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Audio & Multimedia Expert of the Year 2023 - France (AI Business Awards)
Le podcast natif, l’audio numérique en ligne ou par satellite connaissent depuis plusieurs années un essor stupéfiant. Voici les résultats de 3 études très sérieuses pour mieux cerner les enjeux de l’audio en 2023 en France et aux Etats Unis.
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Définitions :
Podcast natif : c’est un audio original qui a été créé pour une diffusion directement sur internet ou sur des réseaux numériques. Ce n’est pas une émission de radio en rediffusion.
Audio numérique : les américains parlent de digital audio pour désigner à la fois les podcasts natifs sur le web, les podcasts et les radios diffusées par satellite qui sont des réseaux très importants sur tout leur territoire.
Les français·es et le podcast natif CSA/Havas 2023
L’étude « les français.e.s et le podcast natif » co-construite par CSA/Havas Paris révèle chaque année des informations clés sur le paysage du podcast en France et son évolution d’année en année.
Voici les principaux enseignements apportés par l’étude 2023 :
Notoriété et Écoute du Podcast Natif :
Connaissance du Podcast : 40% des Français savent ce qu’est un podcast natif en 2023, contre 31% en 2022
Écoute des Podcasts : 37% des Français écoutent des podcasts natifs, avec une augmentation notable des auditeurs mensuels (26%, +5% par rapport à 2022) et hebdomadaires (15%, +3% par rapport à 2022)
Profil des Auditeurs Hebdomadaires :
Plus de la moitié écoutent des podcasts au moins trois fois par semaine.
73% des auditeurs hebdomadaires ont augmenté leur consommation de podcasts natifs par rapport à l’année précédente.
56% envisagent d’augmenter leur consommation dans les 6 mois suivants.
L’auditeur type en France a en moyenne 36 ans, vit en milieu urbain et appartient à un foyer avec enfants.
Démocratisation et Barrières
Une hausse significative de l’écoute chez les femmes, les 50-64 ans, les catégories socioprofessionnelles moins élevées et les foyers avec enfants a été observée.
Parmi les non-auditeurs, 26% ne savent pas encore ce qu’est un podcast et 8% ne savent pas comment en écouter un.
Impact Culturel et Comportemental
Le podcast est perçu comme un média de déconnexion pour 81% des auditeurs, offrant une alternative à un monde souvent considéré comme brutal et violent.
88% des auditeurs le considèrent comme un média de confiance, surpassant les médias traditionnels et les réseaux sociaux.
81% disent que les podcasts ont influencé leur opinion ou regard sur divers sujets.
Interaction avec les Marques
Les podcasts sont utilisés par les marques pour créer un lien avec leurs clients. 78% des auditeurs estiment qu’ils sont un moyen de promouvoir des changements et 86% apprécient quand les marques utilisent ce format pour des causes ou engagements significatifs
Préférences et Usages
Le format conversationnel est privilégié par 81% des auditeurs.
L’écoute de podcasts est majoritairement une activité solitaire (73%), mais elle favorise également les discussions et échanges au sein des cercles amicaux des auditeurs
En 2023, 71% des auditeurs utilisent leur smartphone pour écouter, en hausse de 61% par rapport à 2022. 50% des auditeurs écoutent des podcasts de plus de 15 minutes, contre un tiers l’année précédente.
En conclusion : Cette étude met en évidence la croissance constante de l’écoute en France, ainsi que l’évolution des habitudes et des préférences des auditeurs. Elle souligne également l’importance croissante des podcasts comme moyen de communication pour les marques et leur impact culturel et sociétal.
USA : Sirius XM Media 2023 Podcast Trends Report
Voici les données chiffrées extraites du rapport « The Sirius XM Media 2023 Podcast Trends Report » ainsi que leurs commentaires.
Signalons que cette étude n’est pas indépendante comme l’est celle de Havas/CSA. En effet, elle émane du réseau américain Sirius XM, le plus grand réseau de podcasts et de radio par satellite aux Etats Unis.
Toutefois elle a le mérite de nous donner les tendances aux Etats Unis. Vous pouvez donc faire des comparaisons intéressantes avec la situation du podcast en France que nous avons décrite au début de cet article.
Augmentation de l’écoute sur Simplecast en 2022 :
+ 69% du nombre d’auditeurs uniques.
+ 61% des téléchargements de contenu.
+ 10% des heures d’écoute par auditeur.
Démographie des auditeurs de podcasts aux États-Unis :
43% des auditeurs mensuels aux États-Unis ont entre 13 et 34 ans, 42% ont entre 35 et 54 ans, et 16% sont âgés de plus de 55 ans.
Comportement des auditeurs de stand-up :
78% recommandent et partagent des podcasts avec d’autres.
71% disent qu’ils améliorent leur humeur.
94% agissent après avoir entendu une publicité dans un podcast.
