de qualité est sensible.

.flac

Ce nouveau format compressé est apparu qui est souvent utilisé sur les plateformes numériques de diffusion musicale. Il est de bien meilleure qualité que le mp3. On considère généralement qu’il n’y a pas de différence à l’écoute avec un wav.
Le fichier flac peut être en 16/44.1 ou bien en 24/48. Il est environ 2 fois moins lourd que le wav.

Tableau comparatif des formats et poids des fichiers son

Les fichiers Vidéo

Tous les fichiers vidéo utilisés actuellement en communication vidéo utilisent la norme mp4 et ont donc comme suffixe .mp4. Notons que sur mac on rencontrera souvent des fichiers avec .mov comme suffixe, mais ce sont toujours des mp4, d’ailleurs vous pouvez modifier ce suffixe et le changer en .mp4, sans autre manip.

Les dimensions des images vidéo et cinéma sont variables, des plus rectangulaires au plus carrées.

16/9

Le média le plus répandu sur internet est bien entendu la vidéo. Il y a des vidéos partout : sur Youtube, Vimeo, sur tous les sites web, les blogs, les vlogs. Mais la vidéo numérique est aussi utilisée maintenant de manière universelle en télévision et au cinéma.

Le format d’image qui s’est imposé est le format 16/9ème ou format rectangulaire ou encore appelé format allongé.

En même temps que lui, s’est imposé également sur internet, mais aussi sur les caméras vidéo, les smartphones, les tablettes un format de fichier vidéo qui est le mp4. C’est le format universel au 21ème siècle qui a détrôné tous les autres.

On le trouve principalement en 3 définitions HD :

• 1280/720 HD qui a tendance à ne plus trop être utilisé, sauf peut-être en formation à distance, où on a souvent affaire à des vidéos de cours qui ne demandent pas forcément une qualité optimale.
• 1920/1080 HD qui est actuellement le standard sur les plateformes vidéo internet et les sites web, comme sur les téléviseurs.
• 3840/2160 HD encore appelé 4K qui est en ce moment le format professionnel dit de ultra haute définition utilisé en télévision, au cinéma et sur les caméras ou appareils photo de dernière génération.

Alors, que signifie ces dimensions : ce ne sont pas des cm, mais des pixels : le premier chiffre désigne le nombre de pixels dans la largeur et le deuxième le nombre de pixels dans la hauteur de l’image.

Le pixel est l’unité de surface dans toutes les images numériques. L’image la plus petite qui soit serait une image 1/1 : un carré de 1 pixel de côté de couleur unie. C’est la version image de l’échantillonnage numérique que nous avons déjà vu dans les fichiers son.

On comprendra bien que si on veut projeter une vidéo numérique sur grand écran, ce qui équivaut à l’agrandir, il nous faut le plus grand nombre de pixels dans le fichier. Voilà pourquoi on est aussi en train de passer au cinéma en 8K, ce qui double la définition du 4K.

Par conséquent le choix d’un format d’image vidéo dépend de son support de diffusion et de la performance de la plateforme ou de l’appareil qui la diffusera. Par exemple, les vidéos Youtube sont regardées très majoritairement sur des tout petits écrans de smartphone et jamais sur des grands écrans. Il serait donc très inadapté de vouloir les diffuser en 4K ou en 8K.

Par ailleurs le poids d’une image dépend énormément aussi de sa complexité. Un aplat de couleur pèse beaucoup moins qu’une image de paysage par exemple. Une image fixe également.

Pourquoi ? Et bien la raison en est que la vidéo numérique reconnaît les pixels semblables et permet de les représenter de manière virtuelle, pourrait-on dire… Plus il y a de changement et de diversité dans une image numérique, plus elle sera lourde.

Carré

Le format d’image carré est très récent. Il a été introduit par Instagram et contamine maintenant aussi Facebook et même Linkedin. C’est donc un format de fichier spécifique à internet et on le trouve dans plusieurs dimensions qui conviennent toutes très bien sur les réseaux sociaux : 600/600, 720/720, 1000/1000, 1080/1080

Mais il s’agit toujours d’un fichier mp4 : seules ses dimensions changent. Ce qui est intéressant, c’est que l’image va occuper plus de surface dans le fil des publications : elle attirera donc plus le regard.

