Si vous êtes professeur de musique ou musicien-intervenant, utilisez les nouvelles technologies pour animer vos classes et vos ateliers
La musique est un art complexe et riche, fondé sur des valeurs essentielles qui la rendent unique et universelle. À travers ces valeurs fondatrices de la musique, les musiciens peuvent développer leur art et toucher les âmes. Voici les sept valeurs fondatrices de la musique : l’oreille, l’instrument, le travail, l’invention, la polyvalence, l’expérimentation, et l’expérience.
L’oreille est l’outil primordial de tout musicien. Avant même de toucher un instrument, l’écoute active permet de comprendre les nuances, les harmonies, et les rythmes. C’est en affinant son oreille que le musicien peut réellement interpréter et créer de la musique. L’écoute est aussi la première étape vers la création musicale, car elle permet de se nourrir de diverses influences.
Pour développer une oreille musicale, il est essentiel de pratiquer régulièrement des exercices d’écoute. L’entraînement auditif, comme le solfège, aide à identifier les intervalles, les accords, les progressions harmoniques et les sons eux-même.
De plus, écouter une variété de genres musicaux enrichit la palette auditive. Par exemple, le fait d’écouter du jazz, du classique, du rock, et des musiques du monde peut sensibiliser l’oreille à des structures et des sonorités diverses et variées.
Les musiciens professionnels comme Jacob Collier sont connus pour leur oreille exceptionnelle. Ils peuvent identifier et reproduire des accords complexes à l’oreille. Des applications comme « EarMaster » ou « Tenuto » peuvent aider les musiciens à améliorer leur reconnaissance auditive.
On peut noter aussi que nous ne sommes pas tous égaux à la naissance concernant les capacités auditives. Il n’y a pas 2 oreilles semblables et, sans vouloir décourager quiconque, ce sont les meilleures oreilles qui ont plus d’appétence musicale et de chances de réussite dans ce domaine.
L’instrument est l’extension physique du musicien. Choisir le bon instrument est crucial, car il doit correspondre à la sensibilité et au style de l’artiste.
Par exemple, un musicien attiré par les mélodies douces et les harmoniques subtiles pourrait choisir la guitare acoustique, tandis qu’un autre attiré par les sons puissants et percussifs pourrait opter pour la batterie.
Maîtriser son instrument nécessite des années de pratique, mais c’est aussi une source immense de satisfaction. La maîtrise technique permet de s’exprimer librement et de communiquer des émotions profondes à travers la musique.
Un bon musicien entretient et respecte son instrument. Cette relation presque symbiotique permet de créer une connexion profonde et d’extraire le meilleur son possible. Par exemple, un violoniste passera du temps à ajuster la tension des cordes et à nettoyer l’instrument après chaque utilisation. Cet entretien régulier prolonge la vie de l’instrument et maintient sa qualité sonore.
La pratique régulière et assidue est indispensable pour tout musicien. C’est par le travail que l’on améliore sa technique, sa précision et sa capacité d’interprétation. La discipline du travail forge le caractère et la résilience du musicien. C’est indéniablement une des 7 valeurs fondatrices de la musique.
Il est crucial de structurer ses sessions de pratique. Alterner entre technique, théorie, et jeu libre permet de progresser de manière équilibrée. Par exemple, un pianiste peut commencer par des gammes et des exercices techniques, puis travailler sur des pièces classiques, et enfin improviser ou jouer des morceaux qu’il aime. Les répétitions méthodiques et l’utilisation de métronomes ou de backing tracks peuvent grandement améliorer la qualité de la pratique.
Ludwig van Beethoven est un exemple classique de la valeur du travail. Malgré sa surdité progressive, il a continué à composer certaines de ses œuvres les plus célèbres grâce à une discipline de travail incroyable. Des musiciens contemporains comme John Mayer ou Yo-Yo Ma ont également parlé de leur régime de pratique rigoureux qui les a aidés à atteindre un haut niveau de maîtrise.
L’invention est au cœur de la musique. Composer, improviser, et réarranger des morceaux existants stimule la créativité. C’est par l’invention que le musicien trouve sa voix unique et se distingue. L’invention musicale peut prendre plusieurs formes, de l’écriture de nouvelles compositions à la création de nouveaux arrangements pour des morceaux existants.
En passant aussi par l’improvisation radicale, qu’on appelle souvent composition instantanée. Elle est considérée par ses pratiquants comme le summum de l’invention, l’art total de l’instant en quelque sorte.
Pour encourager l’invention, il est utile de sortir de sa zone de confort. Explorer de nouveaux genres, collaborer avec d’autres musiciens, et expérimenter avec différents instruments ou technologies peut ouvrir de nouvelles perspectives créatives.
Par exemple, un guitariste classique peut très bien expérimenter avec une pédale d’effets pour créer des sons inédits.
Des artistes comme David Bowie et Björk sont célèbres pour leur capacité à réinventer leur musique et à explorer de nouveaux territoires sonores. Ils ne se contentent pas de suivre les tendances, mais créent de nouvelles voies grâce à leur créativité sans bornes.
Être polyvalent permet au musicien de s’adapter à divers contextes et styles musicaux. La polyvalence enrichit le bagage musical et offre plus d’opportunités professionnelles.
Par exemple, un musicien capable de jouer du jazz, du rock, et de la musique classique sera plus demandé pour des collaborations et des concerts variés.
Pour devenir polyvalent, il est important de diversifier ses compétences. Apprendre plusieurs instruments, s’initier à différents genres, et développer des compétences techniques en production musicale sont autant de moyens d’y parvenir.
Un bassiste pourrait par exemple apprendre à jouer de la guitare et des claviers, et s’intéresser à la composition et à l’arrangement.