Réactivité aux Publicités dans les Podcasts :
Une étude a montré une augmentation de 18 points pour l’affinité, 20 points pour l’intention de considération, et 20 points pour l’attribution de la valeur et du prix suite à des publicités dans les podcasts.
Comportement des Auditeurs de News et Politique :
72% écoutent au début et à la fin de leur journée.
Ils sont 64% plus susceptibles de préférer le contenu court.
94% ne considèrent pas la télévision par câble et les émissions de télévision traditionnelles comme authentiques ou dignes de confiance.
Croissance du Contenu True Crime :
+ 207% de croissance de ce type de contenu True Crime (policier, enquête, faits divers) par rapport à d’autres catégories.
Ces auditeurs sont 10 fois plus susceptibles d’écouter plusieurs épisodes à la suite dans une seule session d’écoute.
56% disent que les podcasts les aident à s’évader.
Ces données mettent donc en lumière les tendances et comportements des auditeurs de podcasts américains dans différents genres, soulignant l’impact croissant des podcasts sur le paysage médiatique et publicitaire aux USA.
L’étude SXM Media Audio Report 2023 :
Voici un résumé des données chiffrées extraites de cette autre étude réalisée par SXM Media, une des agences de publicité les plus importantes aux Etats Unis.
Les données chiffrées de l’étude ont été recueillies en 2023 aux Etats Unis. Elles nous apportent donc une vision très détaillée et comparative de l’Audio Numérique c’est à dire du podcast audio en ligne, mais aussi de la radio, de l’audio et des podcasts par satellite au travers du réseau Sirius XM qui couvre tous les Etats Unis d’Amérique.
Audience Numérique Audio aux États-Unis :
214 millions d’auditeurs de digital audio.
75% de la population totale de 12 ans et plus qui écoute.
Consommation d’Audio :
4.8 heures d’audio consommées chaque jour en moyenne.
55% de temps supplémentaire passé à écouter de l’audio par rapport aux auditeurs non-numériques.
Partage du Temps et Dépenses Publicitaires :
69% du temps passé en audio sur tous les médias.
91% des dépenses publicitaires par rapport aux autres médias.
Comparaisons avec d’autres Médias :
74% des auditeurs de 18 à 34 ans écoutent plus de contenu audio aujourd’hui car ils peuvent l’emporter partout.
49% du temps audio quotidien est passé avec des podcasts en streaming ou sur le réseau satellite de radios SiriusXM, 13 points de pourcentage de plus que la radio AM/FM.
58% des auditeurs de 18 à 34 ans disent que l’audio les aide à échapper à une surcharge visuelle.
66% des auditeurs de Génération Z et millenials trouvent les animateurs de podcasts plus authentiques que d’autres figures médiatiques.
Évolution du Marché et Impact Publicitaire :
Divers autres chiffres détaillent l’impact et l’évolution de l’audio numérique par rapport à la télévision linéaire, la TV connectée (CTV) et les médias sociaux, incluant des pourcentages spécifiques d’auditeurs, de parts de marché, et l’efficacité des publicités.
Audience et Découpage du Marché :
64% des auditeurs adultes (18+) sont des coupe-câbles ou n’ont jamais eu de câble.
Seulement 36% des auditeurs adultes (18+) sont actuellement abonnés au câble/satellite, en baisse de 7 points de pourcentage depuis le troisième trimestre 2021.
Comparaison de la Visibilité et de la Croissance :
L’audience télévisuelle traditionnelle a chuté en dessous de 50% pour la première fois.
Augmentation de 92% du nombre d’auditeurs de l’audio numérique au cours de la dernière décennie.
Baisse de 43% de la part du temps passé à regarder la télévision au cours de la dernière décennie.
Hausse de 183% de la part du temps passé avec l’audio numérique au cours de la dernière décennie.
Authenticité et Confiance :
Les auditeurs (18+) considèrent l’audio en streaming 2 fois plus authentique et fiable que la télévision traditionnelle.
Les auditeurs (18+) estiment que les podcasts sont 9 fois plus authentiques et fiables que la télévision traditionnelle.
Engagement Publicitaire et Réactivité :
Les publicités audio numériques ont un impact 49% plus important sur la mémoire durable que les publicités AM/FM.
Une part de temps 20% plus élevée avec l’audio numérique qu’avec la radio AM/FM.
50% moins de temps publicitaire par heure avec SiriusXM.
55% des abonnés SiriusXM indiquent que le satellite remplace le temps qu’ils passaient auparavant avec la radio AM/FM.
Influence et Action des Auditeurs :
Par rapport aux auditeurs AM/FM, les abonnés SiriusXM sont 33% plus susceptibles d’acheter/utiliser des produits annoncés.
Comparaison avec la Télévision Connectée (CTV) :
87% des auditeurs du réseau SiriusXM écoutent du contenu avec publicité.
Seulement 7% des auditeurs regardent des services de streaming vidéo avec publicité.