Vertical 9/16

Autre avatar des réseaux sociaux : le format vertical. Il provient du fait que toutes les personnes qui possèdent des smartphones le tiennent vertical pour faire des selfies ou des vidéos. Ce qui m’a toujours paru très étrange en terme de vidéo, mais ça se justifie intuitivement : quasiment toutes ces images sont des portraits de personne (sa propre personne, en fait).

On pourrait appeler çà le format narcissique, non ? C’est en tout cas le format favori des stories sur Instagram et des vidéos sur TikTok. Et comme ce sont les mêmes personnes qui regardent les vidéos sur ces réseaux sociaux, exclusivement sur leurs smartphones, ils les regardent évidemment en vertical.

On voit que ce format inversé 9/16 correspond pile à l’écran du téléphone. il occupera donc toute la surface disponible. Et comme sur tous les réseaux sociaux et les sites web, le format de fichier le plus utilisé est le format HD 1920/1080 ou en vertical 1080/1920.

Le débit

Il faut rapidement aussi parler du débit de la vidéo, c’est à dire du nombre d’images par seconde. On utilise actuellement 2 débits : 25 images/seconde et 30 images /seconde. L’unité est souvent abrégée : fps pour frames per second.

Là encore, le 30 images /seconde s’impose maintenant un peu partout. L’image est un peu plus fluide et donc le mouvement est mieux retranscrit.

60 images /seconde est utilisé aussi pour les sports où le mouvement est le plus souvent très rapide. Evidemment, ça alourdit considérablement les fichiers et les appareils doivent être capables de les enregistrer et de les lire.

Les fichiers d’images fixes

Internet

Photos, illustrations, les images fixes sont aussi omniprésentes sur les sites, les blogs internet. Là aussi, la compression est de mise, car les grandes images peuvent ralentir considérablement le temps de chargement des pages internet et impacter très sérieusement le référencement des pages par les moteurs de recherche.

.png ou .jpg ?

Le standard très conseillé sur internet est le fichier .jpg qui permet une bonne compression.

Le seul avantage du .png semble être la possibilité d’avoir un fond transparent et donc de présenter des images détourées sur un fond de page coloré. C’est un avantage en terme de design. Toutefois, le fichier .png est moins bien récompensé par les moteurs de recherche.

La taille des fichiers images

60% des images sur internet sont vues sur des smartphones et non pas sur ordinateur. Les sites internet doivent donc s’adapter souplement à ces écrans de taille extrêmement différentes. Ce qu’on appelle responsive, c’est justement la faculté d’une page internet de s’adapter aux formats des mobiles.

C’est une contrainte depuis quelques années qui se rajoute au fait que le trafic internet ne cesse d’exploser. Donc les pages internet doivent être les plus légères possibles à charger.

Voilà pourquoi on doit prêter attention à la fois au poids des fichiers image (compression) , mais aussi à la taille de chaque image. Une image qui va être placée par exemple dans une colonne qui fait 250 pixels de large, ne doit pas excéder cette taille.

Autrement dit, la taille des images doivent être appropriées à la taille du conteneur qui la reçoit. Donc toutes les images qui peuvent être grandes et bien définies doivent être compressées en taille et en définition pour diminuer le temps de chargement de la page internet.

On estime qu’une bonne page internet doit avoir un temps de chargement moyen qui n’excède pas quelques secondes, un grand maximum de 5 secondes. Sinon on diminue grandement le pourcentage de visiteurs qui va voir la page, car les internautes zappent très vite.

Donc il est évident qu’une photo prise sur un smartphone ou un appareil photo ne peut pas être publiée sur internet, sans être drastiquement compressée. Une telle image à son état brut peut peser facilement plusieurs Mo et il faudra sur un site internet la réduire en un fichier de quelques centaines de Ko, voire à quelques dizaines de Ko.

Pour cela, on va réduire la taille au strict nécessaire, mais aussi la définition sera réduite de 300 ou 600 dpi à 72 dpi (dots per inch, en français points par inch). C’est un peu l’équivalent de ce qu’on a vu précédemment avec les pixels en vidéo.