Les multi-instrumentistes sont des musiciens à la puissance ++, tant ils deviennent capables d’appréhender la musique de manière transversale et universelle.
Prince est un exemple emblématique de polyvalence musicale. Il jouait de nombreux (presque tous) instruments, composait, produisait, et performait avec une aisance incroyable. Sa capacité à traverser les genres et à maîtriser divers aspects de la musique a fait de lui une légende. Il cultivait indéniablement les 7 valeurs fondatrices de la musique.
L’expérimentation est essentielle pour repousser les limites de la musique. C’est par l’audace et l’innovation que des styles musicaux nouveaux émergent et que la musique évolue. Par exemple, les Beatles ont révolutionné la musique pop en incorporant des techniques d’enregistrement novatrices et des influences diverses dans leurs albums.
Utiliser des effets sonores, des techniques de jeu non conventionnelles, ou les technologies modernes de l’informatique musicale peut transformer radicalement la musique. L’expérimentation doit être encouragée à tous les niveaux de la pratique musicale.
Par exemple, un guitariste peut utiliser un EBow pour produire des sons soutenus et éthérés, ou un chanteur peut expérimenter avec l’autotune pour créer des effets vocaux inédits. Mais ce ne sont là que la partie visible de l’iceberg, car l’expérimentation sonore n’a pas de limites.
Des artistes comme Radiohead et Aphex Twin sont connus pour leurs approches expérimentales de la musique. Radiohead a intégré des éléments électroniques et des structures de chansons non conventionnelles dans leur musique, tandis qu’Aphex Twin a exploré des textures sonores et des rythmes complexes dans la musique électronique. Sans compter les grands innovateurs dans le jazz, la musique électroacoustique…
Pour élargir le tableau, la liberté et l’originalité devraient être également parmi les valeurs fondatrices de la musique cultivées en permanence par tous les musiciens, ce qui est loin d’être le cas.
L’expérience est la somme de toutes les pratiques, performances, et interactions musicales d’un musicien. Chaque expérience enrichit et affine sa compréhension de la musique.
Par exemple, jouer dans des environnements variés comme des petites salles, des festivals en plein air, ou des sessions d’enregistrement en studio permet d’acquérir des compétences précieuses et une compréhension plus profonde de la musique.
Les musiciens expérimentés ont la responsabilité de partager leurs connaissances. Enseigner, collaborer avec des artistes moins expérimentés, et participer à des projets communautaires permet de transmettre cet héritage musical des 7 valeurs fondatrices de la musique.
Par exemple, des artistes comme Herbie Hancock et Quincy Jones sont non seulement des musiciens accomplis mais aussi des mentors pour les jeunes générations de musiciens.
Miles Davis, tout au long de sa carrière, a joué avec des musiciens de différentes générations, transmettant son savoir et s’inspirant des nouvelles idées. Cette interaction entre générations a permis l’évolution constante de son style musical.
Ces 7 valeurs fondatrices de la musique – l’oreille, l’instrument, le travail, l’invention, la polyvalence, l’expérimentation, et l’expérience – forment la base sur laquelle tout musicien peut construire son art. En les cultivant, on ne fait pas seulement progresser son propre parcours musical, mais on contribue également à l’évolution de la musique dans son ensemble. Que vous soyez débutant ou professionnel, ces valeurs sont des guides intemporels pour développer votre passion et votre carrière dans la musique.
En conclusion, la musique est bien plus qu’un simple agencement de sons. C’est une discipline qui exige une oreille fine et élargie, une relation intime avec son instrument, une éthique de travail rigoureuse, une créativité incessante, une polyvalence adaptative, une soif d’expérimentation et une richesse d’expériences.
En cultivant ces 7 valeurs fondatrices de la musique, chaque musicien peut non seulement améliorer ses compétences techniques mais aussi enrichir son expression artistique et contribuer à l’évolution perpétuelle de cet art universel.
Vous êtes musicien, musicienne, compositeur, compositrice, professionnel(le) ou amateur ? Maitriser votre Production Musicale en ... Lire la suite
Dans le vaste univers de la musique, il existe une multitude de carrières possibles, chacune offrant des opportunités uniques pour exprimer sa créativité et partager sa passion avec le monde. Que vous soyez un musicien en herbe ou un professionnel cherchant à explorer de nouveaux horizons, voici une présentation détaillée des sept options principales dans les métiers de la musique.
Les 7 options des métiers de la musique qui suivent sont chacune un métier différent en soi. Mais dans la réalité, nombreux sont ceux et celles dans le domaine musical qui exercent plusieurs métiers à la fois. Ainsi, Ils multiplient leurs chances de trouver un emploi, de décrocher des contrats.
En effet, il faut bien le dire : les métiers de la musique offrent certes beaucoup de possibilités, mais la mono-activité est très difficile à tenir professionnellement. Un excellent couteau suisse, aux compétences multiples a beaucoup plus de chances potentielles d’y survivre.
Être instrumentiste, c’est maîtriser un ou plusieurs instruments et se produire en solo ou au sein d’un ensemble (orchestre, groupe, duo, etc.). Ce métier peut s’exercer dans divers contextes : concerts, enregistrements en studio, événements privés, accompagnement d’artistes, etc.
Les instrumentistes doivent constamment travailler leur technique et leur interprétation pour rester au sommet de leur art. De plus, ils doivent souvent être polyvalents et s’adapter à différents styles musicaux.
Soulignons aussi qu’un chanteur ou une chanteuse est un instrumentiste : son instrument, c’est sa voix.
Les formations : étude d’un instrument ou du chant en école de musique, en conservatoire. Mais n’oublions pas que bon nombre d’instrumentistes et même de virtuoses sont des autodidactes, notamment dans les musiques populaires traditionnelles, la pop music, le jazz.