Les auditeurs de 18ans et + considèrent l’audio en streaming 1,6 fois plus authentique et fiable que le streaming vidéo.
Ces mêmes auditeurs estiment que les podcasts sont 6,6 fois plus authentiques et fiables que le streaming vidéo.
Ces données fournissent donc une vue d’ensemble approfondie de l’état et de l’impact de l’audio numérique (digital audio) dans le paysage médiatique en 2023 aux Etats Unis.
En conclusion
2023 restera marquée comme l’année du podcast natif en France. Le jeune média poursuit son ascension et part à la conquête progressive de toutes les tranches d’âge.
Il s’affirme comme le meilleur support publicitaire et d’image de marque par la fidélité de son public d’auditeurs. Média sobre, intelligent, à la recherche de sens, le podcast s’inscrit et bénéficie de la saturation d’images et de la superficialité des réseaux sociaux.
Plus que jamais, que ce soit en France ou à plus forte raison aux Etats Unis qui ont toujours 10 ans d’avance sur nous, une toujours plus énorme portion de la population décroche des médias lourds ou violents.
En quête de sens, de connaissance, de calme, de proximité et de bienveillance, elle se tourne à nouveau vers la communication orale, la voix parlée et l’écoute qu’on aurait pu croire à jamais perdue dans notre système guerrier de communication globalisée.
Et c’est la même tendance aux USA qu’en France.
A travers le podcast, c’est la toute puissance de la voix parlée en tant qu’outil de communication et de transmission de valeurs qui est ré-affirmée pour le meilleur. Et espérons-le jamais pour le pire …
Pour aller plus loin
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En passant par Basquiat, Chic, Fela Kuti, Bibi Tanga & The Selenites, Fatoumata Diawara , Idris Ackamoor & The Pyramids, Sun Ra, le P-funk…Mais qu’est ce donc que l’afrofuturisme ? Et puis Daft Punk c’est fini ? Random Memories n’en finit pas de renaître.
Vous pouvez aussi écouter cet article :
Les Origines de l’Afrofuturisme
L’Afrofuturisme est un mouvement artistique et culturel fascinant qui combine des éléments de science-fiction, de fantasy, de la culture africaine et afro-américaine, pour explorer les expériences passées, présentes et futures des personnes de la diaspora africaine.
C’est un moyen de réimaginer l’histoire et l’avenir à travers une lentille africaine, souvent en réponse à des histoires et des visions du futur qui ont traditionnellement minimisé ou ignoré les perspectives africaines et afro-descendantes.
Il trouve ses racines dans les années 1950 et 1960, avec des écrivains de science-fiction comme Samuel R. Delany et Octavia E. Butler. Il s’est ensuite développé dans la musique, en particulier avec le mouvement musical P-Funk de George Clinton.
Dans les différentes pratiques artistiques
La littérature afrofuturiste explore souvent des thèmes tels que la diaspora africaine, la réappropriation de la technologie et l’exploration de mondes futuristes ou alternatifs. Des auteurs comme Nnedi Okorafor et Nalo Hopkinson sont connus pour leurs œuvres afrofuturistes.
La musique joue un rôle central dans ce mouvement. Des artistes comme Sun Ra, Parliament-Funkadelic, et plus récemment, Janelle Monáe, ont incorporé des éléments afrofuturistes dans leur musique, créant des univers sonores uniques.
Les Arts visuels : de nombreux artistes visuels utilisent l’Afrofuturisme comme source d’inspiration. Les œuvres d’artistes comme Jean-Michel Basquiat et Wangechi Mutu intègrent des éléments afrofuturistes dans leurs créations.
Le Cinéma : Des films comme « Black Panther » de Marvel et « Get Out » de Jordan Peele ont exploré des thèmes afrofuturistes, montrant la montée de ce mouvement dans la culture cinématographique.
La Mode : La mode afrofuturiste combine des éléments traditionnels africains et futuristes de science fiction pour créer des styles uniques qui célèbrent la culture noire.
Les messages de l’Afrofuturisme
Philosophie et identité : L’Afrofuturisme interroge souvent la notion d’identité noire, la résilience, et la réimagination de l’avenir (prospective) pour les communautés afro-diasporiques.
Communauté et impact : L’Afrofuturisme a eu un impact significatif en rassemblant des artistes et des penseurs qui veulent réinventer et réaffirmer la culture noire dans un contexte futuriste.
Notons que l’Afrofuturisme est un mouvement très diversifié, et il existe de nombreuses interprétations et opinions sur ce qu’il représente. Certains le voient comme une célébration de la créativité noire, tandis que d’autres l’utilisent comme un moyen de questionner les systèmes de pouvoir existants.
Des musiciens afrofuturistes ?
Bien que leurs styles musicaux et leurs contributions au mouvement puissent varier, on peut très certainement identifier ces quelques musiciens ou groupes en les associant à l’Afrofutrisme.