Imprimerie

Pour l’impression papier, affiches, flyers ou édition papier, les standards de fichier ne sont pas du tout les mêmes.

En général, en photo ce sont les fichiers .tif qui sont préférés pour des raisons de colorimétrie et à la meilleure définition possible. Là il n’est plus question de compression, ni de réduire la taille des images. Bien au contraire !

Ensuite une maquette graphique comprenant des photos, du texte, des titres, des illustrations sera la plupart fournie à l’imprimerie sous un format .pdf non compressé

Pour conclure

Bien évidemment, il existe beaucoup plus de formats de fichiers audio, vidéo ou image. Mais nous venons de voir les plus utilisés, les standards actuels sur le net et en production pro. Il est fortement déconseillé de publier des fichiers dans des formats plus exotiques ou plus anciens ou encore réservés aux professionnels.

Comment convertir un fichier média ? La plupart du temps, vous n’aurez pas besoin d’application spécifique : l’appli avec laquelle vous l’avez fabriqué ou dans laquelle vous l’avez ouvert sur votre ordinateur vous permettra le plus souvent de l’exporter à un de ces formats de base.

Ne prenez pas le risque que vos fichiers soient illisibles pour la plupart des usagers. N’oubliez jamais que vos fichiers media n’ont pas la plupart du temps comme objectif N°1 d’être les meilleurs possibles, mais au contraire de communiquer des images et des sons à un public, sur des réseaux ou dans des modes de diffusion différents.

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Home studio – Tout sur le direct monitoring

Tout ce qu’il faut savoir sur le direct monitoring , qui est une notion souvent mal comprise en home-studio et qui peut vous poser de gros problèmes en prise de son sur votre logiciel de MAO si vous ne savez pas le gérer correctement.

Vous connaissez sans doute le problème, car il est récurrent et il ressemble à çà :

• Lorsque vous voulez vous enregistrer, vous vous entendez dans votre casque avec un petit décalage très perturbant qui vous empêche de chanter ou de jouer sereinement, comme un écho très court…
• Dans la notice de votre logiciel, de votre interface, vous ne trouvez pas d’explications claires pour résoudre facilement ce grave problème.

Et pourtant c’est très simple de supprimer cette latence à l’enregistrement !

Direct monitoring : A quoi ca sert ?

Sur votre station de travail audio, lorsque vous enregistrez une piste d’instrument ou de voix avec un micro ou une ligne analogique, le son entre dans votre interface audio.

Vous avez besoin d’écouter au casque ce que vous êtes en train de jouer. Si vous écoutez la sortie master de votre logiciel, il est certain que vous allez entendre votre son avec un décalage de temps non-négligeable.

Cela est dû au temps que va mettre votre processeur pour enregistrer numériquement le son à l’entrée, par exemple 5,9 ms . C’est ce qu’on appelle la latence d’entrée.
A cette latence, s’en rajoute une deuxième, la latence de sortie. C’est le temps qu’il va mettre pour retransformer votre signal numérique en son analogique pour que vous puissiez l’écouter sur vos haut-parleurs ou votre casque. Par exemple 4,6 ms

Si vous additionnez ces 2 retards, vous avez un décalage qui peut être conséquent entre le son que vous jouez et le son que vous entendez dans votre casque, c’est ce qu’on appelle la latence globale ou totale . Ici 10,5 ms.

Vous le percevrez comme un petit écho, ce petit temps de quelques milli-secondes, mais ca perturbe votre écoute, le son n’est pas propre et sur des mises en place rythmiques, ca peut vous troubler énormément.

Et bien, le direct monitoring est un réglage qui va vous permettre de supprimer radicalement ce petit décalage insupportable.

Comment régler le direct monitoring en 3 étapes ?

1. Couper le son sur la piste

La première chose à faire dans votre logiciel est de couper le monitoring sur la piste que vous voulez enregistrer. Vous ne voulez pas entendre du tout le son qui ressort de cette piste.

2. Activer le direct monitoring

Puis vous allez vous rendre dans le petit logiciel de contrôle qui s’est installé en même temps que les drivers de votre interface-audio.
Et vous allez activer le direct monitoring pour la ou les pistes que vous êtes en train d’enregistrer en ouvrant le volume de la piste entrante.