– Concerts live
– Sessions d’enregistrement
– Collaborations avec d’autres artistes
– Enseignement privé ou en école de musique
Son rôle est essentiel pour transmettre la passion et les compétences musicales aux nouvelles générations.
Les professeurs de musique peuvent enseigner dans des écoles de musique, des conservatoires, des établissements scolaires ou donner des cours particuliers d’instrument.
Ils doivent avoir une solide connaissance de la théorie musicale, être capables de jouer de plusieurs instruments, et posséder des compétences pédagogiques pour s’adapter aux besoins de chaque élève.
Les filières de formation sont plurielles : école de musique, conservatoire, mais aussi licence de musicologie pour les profs de musique de l’éducation nationale.
– Enseignement dans des écoles de musique ou des conservatoires
– Cours particuliers à domicile ou en ligne
– Animation d’ateliers et de stages musicaux
– Préparation des élèves aux concours et examens de musique
Le compositeur crée des œuvres musicales originales pour diverses finalités : films, séries télévisées, publicités, jeux vidéo, spectacles vivants, etc. La composition nécessite une maîtrise approfondie de la théorie musicale, de la créativité, et souvent des compétences en arrangement et orchestration.
Les compositeurs peuvent travailler en freelance ou être employés par des sociétés de production.
La plupart des compositeurs ont une formation supérieure en conservatoire, mais il n’est pas rare de rencontrer aussi des compositeurs autodidactes.
– Composition de musiques de film et de séries
– Création de bandes sonores pour jeux vidéo
– Musique pour publicités et spots promotionnels
– Œuvres originales pour concerts et enregistrements
C’est un professionnel qui utilise la musique comme outil éducatif, thérapeutique ou social. Il intervient dans divers contextes comme les écoles, les hôpitaux, les centres sociaux, et les maisons de retraite.
Le but est d’éveiller à la musique, de rendre accessible à tous la pratique musicale, mais aussi d’améliorer le bien-être des individus par le biais de la musique.
Ce métier requiert des compétences élevées en pédagogie et en animation, une bonne compréhension des besoins des publics spécifiques, et une grande sensibilité.
Le DUMI est le diplôme professionnel requis pour intervenir auprès de tous ces publics. Il se prépare en 2 ans dans les 10 CFMI (Centre de Formation des Musiciens Intervenants) en France.
Il est nécessaire au départ de pratiquer au moins un instrument, de chanter juste et de connaître le solfège. Il est fréquent d’intégrer cette formation après 2 années ou une licence de musicologie. Les musiciens intervenants sont en général des couteaux suisses de la musique, à l’aise dans toutes sortes de contexte social.
– Ateliers musicaux en milieu scolaire
– Musicothérapie dans les hôpitaux et cliniques
– Programmes de réinsertion sociale par la musique
– Activités musicales dans les maisons de retraite, les prisons, les quartiers difficiles
Le sound designer est responsable de la création et de la manipulation des effets sonores pour les productions audiovisuelles et multimédias.
Il travaille sur la post-production des films, des jeux vidéo, des applications, des installations interactives et aussi sur l’habillage des spectacles vivants (théâtre, danse …), des scénographies d’expositions, dans les musées et sur certains grands évènements publics..
Le sound designer doit être à l’aise avec les logiciels de création sonore, avoir une bonne oreille et être capable d’innover pour créer des ambiances sonores uniques. Il doit également connaître les caractéristiques techniques des différents dispositifs de diffusion sonore.
– Création de paysages sonores pour le cinéma et la télévision
– Sound design pour les jeux vidéo et les applications mobiles
– Effets sonores pour les installations artistiques et les expositions
– Post-production audio pour la publicité et le marketing
C’est un rôle clé dans la création musicale. Il supervise le processus de production d’un morceau, de l’écriture à l’enregistrement en passant par le mixage et le mastering.
Il travaille étroitement avec les artistes pour réaliser leur vision musicale. Les compétences requises incluent une connaissance approfondie des techniques d’enregistrement, des logiciels de production musicale, de la théorie de la musique et une capacité à diriger et inspirer les musiciens.
Il n’y a pas de formation spécifique pour ce métier, mais il requiert des compétences variées : instruments, composition, techniques de studio. Ce métier est presque toujours exercé par des musiciens.
– Production d’albums et de singles pour des artistes
– Arrangements musicaux pour différents genres
– Gestion de projets musicaux en studio
– Collaboration avec des labels et des maisons de disques
C’est le professionnel en charge de la capture, du mixage et du mastering de l’audio. Il travaille en studio d’enregistrement, en live lors de concerts, ou dans la post-production audiovisuelle.
Ce métier exige une expertise technique pointue, une oreille attentive et la capacité de travailler en étroite collaboration avec les artistes et les producteurs pour obtenir le meilleur son possible.
Le titre professionnel d’ingénieur du son est accordé aux professionnels ayant une formation dans une école supérieure de son (niveaux licence, master). A un niveau en dessous, les techniciens son, les sonorisateurs peuvent avoir une formation plus sommaire (niveau BTS) ou même souvent être autodidactes.
– Enregistrement et mixage en studio
– Prise de son sur les tournages cinéma, télévision, vidéo-clips ou field recording
– Sonorisation de concerts et d’événements live
– Post-production audio pour le cinéma et la télévision
– Mastering de projets musicaux pour une diffusion professionnelle sur les réseaux ou sur supports physiques (CD, Vinyle)
Ces 7 métiers de la musique représentent une partie des nombreuses opportunités offertes par le monde de la musique. Chacun d’eux nécessite des compétences spécifiques et une passion indéfectible pour cet art de la musique et du son.
Que vous soyez déjà engagé dans l’une de ces carrières ou que vous envisagiez une reconversion, il est crucial de continuer à développer vos compétences et de rester ouvert aux nouvelles tendances et technologies qui façonnent l’industrie musicale.