Chic : ce groupe dirigé par Nile Rodgers est connu pour sa fusion de la musique disco et du funk. Bien que leur musique soit principalement associée aux années 1970, Nile Rodgers a continué à influencer la musique pop et dance à travers les décennies. Dans un contexte afrofuturiste, leur utilisation de grooves funky et de synthétiseurs peut être considérée comme une expression de l’exploration sonore et de la créativité. Peut-être l’album le plus afro de Chic : Chic-Ism
Fela Kuti est un légendaire musicien nigérian, a créé le genre musical afrobeat dans les années 70. Sa musique influencée par James Brown est profondément enracinée dans la culture africaine et aborde des thèmes sociaux et politiques. L’Afrofuturisme peut englober sa musique en tant qu’expression de la fierté africaine et de la réflexion sur un avenir meilleur pour le continent. Un album parmi la très nombreuse discographie : Original Sufferhead (Extended Version) – Fela Anikulapo Kuti & Egypt 80
Idris Ackamoor est un saxophoniste et compositeur contemporain qui fusionne le jazz, le funk et des éléments de musique du monde. Sa musique explore souvent des concepts spirituels et cosmiques, ce qui peut s’inscrire dans le cadre de l’Afrofuturisme en mettant l’accent sur la transcendance et l’ouverture à de nouvelles dimensions de compréhension. Album récent : Afro Futuristic Dreams – Idris Ackamoor & The Pyramids
Bibi Tanga& The Selenites est un groupe de musique qui intègre divers styles, notamment la funk, la soul, le rock et les influences africaines. Le nom du groupe lui-même, The Selenites, fait référence aux habitants imaginaires de la Lune, un thème qui a des liens avec la science-fiction, un élément central de l’Afrofuturisme. Le groupe incorpore des éléments de science-fiction et d’exploration spatiale dans leur musique et leur esthétique. De plus, leur utilisation de styles musicaux africains et de la diaspora africaine en combinaison avec des genres occidentaux modernes reflète le mélange de tradition et de futurisme qui est au cœur de l’Afrofuturisme. Album récent : The Same Tree – Bibi Tanga & The Selenites
Fatoumata Diawara est une chanteuse et musicienne malienne dont la musique mélange les traditions musicales africaines avec des éléments contemporains. Elle exprime des messages de paix, d’unité et d’émancipation dans ses chansons, ce qui s’inscrit dans le cadre de l’Afrofuturisme en envisageant un avenir positif pour l’Afrique et sa diaspora. Album récent : London Ko – Fatoumata Diawara
L’univers afrofuturiste de Sun Ra
Le pionnier le plus important de la musique afrofuturiste est le pianiste de jazz, compositeur et chef d’orchestre Sun Ra. Très tôt, dès la fin des années 50, il oriente visuellement et par les paroles, les thèmes de ses compositions et de ses improvisations en créant un univers de science-fiction.
C’est le style et l’esthétique complète de son big band l’Arkhestra, tout particulièrement dans ses concerts, mais aussi sur les pochettes de ses très nombreux disques.
C’est une sorte de saga inventée de toutes pièces, une mythologie dans laquelle cette troupe de musiciens noirs-américains évolue constamment. Une sorte d’utopie interplanétaire dans laquelle les afro-descendants pourraient trouver de nouvelles planètes plus accueillantes que la Terre afin de pouvoir mettre fin au racisme et à la ségrégation raciale qui sévit très fortement au USA.
Sun Ra a été le premier musicien de jazz à jouer sur des synthés, le premier notamment à improviser des solos free sur un Mini-Moog dans les années soixante. Free, blues, synthés et percussions africaines sont les ingrédients emblématiques de sa musique, citée constamment comme une source d’inspiration majeure par une quantité invraisemblable de musiciens et compositeurs jusqu’à notre 21ème siècle.
Space Is The Place, When There Is No Sun, Cosmos, Atlantis, Celestial Love, the Other Side of the Sun, On Jupiter, The Futuristic Sounds Of Sun Ra, Astro Black, the Night of the Purple Moon …. La saga afrofuturiste est omniprésente dans les titres de des albums de Sun Ra.
On peut même considérer que c’est lui qui l’a inventée, il en est le père fondateur.
Le refrain de Love in Outer Space :
Sunrise Love everlasting Sunrise in outer space Love for every face
Extrait de l’album The Night of the Purple Moon
Daft Punk, afrofuturiste ?
La réédition en 2023 du dernier album du duo électro Daft Punk met en lumière leurs affinités très certaines avec la musique afro-américaine, funk, disco, p-funk avec la participation importante d’artistes noirs-américains comme Nile Rogers, Pharrel Williams dans leur dernier album.
N’oublions pas que la musique techno a été inventée par des djs et des producteurs afro-américains dans le ghetto noir de Detroit aux USA. C’était à l’origine un mélange de funk, disco et de musique électronique.