Sur les Focusrite de la série Saffire, dans le Saffire MixControl il suffit de lever le volume de la piste en question,

Chez Motu, le tableau de contrôle Cue mix-DSP permet comme sur la Saffire de monter le volume de votre piste et de l’envoyer directement vers la sortie 1-2 Scarlett Control 2^nd ou 3^rd Generation : on nous dit ici que le direct monitoring est configuré par défaut. Si vous avez un problème, allez vérifier dans la section Hardware inputs dans ce tableau de bord, le routing des inputs de vos pistes ou bien les créer, s’il le faut.

Scarlett 2i2 : certaines interfaces peuvent avoir un petit bouton en face avant qui va vous éviter tout çà : il vous permet d’activer tout simplement le direct monitoring.

Chez M-Audio, c’est aussi la solution choisie avec par exemple sur la Fast Track Pro un bouton Mix en face avant qui permet un très astucieux mélange de niveaux entre les pistes entrantes (direct monitoring) et les pistes déjà enregistrées (playback).

3. Coupez vos haut-parleurs

Et maintenant vous coupez vos haut-parleurs en mettant à zéro le volume de sortie sur votre interface, mais pas le volume du casque.

NB : sur les interfaces Motu, très souvent on ne trouve pas de bouton de volume de sortie, il faudra le faire dans le logiciel, ce qui est plus compliqué.

Et voilà votre direct monitoring est réglé ! Désormais vous n’entendez plus que dans votre casque. Et ce que vous entendez c’est votre instrument, sans décalage aucun, car il ressort directement à la sortie casque sans passer par votre logiciel.

Mais vous y entendez aussi les pistes déjà enregistrées si votre casque est bien réglé sur la même sortie master 1-2 que la sortie principale. Et le tout sans décalage gênant.

Pour aller plus loin

Si vous voulez gagner beaucoup de temps, résoudre tous vos problèmes techniques, progresser dans votre home-studio et atteindre rapidement le son pro, la meilleure solution c’est de vous faire accompagner, de vous faire coacher par un professionnel aguerri dans un cursus de formation d’excellence :

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Coronavirus – 7 protections en enregistrement audio ou vidéo

L’épidémie du coronavirus n’impacte pas que les bars, les restaurants, les évènements publics. Tous les lieux et les activités qui impliquent la prise de son audio ou en vidéo sont concernés et tout particulièrement la prise de son des voix parlées ou chantées.

Si vous la pratiquez dans votre activité, vous devez absolument prendre les mesures de protection nécessaires.

Vous pouvez écouter cet article sur le podcast Plan Sonore :

Pourquoi êtes-vous concerné·e ?

A partir du moment où vous utilisez dans votre activité un ou plusieurs micros, vous êtes dans la plupart des cas concerné·e par le coronavirus et de très près. Pourquoi ?

La voix parlée est un des vecteurs principaux de contagion du coronavirus. Comme on vous l’a répété déjà des centaines de fois, les gouttelettes propagées en face de la bouche par le simple fait de parler sont la principale cause de propagation du coronavirus.

Et ce risque est grandement augmenté dans les lieux clos et non-ventilés.

Par conséquent lorsqu’on parle en face d’un micro, le risque est très grand. Toutes les personnes qui enregistrent de la voix parlée en audio ou en vidéo pour leur activité sont donc concernées de très près.

Formateurs, enseignants, web-entrepreneurs, podcasteurs, youtubeurs, studios de radio, vidéo, tv, tournages, techniciens, intervenants, conférenciers …

Et que dire de la voix chantée ?

Et bien là, le risque est encore plus grand ! En effet, la voix chantée émet encore plus d’air, propulsé avec beaucoup plus de puissance que la voix parlée. Beaucoup plus de gouttelettes et donc beaucoup plus de risques d’infection au coronavirus.

Et bien sûr, il n’est guère concevable de chanter avec un masque, que ce soit pour le son de la voix, comme pour la respiration qui est tout à fait comparable à la respiration sportive.