Si vous décidez de faire carrière dans la musique, je vous conseille fortement de ne pas vous restreindre à une seule spécialité, mais d’avoir plusieurs cordes à votre arc. La musique est un monde très concurrentiel.
Aussi, un instrumentiste doit être capable de composer, d’arranger, de faire du sound design, de mixer, de masteriser… Et tous ces acteurs de la musique doivent dorénavant maitriser la production musicale en home studio. La polyvalence est synonyme d’emploi.
Enfin, bien que les femmes soient encore sous-représentées dans ces métiers de la musique, souvent d’ailleurs dans les postes techniques, elles sont de plus en plus nombreuses et elles tirent très bien leur épingle du jeu.
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On dit la guitare, mais on devrait toujours dire les guitares, tant cette famille d’instruments est nombreuse. Nous allons nous intéresser ici aux guitares électriques et vous ne savez peut-être pas qu’il en existe plusieurs sortes. Au delà bien sûr des modèles et des marques qui déjà sont légion et que beaucoup connaissent et chérissent.
Oui bien sûr vous le savez : il y a des acoustiques et des électriques. Mais, au fond c’est à la base le même instrument. Accordé le plus souvent en Mi : les 6 cordes à vide sont mi la ré sol si mi. Cà, vous le savez toutes et tous.
guitare électrique Fender Telecaster
Et il y a aussi la guitare basse, le plus souvent électrique et accordée comme la guitare, mais à l’octave en dessous. Elle a le plus souvent 4 cordes, accordées en mi la ré sol, comme la contrebasse. Ces cordes sont beaucoup plus grosses afin de pouvoir sortir correctement les fréquences graves.
Vous connaissez ça, bien sûr. C’est ce qu’on trouve classiquement dans tous les groupes de rock, punk, pop. En général, 1 basse et 2 guitares, on rajoute une batterie et voilà le prototype, l’ossature d’un combo classique de rock. Les Beatles, les Rolling Stones et presque tous les groupes anglais des sixties étaient structurés sur ce modèle.
guitare basse Fender Jazzbass
Mais ce n’est pas tout…
Alors oui : guitare et basse basse, mais encore ?
Vous connaissez la baritone ? Non ? Elle se situe entre les deux !
Elle est accordée plus bas : en si ou même en la. Oui en dessous ! Elle a un manche plus long, 6 cordes plus grosses et donc des basses plus riches.
Cà donne : la ré sol si mi la ou bien si mi la ré sol si. A l’origine, elle a été créée avant l’invention de la basse électrique. Sur scène, en country, rock, la contrebasse acoustique ne sortait pas facilement. Alors on a eu l’idée de créer cette baritone pour doubler la contrebasse.
guitare électrique baritone Danelectro
On l’a aussi utilisé parfois pour remplacer carrément une basse, mais elle peut aussi sortir des sons très riches, comme on en entend dans les westerns spaghetti. On appelle ça aussi le twang : des riffs mélodiques avec beaucoup de réverbération. Cà vient pas mal aussi de la country music.
Danelectro est le fabricant emblématique aux USA pour les baritone, mais je crois bien que c’est Fender qui a inventé le concept. Les Danelectro sont des guitares très bon marché, on en trouve aussi depuis peu sur le marché européen..
Mais c’est aux USA qu’on en trouve beaucoup plus : Gretsch, Fender, Harley Benton, mais aussi des modèles plus coûteux.
On y est ? Au grand complet ? Pas encore…
Encore moins connue, la soprano. Elle est plus petite, avec des cordes plus fines et accordées plus haut que la guitare. La plupart du temps en la ou même en si, mais au dessus. Ca donnera : si mi la ré sol si ou bien la ré sol si mi la.
Attention, ce n’est pas un ukulele qui lui n’a que 4 cordes.
On la présente parfois comme un instrument pour enfants et on trouve la plupart du temps des modèles avec une lutherie approximative, très cheap, qui souvent ne tiennent pas l’accord. Difficile à jouer sur scène.
Une Epiphone LesPaul Pee Wee,
une guitare soprano imitation- réduction de la Gibson LesPaul.
Sortie dans les années 90, elle était présentée par le fabricant comme une guitare de chambre d’hôtel pour les musiciens en tournée et vendue avec ce petit ampli à piles qui tenait dans sa housse.
A peu près jouable, mais j’ai quand même dû faire améliorer la mienne par un luthier.
Pas mal imaginé, mais ça n’a pas vraiment marché commercialement. Epiphone s’est planté avec ce modèle qui pourtant était assez bon marché. Mais après tout, est-ce qu’un guitariste qui passe sa vie en tournée va acheter un instrument bon marché, même pour sa chambre d’hôtel ?
Résultat, on en trouve quasiment plus sur le marché du neuf.
Il est regrettable que les guitaristes ne s’intéressent pas plus à ces guitares très typées que sont les soprano et les baritone. C’est la raison principale de l’abandon progressif de ces instruments par les fabricants et les luthiers. Malgré tout, on voit un regain d’intérêt sur le marché pour les baritone.
Et pourtant, on a là une famille d’instruments comparable à celle des 4 saxophones : soprano, alto, ténor et baryton, tous très employés dans cette musique sophistiquée qu’est le jazz.
Mais les guitares électriques évoluent surtout dans l’univers très standardisé du rock et de la pop. Et c’est dommage, car ce sont des instruments formidables et aux tonalités extrêmement variées. Et la famille est pourtant très riche : soprano, ténor (c’est la guitare courante), baritone et basse.
Pour ma part, bien que n’étant pas un guitariste virtuose, j’apprécie mes 3 guitares électriques : une belle Telecaster Elite (ténor), une baritone Danelectro et une soprano Pee Wee. Et j’en tire des sonorités, des modes de jeu très diversifiés et inventifs.