Ce mix avec leur musique électronique et leur look futuriste nous fait faire un rapprochement peut-être un peu osé avec l’afrofuturisme. Dans tous les cas d’un point de vue esthétique, ca se défend.
Dernier album de Daft Punk : Random Access Memories (10th Anniversary Edition), ainsi que la nouvelle version Drumless Edition, parue en fin 2023 également. Daft Punk n’en finit pas de mourir et de renaître. Cette re-création, ce dernier remix sans batterie, sans drums, en est la preuve osée, très osée ! Jamais on avait osé faire çà, surtout pour une musique basée sur des rythmiques hyper carrées et dominantes.
Conclure ?
Il n’y a pas de raison objective de conclure cet article car on voit que l’afrofuturisme n’est pas prêt de s’éteindre, bien au contraire. Il illuminera sans doute de plus en plus les temps à venir, tant son influence artistique est forte et foisonnante, notamment en Afrique. Et il se répandra à n’en pas douter encore plus dans le monde entier et dans toutes les formes d’art et de création.
Dans le monde de la musique électronique et de la production, un petit acronyme règne en maître depuis des décennies : MIDI. Derrière ces quatre lettres se cache une révolution qui a transformé la façon dont nous créons, enregistrons et produisons la musique.
Dans cet article, nous allons plonger dans l’univers de la Norme MIDI, comprendre son histoire, son fonctionnement et ses types de messages.
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Qu’est-ce que la Norme MIDI ?
MIDI, qui signifie Musical Instrument Digital Interface, est un protocole de communication qui permet à tous les instruments de musique électroniques, ordinateurs et autres équipements de se connecter et de communiquer entre eux. Contrairement à l’audio, ce langage de communication ne transmet pas de son, mais des informations sur la manière de produire un son.
Histoire de la Norme MIDI
Elle est un pilier de la musique électronique et de la production musicale depuis sa création dans les années 1980. À l’époque, les musiciens et producteurs cherchaient un moyen de faire communiquer les instruments électroniques, qu’il s’agisse de synthétiseurs, de boîtes à rythmes ou de contrôleurs.
Elle est née de cette nécessité de communication et de synchronisation. Elle a été conçue pour permettre aux musiciens de contrôler et de synchroniser différents appareils électroniques de manière cohérente. La première version de la norme a été publiée en 1983, et depuis lors, elle a évolué pour devenir une norme universelle dans l’industrie musicale.
Fonctionnement de la Norme MIDI
Connectivité : Les appareils sont connectés les uns aux autres à l’aide de câbles MIDI standard. Cela permet une connexion simple et fiable entre les instruments électroniques qui sont tous compatibles.
Données : La communication repose ici sur des données numériques. Chaque note jouée, chaque mouvement de curseur, chaque changement de paramètre est transmis sous forme de données MIDI.
Canal : Des canaux permettent à plusieurs appareils de communiquer simultanément sans interférer les uns avec les autres. Il existe 16 canaux MIDI distincts, ce qui permet de contrôler plusieurs instruments en même temps.
Latence : Bien que la transmission des messages soit généralement rapide, il peut y avoir une légère latence lors de la transmission des données MIDI. Cela peut être un facteur important pour les musiciens en direct, il est donc essentiel de le minimiser.
Les Messages MIDI
Note-On/Note-Off : Les messages de Note-On indiquent le début d’une note, tandis que les messages de Note-Off indiquent la fin d’une note. Ces messages sont essentiels pour jouer de la musique avec des instruments MIDI.
Contrôle : Les messages de contrôle MIDI permettent d’ajuster divers paramètres, tels que la modulation, le volume et le panoramique. Ils offrent un contrôle précis sur les nuances de la musique.
Programme : Les messages de programme sont utilisés pour sélectionner des sons ou des presets sur les instruments MIDI. Ils permettent de changer de timbre instantanément.
Sysex : Les messages SysEx (System Exclusive) sont plus avancés et peuvent être utilisés pour personnaliser des paramètres spécifiques propres à certains instruments électroniques particuliers, qui n’ont pas d’équivalent dans la Norme MIDI.
Applications pratiques
Pour les musiciens, producteurs et beatmakers, la Norme MIDI ouvre un monde de possibilités. Vous pouvez utiliser des claviers pour jouer des instruments virtuels, créer des séquences de batterie avec des contrôleurs et automatiser des paramètres dans votre logiciel de production. La Norme MIDI vous permet de donner vie à vos idées musicales de manière créative et précise.
Les contrôleurs tels que les pads de batterie et les surfaces de contrôle, offrent une manière tactile d’interagir avec votre logiciel musical préféré. Vous pouvez créer des variations subtiles dans vos compositions ou des performances énergiques en direct.
Depuis l’apparition des ipads et des iphones, plusieurs applis permettent de designer des interfaces MIDI originales et très puissantes sur ces surfaces tactiles.