Voilà pourquoi toutes les activités impliquant de la voix chantée sont très problématiques : enregistrement en studio, mais aussi pratique du chant choral, cours de chant …

Donc, musiciens, chanteurs, chanteuses, professeurs de chant, chefs de choeur, soyez très prudents !

Dans ce cas, il n’y a pas forcément de micro, mais dans les écoles de musique et les conservatoires, les cours de chant se passent et se succèdent dans des salles fermées, souvent très petites, pas assez aérées. Donc, on risque d’y projeter du coronavirus en très grande quantité.

Les instruments à vent sont aussi concernés de très près par les risques de propagation du coronavirus. Les saxophonistes, clarinettistes, trompettistes … le savent bien : ils vident et sèchent constamment leur instrument de toute la salive qu’ils y ont projeté et dont une grande partie est rejetée dans l’air autour d’eux lorsqu’ils jouent.

Imaginez une section de cuivres qui répète dans une salle fermée ou enregistre dans un studio pendant des heures…

Pour vous permettre d’évaluer correctement vos risques, de les réduire, de vous protéger et de protéger les autres dans ces situations, nous allons voir dans le détail toutes les mesures techniques de protection à mettre en œuvre pour réduire les risques de contagion et de propagation du coronavirus.

1. Comment protéger votre micro du coronavirus ?

Le nettoyage d’un micro n’est pas chose facile. Il faut à tout prix éviter de mouiller la capsule à l’intérieur du micro. Donc on ne peut pas asperger de produit désinfectant, ni même de l’eau, sur la grille.

Le corps du micro peut être essuyé gentiment avec un chiffon imprégné de produit pas trop agressif : par exemple un peu de sanytol (assez naturel) ou dans beaucoup de cas alcool isopropylique à 70° (voir le manuel du fabricant) et très léger sur la grille.

Mais dans tous les cas, il vaut mieux systématiquement chausser le micro d’une bonnette en mousse qui va arrêter les projections. La bonnette est lavable à l’eau tiède et au savon. Bien rincer, bien essorer et bien sécher (sur un radiateur ou avec un sèche-cheveux).

Si vous utilisez un micro de studio à large membrane, vous savez qu’il vous faut utiliser en plus un écran anti-pop, nous verrons après de quel type.

2. Comment vous protéger ?

Si vous êtes le seul ou la seule à utiliser votre micro, inutile de paniquer. Le micro ne vous transmettra pas le coronavirus … ni la bonnette d’ailleurs.

Si vous êtes invité·e à parler dans un micro qui ne vous appartient pas, exigez à l’avance une bonnette en mousse désinfectée. Attention certaines personnes, même dans les radios ou TV professionnelles, négligent ces mesures anti coronavirus.

3. Comment protéger vos invités ?

Cela coule de source, vous devez protéger du coronavirus vos invités quand vous en avez. Privatisez micro et bonnette lavée et désinfectée, si c’est possible.

Si vous passez le même micro à plusieurs personnes, il faut vraiment éviter aussi que les lèvres ne touchent la bonnette, donc respectez la distance de 20cm minimum.
Attention, cette distance minimum est trop souvent mal calculée : 20cm c’est en gros la distance entre le bout de votre index et de votre pouce lorsque vous les écartez au maximum.

Si vous évoluez dans un studio de radio avec des invités qui se succèdent, il est obligatoire d’essuyer les micros avec une lingette imbibée (voir plus haut) et de donner à chaque invité une nouvelle bonnette en mousse (propre, lavée). Il faut aussi dans ce cas, désinfecter la table du studio entre chaque invité.

4. Quelles bonnettes utiliser ?

Nous y voilà ! N’utilisez pas les bonnettes à poil : elles sont difficiles à désinfecter et fragiles.

Utilisez des bonnettes en mousse. Elles se lavent facilement au robinet avec de l’eau tiède et du savon (ou du produit vaisselle). Bien rincer, bien essorer et bien sécher (sur un radiateur ou avec un sèche-cheveux).

Je dis des bonnettes, car vous serez probablement obligé·e d’en acheter plusieurs. Elles sont très bon marché et peuvent s’acheter par lots. On en trouve partout sur le net depuis l’apparition du coronavirus.