Rock The Casbah, ce sont des colonies de vacances et des stages artistiques autour de la musique, du cinéma, du théâtre, de la danse, des arts graphiques, de la photo, de la fiction sonore et bien d’autres ! Ces séjours, ces colos artistiques offrent les conditions idéales pour une véritable immersion dans le monde de la création et de l’expression artistique collectives, le tout dans une joyeuse ambiance !
Depuis 12 ans, les colos artistiques de Rock The Casbah proposent des expériences uniques avec une immersion totale dans le monde de la création artistique dans une joyeuse ambiance collective et fraternelle. La musique et le cinéma étaient leurs premières propositions, puis le théâtre et la danse se sont ajoutés au fil du temps.
Cette année, de nouvelles expressions artistiques sont proposées avec 3 nouveaux séjours (Photo, Hippothéa et Fiction Sonore) et 2 semaines supplémentaires au mois d’août.
Le taux d’encadrement est d’un animateur spécialisé pour 5 à 7 participants pour les colos artistiques. Ce fort taux d’encadrement (plus du double du taux requis par la réglementation) est un choix et il permet de proposer aux participants les meilleures conditions possibles pour leur colonie de vacances artistique.
Des activités complémentaires (cinéma, musique, ciné-club, grands jeux, sorties, etc.) sont aussi proposées et du matériel professionnel est toujours à disposition des participants et des animateurs.
Les équipes pédagogiques des séjours sont composées d’intervenants professionnels, d’artistes et d’animateurs diplômés ayant de solides pratiques dans leurs domaines respectifs. Musiciens, professeurs de musique, réalisateurs, monteurs, preneurs de son, comédiens, metteurs en scène, danseurs, photographes …
Le projet éducatif des colos artistiques de Rock The Casbah s’inscrit dans les valeurs de l’éducation populaire. Les projets pédagogiques de chaque colo artistique sont adaptés aux différents publics accueillis. Ils privilégient la coopération à la compétition : l’apport de chacun, dans sa singularité, permet de construire un objet culturel collectif de qualité.
Les séjours de colos artistiques de Rock The Casbah ont lieu à Ineopole Formation, MFR d’Occitanie à Brens (81). Il s’agit d’une Maison Familiale Rurale étendue sur 6 hectares, dans un cadre naturel et arboré, qui jouxte Gaillac dans le Tarn (à 50 km de Toulouse)
Le château et les salles d’activités sont confortables et fonctionnels. Les jeunes y sont logés, dans des chambres de 2 à 6 lits sur 2 étages. Dans le centre, diverses salles de restauration, un terrain de sport et un barbecue. 8 salles d’activité et un amphithéâtre de 182 places pour le ciné-club et les restitutions de fin des séjours (concert, projection, etc.).
Un tout nouveau séjour centré sur la fiction sonore a particulièrement attiré notre attention.
Ce séjour fiction sonore propose de se concentrer sur le son et rien que le son ! Raconter des histoires, réaliser une fiction ou un documentaire, créer une émission de radio, réaliser des bruitages originaux… tout est possible dans ce séjour accompagné par une réalisatrice sonore, Guisane Humeau.
5 heures d’ateliers par jour, de la cueillette de sons dans la nature, en ville ou sur les lieux du séjour, au travail de ces sons dans des logiciels dédiés. Cette matière servira à créer des œuvres collectives diverses, un véritable « cinéma pour les oreilles » !
L’objectif pédagogique se créera autour des envies des participant.es, le produit final sera le fruit de leur imagination et créativité ! Le séjour se termine par une diffusion des réalisations des jeunes le vendredi soir devant leur famille et leurs amis en live (réalisation de bruitages + jeu d’acteur.ice etc. sur scène) ou monté et mixé au préalable.
Cette colo artistique se déroulera du dimanche 4 au vendredi 9 août 2024 pour les 12-17 ans. Il se déroulera en parallèle de 3 autres séjours artistiques (photo, cinéma et musique).
Après ses études où elle s’intéresse à l’une des premières communautés virtuelles de l’internet « The WELL », elle entre en 2013 au CREADOC à Angoulême où elle découvre le documentaire sonore et sa puissance immersive. Guisane Humeau est aujourd’hui diplômée de son Master «écriture et réalisation de documentaires de création».
Le montage sonore, l’écriture et l’improvisation de textes sont ses modes d’expression privilégiés, dans une démarche attentive à la mémoire, au temps et au corps. Elle fait aujourd’hui partie des collectifs de création « Les moyens habiles », « Les menstruelles » et « La disquette ».
En 2015 elle reçoit le prix « Petites Ondes » du festival Longueur d’Ondes de Brest pour le documentaire sonore Plus je vieillis, plus ça me revient !
Des colos artistiques pour ados, mais aussi pour enfants et adultes. Voilà une idée géniale ! Elle est unique en son genre : des colos, ca existe, mais des colos artistiques centrées sur les pratiques artistiques et la création dans tous ses états, c’est unique !
Et si en plus, les activités sont menées par des professionnels des différentes disciplines artistiques proposées, alors là c’est un gage d’excellence.
De plus, ces colos artistiques sont inclusives : les tarifs sont modulés en fonction des revenus des familles. Et Rock The Casbah est agréé : les familles défavorisées peuvent obtenir des aides publiques pour les séjours de leurs enfants.
Toutes les infos sur toutes les colos artistiques, les dates, les programmes, les tarifs, les inscriptions sur le site web de Rock The Casbah.
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En 2023/24, Audiorama intervient dans les écoles du Neuhof et de la Meinau à Strasbourg. Durant toute l’année scolaire, 3 musiciens·nes intervenants, Rajani Turletsky, Hélène Rigollet et Boris Desmares, mènent des projets musicaux avec des classes maternelles et élémentaires des Ecoles de la Meinau, Lezay-Marnésia, Guynemer 1 et 2, Ziegelwasser et Canonniers, en partenariat avec les enseignants·tes.