En résumé, la Norme MIDI est un outil essentiel pour les musiciens et producteurs modernes. En comprenant son histoire, son fonctionnement et ses messages, vous pouvez exploiter tout son potentiel pour créer de la musique exceptionnelle. Dans la partie suivante de l’article, nous allons en explorer quelques exemples concrets.
Quelques exemples concrets d’utilisation de la Norme Midi
Création musicale
Un exemple classique de l’utilisation de la Norme MIDI dans la production musicale est la création musicale à l’aide d’un clavier MIDI. Les musiciens peuvent connecter un clavier à leur logiciel de production, puis jouer des notes, des accords sur le clavier.
Les données MIDI générées par ces notes sont ensuite enregistrées dans le logiciel sur des pistes MIDI. Cela permet notamment aux musiciens de composer de manière intuitive, puis d’éditer les notes individuellement et même d’expérimenter avec différentes sonorités et instruments virtuels pour donner vie à leur musique.
Séquençage de batterie
Les producteurs de musique électronique et les beatmakers utilisent souvent des contrôleurs pour séquencer des rythmes de batterie. À l’aide de pads de batterie, ils peuvent déclencher des échantillons de batterie en temps réel. Les données MIDI enregistrées, puis éditées, permettent de créer des séquences de batterie complexes, d’ajouter des variations de rythme et de créer des rythmes percutants. Cette approche permet une grande flexibilité dans la création de rythmes uniques pour différents genres musicaux, du hip-hop à la musique électronique.
Automatisation des effets
Un autre exemple puissant de l’utilisation de la Norme MIDI est l’automatisation des effets dans un logiciel de production. Les producteurs peuvent assigner des paramètres d’effets, tels que la réverbération ou le filtre, à des contrôleurs MIDI tels que des potentiomètres. Ensuite, ils peuvent enregistrer des mouvements en temps réel en ajustant les potentiomètres pendant la lecture. Les données MIDI résultantes sont utilisées pour automatiser ces effets, créant ainsi des transitions sonores fluides et des évolutions dynamiques dans la musique. Cela permet d’ajouter une dimension expressive à la production musicale.
Ces exemples illustrent comment la Norme MIDI est un outil polyvalent et essentiel dans la création musicale moderne. Elle permet aux artistes de s’exprimer de manière créative, de contrôler précisément leurs compositions et de repousser les limites de leur musique.
Le MIDI au delà de la musique
Les interfaces de contrôle sur iPads
En dehors de la musique, la Norme MIDI est devenue un élément clé dans la création d’interfaces de contrôle sur iPads. La plupart des applications sur iPad sont compatibles avec MIDI, ce qui permet aux utilisateurs de créer des surfaces de contrôle personnalisées pour diverses tâches.
Par exemple, dans le domaine de la production audiovisuelle et de la sonorisation , les professionnels peuvent utiliser des iPads pour ajuster les paramètres d’éclairage, de son et de projection en temps réel. Cette flexibilité permet une interaction intuitive avec des équipements complexes, offrant un contrôle précis et une expérience utilisateur améliorée.
Automatisation d’Installations Sonores ou Visuelles Interactives :
La Norme MIDI est également largement utilisée dans le domaine de l’art interactif. Les artistes créent des installations sonores ou visuelles interactives qui réagissent aux données MIDI en temps réel.
Par exemple, une installation artistique peut utiliser des capteurs pour détecter les mouvements du public et générer des données MIDI en fonction de ces mouvements. Ces données MIDI sont ensuite utilisées pour contrôler des éléments sonores ou visuels de l’installation, créant ainsi une expérience immersive et interactive pour les visiteurs.
Contrôle à Distance de Machineries pour le Spectacle Vivant :
Dans le monde du spectacle vivant, la Norme MIDI est un atout majeur. Les ingénieurs et les techniciens peuvent utiliser des contrôleurs MIDI pour gérer à distance divers équipements scéniques, des éclairages aux décors en passant par les effets spéciaux. Cela permet des transitions fluides et précises pendant les représentations en direct. De plus, la Norme MIDI peut être intégrée à des systèmes de contrôle plus avancés, offrant ainsi une automatisation sophistiquée pour des spectacles de grande envergure.
Donc elle ne se limite pas à la musique, mais s’étend à de nombreuses autres disciplines artistiques et techniques. Elle offre des moyens puissants de contrôler, d’automatiser et d’interagir avec une variété d’applications, que ce soit dans le domaine des arts visuels, du spectacle vivant ou de la création d’interfaces interactives. Sa polyvalence continue d’inspirer des innovations créatives à travers divers domaines.
Pour Conclure
La Norme MIDI est bien plus qu’un simple câble et des chiffres. Elle incarne d’abord l’essence de la créativité musicale moderne. Son histoire et son fonctionnement ont libéré tout le potentiel de la production musicale.