Et n’oublions pas non plus de protéger les micros cravate, ils sont eux aussi placés en ligne de mire pour les projections de coronavirus. Vous pouvez facilement trouver sur le net des bonnettes en mousse pour vos micros cravate.

5. Quels anti-pop utiliser ?

Là aussi, si vous êtes bien équipé·e avec un micro à large membrane, il vous faut un écran anti-pop rigide et non pas les plus courants dont la matière filtrante est souple : plus difficiles à laver.

Par exemple, ceux-ci : vous pouvez les acheter chez Thomann : 29 à 70 €

Notons au passage, pour les enregistrements musique ou studio, qu’il faut aussi désinfecter les pupitres, les pieds de micros, les claviers d’instrument, les amplis, bref tout ce que les musiciens et les techniciens tripotent constamment…

6. Quels produits et méthode de nettoyage utiliser ?

Nettoyer tout ce qui a été touché après chaque séance. Si vous partagez un studio, faites-le avant et après. Ne faites pas confiance à vos collègues, certains sont certainement négligents ou paresseux, voire encore complotistes… il y en a pas mal un peu partout !

Evitez les produits de nettoyage agressifs. Ce n’est pas une pub, mais je recommande Sanytol sols et surfaces qui ne contient pas de javel et a une bonne action anti-virus. Si vous avez un doute, nettoyez un petit bout de votre surface pour voir si le produit n’altère pas votre matériel.

Enfin, évitez les lingettes jetables, c’est un vrai fléau pour la planète.

7. Respectez les consignes générales contre le coronavirus

Toutes les règles générales de distanciation de la pandémie du Coronavirus sont évidemment à respecter. A commencer par la toute première : se laver les mains au savon ou au gel hydroalcoolique avant et après.

Les techniciens et toutes les personnes qui ne parlent pas ou ne chantent pas doivent se protéger avec un masque.

Enfin, aérez au maximum la pièce entre ou même pendant les séances. Et ce n’est pas forcément facile, ni même possible dans la plupart des studios.

Les recommandations particulières aux microphones ont été établies à partir de celles des fabricants de micro Schoeps, Sennheiser, de la RTBF et de l’Alliance des Radios Communautaires du Canada. Elles ont été émises à l’occasion de la crise du coronavirus.

Plus d’info :

Si vous désirez vous informer plus précisément sur la prise de son que ce soit de la voix parlée, chantée ou des instruments de musique, vous pouvez en savoir plus sur ces deux pages de notre blog :

Comment enregistrer la voix parlée

Comment enregistrer les instruments et la voix chantée

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3 méthodes pour produire votre musique aujourd’hui

Le studio de production musicale est né au début du XXème siècle avec la possibilité d'enregistrer des musiciens en train de jouer. Des tous débuts de l'enregistrement monophonique en gravure directe au multi-pistes digital sur ordinateur, chaque nouvelle technologie a fait évoluer les stratégies de production musicale en leur apportant toujours plus de moyens et de choix possibles au service de la création musicale, ce qui bien sûr influe directement sur la manière de produire votre musique aujourd'hui dans votre home studio.

Pour simplifier et donner des repères méthodologiques, on peut distinguer 3 grandes méthodes de production musicale :

Classique linéaire
Créative rhizomatique expérimentale
Combinée pour votre production musicale

La méthode classique

Dans les studios multi-pistes analogiques des années 70, s’est forgée une méthode de travail qui tient à la fois des moyens techniques disponibles et de la commercialisation de la musique sur le disque vinyle.
Les deux supports d’enregistrement analogiques et physiques sont assez coûteux et contraignants  : la bande magnétique au studio et le disque vinyle dans les magasins.

Le modèle de production musicale forgé à cette époque par l’industrie du disque comprend typiquement 5 étapes :

Composition :
Un compositeur et un auteur, souvent c’est une seule personne, un auteur/compositeur (en anglais songwriter) écrit une mélodie et des paroles, souvent harmonisée dans une grille d’accords, avec des couplets et un refrain. C’est le moment du piano-voix ou du guitare-voix qui est lui rarement enregistré à cette époque.