Pour vous initier aux instruments traditionnels du gamelan javanais : gongs, métallophones, tels qu’ils sont pratiqués collectivement dans la tradition indonésienne.
Une expérience musicale exceptionnelle en immersion dans les résonances magiques du bronze,
orchestrée par Sylvie Chantriaux.
Pour adultes et enfants
Enfants accompagnés : âge minimum 7 ans - Enfants seuls : âge minimum 10 ans
Musicienne et flûtiste de formation classique, titulaire du Diplôme de Musicien Intervenant, Sylvie Chantriaux a rencontré le gamelan javanais il y a 26 ans. Après ses premiers apprentissages en Europe, elle approfondit sa connaissance du répertoire savant et populaire au cours de ses longs séjours en Indonésie, où elle suit le cursus de l’Institut des Arts Indonésiens de Solo, tout en pratiquant le gamelan au sein d’orchestres traditionnels variés, lors de concerts, fêtes, mariages ou représentations théâtrales.
De retour après 7 années de résidence à Java, Sylvie Chantriaux développe aujourd’hui des projets éducatifs et artistiques autour de la pratique de son gamelan javanais Kyai Kumandang, au CFMI de Sélestat où elle enseigne, à Strasbourg avec Audiorama depuis 2012 et en résidences ponctuelles en France.
Les jeudis de 19h15 à 21h15 - les samedis de 15h à 17h (en alternance : une semaine le jeudi, la suivante le samedi, etc...)
du 29 septembre 2022 au 30 juin 2023
soit 30 séances, 60h en tout
Plein Tarif : 240 € + cotisation 8 €
Tarif réduit * : 150 € + cotisation 8 €
Tarif solidaire * : 0 € + cotisation 8 €
Les gestes barrière sont respectés en fonction des règlements en vigueur.
infos : Sylvie Chantriaux 06 48 86 85 07
2 jeudis ou 2 samedis par mois
Jeudi 19h15 à 21h15 ou Samedi 15h à 17h
du 29 septembre 2022 au 30 juin 2023
soit 15 séances, 30h en tout
Plein Tarif : 150 € + cotisation 8 €
Tarif réduit * : 95 € + cotisation 8 €
Tarif solidaire * : 0 € + cotisation 8 €
Pour que vous puissiez découvrir :
Dimanche 26 février 2023 - 15h à 17h
Tarif unique de 17 € / par séance et par personne - carte cadeau sur demande
Inscription possible par le Pass Culture pour les 15 à 18 ans
Tarif réduit
Enfant, étudiant, demandeur d'emploi ou habitant Meinau / Neuhof ou quotient familial compris entre 500 et 900
Tarif solidaire
Quotient familial inférieur à 500
NB : Dans tous les cas, un justificatif de votre situation nous est nécessaire pour valider votre réduction de tarif.
Merci d'avance de nous l'envoyer par email à contact@audiorama.org
NB : renseignez toutes les cases dans le formulaire en suivant les instructions,
sinon vous ne pourrez pas le valider
Pour l’année scolaire 2023/24, l’association Audiorama propose des ateliers de pratique artistique en collèges et lycées. Coconstruits avec les enseignants, pour leurs classes de la 6ème à la Terminale, ces projets sont éligibles au Pass Culture Pro et proposés aux établissements situés dans un rayon de 100km autour de Strasbourg.
Depuis plus de 10 ans, Audiorama expérimente sur plusieurs quartiers à Strasbourg une démarche d’ateliers de pratique artistiques, création, réalisation vidéo, podcast et pratique musicale. Destinés aux débutants comme aux expérimentés, ces ateliers font la part belle aux nouvelles technologies : applis sur ipads, ludiques, légères et attirantes.
Le plaisir de manipuler les sons et les images avec les outils numériques du quotidien renforce l’engagement des enfants et des jeunes dans les démarches créatives et la pratique artistique. Illeur démontre qu’ils peuvent se les approprier pour autre chose que leurs réseaux sociaux habituels.
N’oublions pas non plus qu’à côté du virtuel, les pratiques artistiques des cultures traditionnelles existent toujours et qu’elles peuvent élargir notre champ de perception. Voilà pourquoi un orchestre de gongs indonésiens est aussi là pour ouvrir à l’expérience collective, aux sonorités très zen de l’autre bout du monde.
Le nouveau dispositif inauguré par le Pass Culture Pro permet à Audiorama de faire des offres d’activités créatives aux enseignants avec leurs classes de la 6ème à la Terminale via la plateforme Adage. A partir de ces offres, il est très facile de co-construire avec les enseignants des interventions de pratique artistique qui s’adaptent à leurs projets de classes, quelles que soient les disciplines.
L’offre d’Audiorama s’articule autour de 4 dominantes qui peuvent être prises seules ou combinées.
Autour de plusieurs applis musicales, à la fois très ludiques et à forte valeur pédagogique, les élèves peuvent s’exprimer en composant, en arrangeant et en improvisant. Ils abordent ou se réapproprient ainsi les éléments de base de la musique en jouant avec les sons. La classe entière est occupée individuellement ou en tout petits groupes et se rassemble autour de l’écoute des musiques mises en chantier.
Ecrire pour la voix parlée, entraîner son élocution, scénariser des épisodes de podcast, faire des interviews, les monter et les mixer, travailler en équipe. Cet atelier peut s’inscrire dans un projet de classe sur toutes les thématiques et dans toutes les disciplines. Une pratique des nouveaux médias et un excellent entraînement aux épreuves des oraux du brevet et du bac.