Et elle est devenue une norme universelle, c’est sa grande force.
Elle ne se limite pas à la musique, mais s’étend à de nombreuses autres disciplines artistiques et techniques. Elle offre des moyens puissants de contrôler, d’automatiser et d’interagir avec une variété d’applications, que ce soit dans le domaine des arts visuels, du spectacle vivant ou de la création d’interfaces interactives. Sa polyvalence continue d’inspirer des innovations créatives à travers divers domaines.
Et cet outil puissant, universel et très simple est à la portée de tous, car il ne nécessite pas d’apprendre un langage informatique complexe.
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Les rémunérations des artistes sont mises en péril par la dématérialisation de la diffusion musicale. Le volet économique pour les musiciens, auteurs et compositeurs est à la fois complexe et en constante évolution. C’est un sujet hyper important, surtout dans l’ère du numérique où tout change à la vitesse grand V.
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La problématique de la répartition des revenus sur les plateformes de streaming
Une faible rémunération par écoute : Les plateformes de streaming comme Spotify, Apple Music ou Deezer paient en moyenne une somme très faible par écoute, souvent en dessous d’un centime d’euro. Cela nécessite des millions d’écoutes pour générer un revenu décent.
Le modèle « au Pro Rata » : Les revenus générés sont répartis en fonction de la popularité globale des artistes sur la plateforme, ce qui avantage les gros noms au détriment des artistes indépendants ou moins connus. Les plus populaires, donc ceux qui gagnent déjà beaucoup plus d’argent, encaissent donc une plus-value sur les plateformes de streaming.
Le problème du piratage et du partage illégal
La perte de revenus : Le piratage, le téléchargement et le partage illégaux continuent d’être un problème, même si des mesures légales sont en place.
Le manque de sensibilisation : Le public n’est pas toujours conscient que le piratage nuit directement aux artistes qu’il apprécie.
Les défis liés aux droits d’auteur
La complexité des lois : Les lois sur le droit d’auteur varient énormément d’un pays à l’autre, rendant difficile, voire même impossible pour les artistes de suivre et de faire valoir leurs droits.
La collecte des royalties : Des organismes comme la SACEM en France collectent les droits d’auteur, mais il peut y avoir des délais, et la répartition n’est pas toujours transparente. On connait notamment le problème persistant des droits qu’elle n’arrive pas à répartir : ils sont répartis au pro rata des gains des auteurs.
Autrement dit, ces droits qui sont majoritairement ceux des petits auteurs, sont répartis majoritairement aux gros auteurs. Encore une plus-value qui va aux gros ! Alors qu’il serait plus juste de les répartir aux plus petits.
Le rôle des labels et intermédiaires dans les rémunérations des artistes
Le partage des revenus : Dans un contrat traditionnel avec un label, une grande partie des revenus va au label plutôt qu’à l’artiste. La plupart du temps, c’est justifié par le travail de promotion et de diffusion que fournit le label. Mais les cas d’escroqueries sont légion.
Les contrats à long terme : Certains contrats enferment les artistes dans des conditions qui peuvent être défavorables à long terme. Si les contrats à long terme peuvent assurer une certaine sécurité à l’artiste, en cas de succès ils les défavorisent énormément.
L’évolution du marché : opportunités et risques
Auto-production et distribution: Les artistes peuvent maintenant se produire et se distribuer indépendamment grâce aux nouvelles technologies, grâce à internet et aux réseaux sociaux. Mais c’est un défi pour un artiste de se faire découvrir de cette manière et encore plus de produire des revenus suffisants en auto-production.
La monétisation des médias sociaux: Les plateformes comme YouTube et TikTok offrent de nouvelles façons de gagner de l’argent, mais avec leurs propres jeux de règles et problèmes de droits d’auteur. Pas facile d’en tirer des revenus suffisants.
La Blockchain et les NFTs: Des nouvelles technologies comme la blockchain offrent des possibilités de monétisation et de contrôle des droits d’auteur. Mais elles sont encore très obscures, elles ne sont pas encore largement adoptées et posent leurs propres défis éthiques.
L’évolution des habitudes de consommation: Le public est de plus en plus habitué à accéder gratuitement à la musique, ce qui modifie la perception de la valeur de l’art. Le tout-gratuit en ligne ne joue pas du tout en faveur des artistes qui ont besoin de revenus pour pouvoir vivre de leur art.
Les plateformes numériques musicales les plus éthiques pour les rémunérations des artistes
Le monde du streaming est un sacré bazar quand on parle d’éthique et de rémunération des artistes. Mais toutes les plateformes ne se valent pas. Certaines revendiquent une approche plus éthique.
Bandcamp
Modèle économique: sur Bandcamp, les artistes peuvent vendre eux-même directement des fichiers numériques, mais aussi des supports physiques. La plateforme prend une commission relativement faible sur les ventes (environ 15%), ce qui laisse une grande part aux artistes.