Arrangement :
Ici intervient un arrangeur, souvent c’est le producteur lui-même, celui qui dirige le label de disques. Il recrute les musiciens, les rassemble en studio et leur indique les parties à jouer. C’est un peu le même processus pour les petites et les grosses productions. Parfois aussi c’est un groupe, un orchestre constitué.

Prise de son :
L’ingénieur du son enregistre en multi-pistes les musiciens, le plus souvent ensemble dans la même session de studio. Entre ce qui a été composé, écrit au départ et ce qui ressort des séances d’enregistrement, il peut y avoir une grosse différence.

Car c’est là que la créativité musicale s’exprime le plus, lorsque les musiciens jouent ces arrangements en studio. N’oublions pas qu’à cette époque on enregistre sur la bande magnétique où les différentes pistes physiques sont gravées. Le support coûte assez cher, on ne peut pas facilement le découper. Le montage et les reprises sont compliqués.

Voilà pourquoi les très bons instrumentistes sont très recherchés dans ce contexte, ainsi que les producteurs talentueux qui doivent vraiment maitriser leur sujet et travailler très vite.

Mixage :
Bien souvent dans les grands studios, avant d’aller plus avant, on a besoin d’une décision commerciale. Car le centre de décision, la direction du label n’est pas dans le studio. Elle est dans les bureaux de la compagnie de disques et attend de pouvoir donner son feu vert, de se décider commercialement à poursuivre la production, puis la fabrication du disque.

Voilà pourquoi en studio, on va faire une mise à plat, un mixage très rapide et sommaire qui va simplement permettre de faire écouter un brouillon, une maquette aux décisionnaires qui vont engager les fonds nécessaires pour publier.

Dans le meilleur des cas, cette mise à plat étant validée avec des suggestions nouvelles, on va pouvoir retourner au studio apporter les retouches dans les arrangements, rejouer certaines parties, en rajouter de nouvelles et faire un mixage définitif qui va prendre beaucoup plus de temps.

Mastering
Cette dernière étape était très souvent confiée à un studio spécialisé, à un ingénieur de mastering renommé. A partir de la bande stéréo mixée, celui-ci va affiner les couleurs, les niveaux, l’équilibre général du mixage et préparer techniquement le document sonore dans les normes de la gravure.

L’objectif est là de finaliser le son du mixage et en même temps d’anticiper le son du disque pressé. Il n’est pas rare qu’on presse des tests en vinyle pour vérifier le rendu du mastering.

Toutes ces précautions, ces étapes successives, cette ligne de production sont rendues nécessaires par les coûts, les techniques physiques, analogiques, très lourdes et en même temps relativement imprécises, très difficiles à maitriser.

On est donc obligé d’avancer de la manière la plus rigoureuse, en vérifiant à chaque étape avant de poursuivre. On a quasiment pas le droit à l’erreur technique, musicale et commerciale.

On est bien loin de la souplesse du home studio (qui est encore très loin d’exister) pour produire votre musique.

La méthode créative rhizomatique

Faisons maintenant un grand bond en avant en nous posant à notre époque, les années, comment peut-on dire : les années 2010 ?

En un peu plus de 30 ans, la technologie n’a pas cessé de changer : de l’analogique au digital, avec en fond l’évolution formidable des moyens informatiques. Réservés tout d’abord aux gros projets industriels, les ordinateurs ont envahi notre vie quotidienne en même temps que leur puissance augmentait de manière exponentielle.

Songez que votre smartphone dispose d’un processeur digital des dizaines de milliers de fois plus puissant que le Block II qui pesait 30 kilos et a permis il y a 50 ans à l’Homme de marcher sur la Lune.

Ca change quoi pour produire votre production musicale ?

 

La musique est-elle meilleure ?
Non, certainement pas. Les disques enregistrés dans les années 70 font toujours référence et les grands chefs d’oeuvre de cette époque n’ont pas pris une ride, quel que soit le style de musique. Et ils sont tous réédités sur les nouveaux supports dématérialisés.

Produire votre musique est-il plus facile ?
– Oui et non. Certes les moyens audio sont à la disposition de tout le monde. On peut faire une maquette sur son smartphone, quasiment de la même qualité qu’une mise à plat dans les années 70.