Scénario, tournage, montage : de la feuille de papier à la projection, l’approche technique peut se faire en combinant les ipads et l’ordinateur. Là encore il s’agit d’écrire, mais aussi de mettre les mains dans le cambouis. Ces ateliers vidéo peuvent s’adapter très facilement à tous les projets de classe, dans toutes les thématiques. Autoportraits, interviews, présentations pédagogiques, fictions, humour …
Cette offre unique en son genre est une découverte de la culture indonésienne et de la pratique du gamelan javanais. Cet orchestre de gongs et de métallophones porte des valeurs collectives très fortes, notamment le respect des instruments et la coordination avec ses partenaires.
Musique, géographie, histoire, philosophie, arts plastiques, autant de disciplines qui peuvent être fortement intéressées par cette découverte exceptionnelle du gamelan.
Tous les enseignants des collèges et lycées ont accès aux offres d’Audiorama sur le portail Adage. Pour les consulter, il faut chercher Audiorama. Chacune des 4 offres de pratique artistique propose une vision globale de l’activité, des conditions requises et des possibilités d’adaptation à un projet pédagogique.
Tout l’équipement est fourni par Audiorama, mais bien entendu le matériel numérique de l’établissement est utilisable : ipads, ordinateurs, micros, enregistreurs…
Les 3 premiers ateliers ont lieu dans les établissements scolaires, à condition qu’ils soient situés dans un rayon de moins de 100km autour de Strasbourg. Seul, l’atelier de découverte du gamelan javanais se déroule lui dans une école de Strasbourg et suppose donc un déplacement du groupe pour y participer.
A partir de la fiche de chaque atelier sur la plateforme Adage, les enseignants peuvent contacter Audiorama afin de poser toutes leurs questions et co-construire avec les intervenants un projet d’intervention adapté à leur enseignement.
Le financement de ces interventions de pratique artistique est assuré par le dispositif du Pass Culture Pro (Drac et Education Nationale) qui dote chaque établissement d’un budget en fonction de ses effectifs.
Pour plus d’informations, contactez : Bruno de Chénerilles – contact@audiorama.org
Les frères Carillo ont inventé un dispositif numérique qui permet de jouer de la musique en se touchant les mains : la Frog Touch. Génial pour les profs de musique et les musiciens-intervenants !
Des pattes de grenouille et une mare aux grenouilles, ca pourrait faire sourire… Encore un truc pour les gosses … Oui, mais c’est du sérieux : ca fonctionne super bien, ca ne bug pas, c’est bourré d’intelligence artificielle et c’est Made in France. Ce qui ne gâte rien.
Ca vous arrive dans une toute petite boite qu’on peut mettre facilement dans son sac. Les profs et les intervenants apprécieront. Ca peut fonctionner avec un ordinateur ou un ipad. On l’installe en 5 minutes, ca aussi c’est précieux. Des petits pads très souples pour y poser les mains ou les pieds. On connecte en usb à l’appli. Et il n’y a plus qu’à se toucher les doigts ou le nez et les sons fusent. C’est aussi simple que çà, la Frog Touch.
Mais pour faire fonctionner tout çà, les frères Carillo ont cherché des matériaux évolués, de la connectique de précision, soudé des cartes électroniques et ajouté une bonne dose d’intelligence artificielle qui permet à l’appli de gérer les sons.
Et justement, les sons : c’est çà qui nous intéresse peut-être le plus… Des banques de sons sont à disposition : accords de guitare, de piano électrique, sons de la nature, percussions, etc… et vous pouvez aussi enregistrer vos propres sons pour vous lancer dans une création musicale.
Un test en vraie grandeur s’imposait. J’ai fait 4 ateliers avec des élèves de CM1/CM2 non-musiciens. Ils ont été captivé par ce type de jeu musical qui produit instantanément des sons musicaux gratifiants. C’est très ludique, mais il ya de quoi apprendre également. Leur travail a été de se coordonner pour jouer ensemble et en place rythmiquement. Rester concentrés et jouer collectif.
Vous comprenez tout de suite l’énorme intérêt pédagogique. Et on peut aller beaucoup plus loin. On peut tout à fait en faire une partie d’un orchestre avec des instruments, des voix. D’ailleurs, vous pourrez aussi créer un accompagnement pour un chant assez facilement et 4 à 8 élèves pourront le jouer avec la Frog Touch.
Personnellement, j’envisage déjà des créations électroacoustiques avec des sons originaux, des ipads et bien sûr : la Frog Touch, toujours avec mes élèves dans les écoles élémentaires, mais aussi pourquoi pas au Collège, avec des classes CHAM ou en école de musique. Ce dispositif est très intéressant à utiliser en éveil musical, mais aussi en Formation Musicale (rythme, tempo, mise en place, grilles d’accords …).
L’entreprise des frères Carillo connait déjà un grand succès, notamment au Québec où on sait que l’enseignement musical est très développé dès l’école élémentaire. De nouvelles banques de sons, des nouvelles créations, des mises à jour sont prévues.
Ils cherchent également des collaborations avec des enseignants et des chercheurs dans des projets de terrain. Le dispositif devrait aussi faire merveille pour aider dans les thérapies des troubles dys et autres handicaps, notamment mentaux et moteurs.
Plus d’info sur le site web de la Frog Touch : https://lafrogtouch.com/
Une appli révolutionnaire pour l'enseignement musical. Comment gérer les élèves, leurs exercices, échanger avec eux, tracer leur parcours... ? Nyumba fait tout çà sur smartphones : le vôtre et ceux de vos élèves.
Vous pouvez aussi écouter cet article en audio :
Un professeur de musique peut passer un temps fou à utiliser plein d’outils différents pour renforcer et moderniser son enseignement. La vidéo, l’audio bien sûr.