Vous, musicien·ne vous pouvez enregistrer et produire votre musique chez vous sur votre ordinateur à très peu de frais.
La production musicale s’est donc considérablement démocratisée.

En revanche, l’outil N°1 de la production musicale et de la musique tout court lui n’a pas changé : c’est toujours l’oreille. L’oreille des musiciens, des ingénieurs, des producteurs et aussi à l’arrivée des auditeurs.

Et là où 10 à 30 paires d’oreilles entraient en jeu dans la chaine de production musicale, comme nous l’avons vu, aujourd’hui une seule paire d’oreilles, la vôtre, va gérer le processus pour produire votre musique.

Oui, tout a changé : en positif comme en négatif…

La méthode rhizomatique est celle des jeunes musiciens-producteurs :
Rhizome : une structure évoluant en permanence, dans toutes les directions horizontales, et dénuée de niveaux. Elle vise notamment à s’opposer à la hiérarchie en pyramide (ou « arborescence ») et à la trajectoire linéaire. C’est aussi le cercle contre la ligne.

De plus en plus de musiciens composent au fur et à mesure leur musique dans leur home-studio en expérimentant directement avec les outils de production, en s’enregistrant, en traitant le son, en arrangeant, en mixant très tôt leur production, en masterisant eux-même, puis en retournant à la compo … Tout çà dans un désordre apparent, mais qui a le mérite de permettre de tout expérimenter, de chercher, de se tromper et finalement de trouver en libérant sa créativité.

C’est aussi la méthode expérimentale scientifique : on cherche sans savoir ce qu’on va trouver et c’est comme çà finalement qu’on avance le plus.
Vous la connaissez bien cette méthode, n’est ce pas ? C’est peut-être même celle-là que vous pratiquez en partie pour produire votre musique.

Les allers et retours incessants entre jouer, enregistrer, écouter, rejouer … etc, c’est aussi la méthode de composition en studio de musique électroacoustique dès les années 40. Mais c’est tellement plus facile techniquement aujourd’hui, chez vous, pour produire votre musique.

La méthode combinée pour produire votre musique

Maitriser votre outil technique
On pourrait croire que la grande liberté apportée par le home studio peut se passer d’une bonne connaissance des outils techniques. Mais il n’en est rien, bien au contraire …

Pour pouvoir être à l’aise et libérer votre créativité dans votre production musicale, il est essentiel de bien maitriser les outils. Sinon, votre élan créatif pour produire votre musique va être continuellement stoppé par votre méconnaissance technique. Et c’est bien sûr un handicap énorme, car on a besoin de fluidité dans le processus de création.
Tout ce qui vous bloque techniquement stoppe le flux de votre création et vous fait perdre le fil pour produire votre musique.

Se donner des règles
Je vais peut-être vous choquer …
Mais quand on a autant de possibilités offertes par le logiciel et ses plugins, qu’on peut à tout moment retourner aux prises son pour ajouter des pistes, des phrases, des sons … Vous avez sans doute intérêt aussi à vous poser des règles, des limites pour éviter de vous égarer.

Tout ce que vous aurez préparé, décidé, délimité à l’avance, composé, arrangé avant de tout jeter dans le chaudron de votre production musicale, tous ces éléments, ces principes, ces règles seront autant de garde-fous pour cadrer, avancer et ne pas vous perdre en chemin dans votre réalisation.

Inventer vos propres procédés de création
Si vous savez inventer votre propre manière de faire à partir d’une très bonne connaissance technique et de la maitrise des outils, cela va décupler le potentiel disponible pour produire votre musique.

Pour faire la différence ?

C’est là qu’on revient à l’essentiel : les qualités musicales, l’oreille, l’écoute sont là l’arme absolue pour réussir. Et plus que jamais !

L’intention musicale, le projet musical doit être fort. Les idées, l’inspiration seront bien propulsées par des techniques de création, de composition les plus ouvertes possibles. Et c’est ce qui est passionnant et grisant pour vous le musicien-compositeur-producteur, c’est d’avoir les moyens, les outils, les techniques pour aboutir vous-même votre réalisation musicale et produire votre musique de A à Z.

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