Mais la communication avec ses élèves, leur famille, le suivi du parcours de chacun d’entre eux est le plus souvent un véritable casse-tête. Et c’est sans compter que le travail individuel et l’engagement de l’élève est d’une importance vitale pour sa progression.
L’enseignant peut avoir à gérer des classes de formation musicale, par exemple et des cours particuliers d’instrument.
Mais alors comment font-ils ?
La plupart ont sans doute un grand cahier ou un grand classeur avec plein de feuilles dedans pour suivre leurs élèves et leurs travaux. Ils photocopient les exercices, les partitions … Du papier, toujours du papier … A l’ancienne.
Et leurs élèves égarent volontiers ces feuilles de papier qui ne les amusent pas du tout. Le prof lui aussi ne s’amuse pas à gérer, classer tout çà.
Certes, j’en vois qui s’organisent un peu en trimballant leur ordinateur portable en cours…
J’en entends déjà quelques uns me dire : – Ah, ce serait le rêve !
Et bien çà existe. Moi-même je n’en croyais pas mes yeux au fur et à mesure que je m’intéressais de plus près à cette appli.
Au début, on se dit : – Ca ne va pas faire tout le job, il y aura des tas de gadgets complètement à côté de la plaque. C’est ce qu’on voit le plus souvent sur les applis pédagogiques, surtout musicales d’ailleurs.
Avec Nyumba, rien de tout çà. L’appli est pertinente de bout en bout. Alors j’ai voulu savoir et j’assiste à un webinaire de présentation en ligne. Grosse surprise : les intervenants qui présentent ne sont pas le développeur et le responsable du marketing. Ce sont deux professeurs de musique. Visionnez le replay : https://youtu.be/y1ygzUt0P8Y
Et voilà l’explication : Nyumba a été conçue par des professeurs de musique pour des professeurs de musique.
Et en plus, ce n’est pas du tout du bricolage. C’est ergonomique au possible, le design est lumineux, moderne et simplissime.
J’avais une réticence : comment gérer plusieurs dizaines d’élèves et toutes ces fonctionnalités sur un smartphone ? Bon, sur une tablette ça va déjà un peu mieux, mais pourquoi l’enseignant n’aurait-il pas un tableau de bord sur son ordi ? Et j’apprends qu’ils sont déjà en train de développer cette fonctionnalité. Chapeau bas !
Et leurs élèves adorent. C’est la cerise sur le gâteau : ils ont eux aussi l’appli sur leurs smartphones. Nyumba, c’est un carnet d’élève unique, digital, ludique et interactif qui leur apporte :
A l’heure où nous écrivons cet article, la fonction Agenda est encore en développement. Elle deviendra très vite un véritable calendrier complet pour tous vos cours réguliers individuels, collectifs et ponctuels.
C’est une fonctionnalité très importante qui devrait vous permettre de gérer intégralement votre activité d’enseignement dans Nyumba et de vous passer d’un calendrier externe.
Les professeurs de musique peuvent tester Nyumba gratuitement. Cette version n’offre pas toutes les fonctionnalités, mais permet de se familiariser. Et de se décider : est-ce que ça me convient ? Est-ce que je fais le choix de construire ma communauté d’élèves avec Nyumba ?
Puis, ils peuvent utiliser l’appli complète avec l’abonnement Premium : 4,49 € par mois, ce qui est un prix hyper abordable au vu des services que rend l’appli.
Pour les élèves, l’appli sera gratuite.
Pour une école de musique ou un conservatoire qui désirerait généraliser l’usage de Nyumba pour tous les profs et les élèves, il existe un abonnement premium pour tout l’établissement. Le prix est à négocier en fonction de la taille de l’école avec Nyumba qui offre en plus un suivi personnalisé et des formations gratuites pour les utilisateurs.
Vraiment, je n’ai encore jamais vu d’appli dont les développeurs sont aussi à l’écoute des utilisateurs et avec une telle éthique. Incroyable, mais vrai !
Après avoir testé Nyumba et leur avoir posé toutes mes questions, je suis personnellement bluffé par la pertinence de l’appli. Et vous savez bien que je ne fais jamais de publicité pour qui que ce soit.
Pour les professeurs de musique qui souhaitent gérer facilement leurs élèves, leurs exercices, dynamiser leur travail à la maison, booster leur engagement dans leur apprentissage musical, communiquer avec eux et créer une véritable communauté pédagogique, je ne vois honnêtement rien de mieux.
On est bien souvent déçu par des applis pédagogiques qui sont fabriquées la plupart du temps par des développeurs qui ne connaissent pas le métier des professeurs à qui elles sont destinées.
Avec Nyumba, rien de tel ! L’appli a été conçue avec des professeurs de musique et ça change tout.
Je recommande vivement et sincèrement cette appli à tous les professeurs de musique et tout spécialement à ceux qui suivent ma formation aux nouvelles technologies pour l’enseignement musical.
Regardez les vidéos de démo sur la chaîne youtube Nyumba app. Et allez faire un tour sur leur site : https://nyumba-app.com/
Puis téléchargez Nyumba sur iphone, ipad ou smartphone Androïd. Commencez sans abonnement, gratuitement et essayez avec quelques élèves.
Je vous propose de lire aussi cette page de présentation :
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Apprendre, enseigner, réfléchir et innover : les enseignants réfléchissent, utilisent les nouvelles technologies et montent des projets innovants. Ils ouvrent ainsi de nouveaux horizons et permettent à l'éducation de s'éloigner de cette image archaïque qui lui colle encore souvent à la peau.
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Quelques extraits d'un entretien avec Frédéric Voisin, musicien et informaticien, au sujet de son parcours et particulièrement de son projet en cours : les Madeleines Sonores. Dans un Ehpad en Bourgogne, il conçoit et installe des paysages sonores pour les patients atteints de ... Lire la suite
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