Prix fixé par l’artiste: Les artistes peuvent fixer leurs propres prix, ce qui leur donne un contrôle plus direct sur leur rémunération.
Bandcamp Fridays: Une fois par mois, Bandcamp renonce à sa commission, ce qui permet aux artistes de gagner encore plus.
SoundCloud
Fan-Powered Royalties: SoundCloud a introduit un système où les artistes sont payés en fonction du temps d’écoute réel par leurs fans, plutôt que sur un modèle « pro rata ».
Outils de monétisation: La plateforme propose plusieurs outils permettant aux artistes de monétiser leur contenu de manière flexible (abonnements, tips).
Resonate
Coopérative: C’est une plateforme en modèle coopératif, ce qui signifie que les artistes peuvent devenir membres et avoir un mot à dire dans le fonctionnement de la plateforme.
Stream-to-Own: Leur modèle « Stream-to-Own » permet aux utilisateurs de posséder une chanson après un certain nombre d’écoutes, et rémunère mieux les artistes.
Tidal
HiFi et qualité sonore: Tidal met en avant la qualité sonore, ce qui pourrait théoriquement justifier des tarifs d’abonnement plus élevés et une meilleure rémunération pour les artistes.
Artist Ownership: Bien que controversé, Tidal a été lancé avec le soutien de gros noms de l’industrie, ce qui en théorie pourrait signifier un meilleur deal pour les artistes.
Audius
Blockchain: Audius utilise la technologie blockchain pour permettre un contrôle plus direct et transparent des droits et de la rémunération.
Pas de commission: La plateforme ne prend pas de commission sur les transactions, ce qui devrait permettre une meilleure rémunération des artistes.
Il faut quand même noter que « éthique » est un terme subjectif et ces plateformes ne sont pas sans leurs propres défis et controverses. Mais d’une manière générale, elles tentent de proposer des modèles plus justes pour la rémunération des artistes.
Beaucoup de musiciens, compositeurs, producteurs créent leurs propres boutiques sur Bandcamp, ce qui est très facile. Ça leur permet d’être indépendants, de gagner une certaine visibilité et une meilleure rémunération sur leurs ventes. Ce qui ne les empêche pas d’être présents aussi sur les plateformes numériques (Spotify, Deezer, Apple …).
Les droits des auteurs ou compositeurs, la Sacem et les plateformes numériques
En France, la SACEM (Société des Auteurs, Compositeurs et Éditeurs de Musique) joue un rôle important dans la protection des droits d’auteur sur les plateformes numériques. La SACEM a des accords avec un grand nombre de ces plateformes, et voici comment ça se passe en général :
Licence et collecte des droits
Les accords de licence: La SACEM a établi des accords avec les plateformes numériques (comme Spotify, Deezer, YouTube, etc.). Ces accords autorisent l’utilisation du répertoire de la SACEM sur ces plateformes en échange de redevances.
Les redevances: Les plateformes versent des redevances à la SACEM basées sur divers critères comme le nombre d’écoutes, la durée d’écoute, et parfois des facteurs plus complexes liés au type d’abonnement de l’utilisateur. NB : mais ces redevances s’ajoutent-elles réellement aux rémunérations des artistes effectuées directement par les plateformes ? Là encore on est dans le flou.
La répartition des droits
Calcul des parts: La SACEM utilise un système de clés de répartition pour déterminer quelle part des redevances collectées doit aller aux auteurs, compositeurs et éditeurs. Ce système prend en compte des facteurs tels que la durée de la chanson, sa popularité, ainsi que les frais de gestion de l’organisation.
Paiement aux membres: Les membres de la SACEM reçoivent des paiements trimestriels basés sur la collecte et la répartition de ces redevances, en plus des droits de reproduction sur les supports physiques et des diffusions en radios et télévisions.
Transparence et suivi
Déclarations et relevés: Les membres peuvent consulter des relevés qui détaillent les revenus générés par leurs œuvres. Cela donne une certaine transparence au système, bien que certains critiquent le manque de clarté dans les méthodes de calcul.
Technologies de suivi: La SACEM utilise des technologies de suivi pour identifier quand et où les œuvres de ses membres sont jouées. Cela inclut les écoutes en streaming, les téléchargements, ainsi que toutes les formes de diffusion.
Adaptation et évolution
Négociations continues: La SACEM est constamment en négociation pour adapter les accords de licence à l’évolution du marché numérique.
Protection à l’étranger: Grâce à des accords avec d’autres sociétés de gestion collective dans le monde, la SACEM peut aussi protéger les droits de ses membres à l’étranger.
En résumé, oui, la SACEM travaille activement pour protéger les droits des auteurs et compositeurs sur les plateformes numériques. Cependant, le système n’est pas parfait et fait l’objet de critiques, notamment en ce qui concerne la transparence et la répartition équitable des revenus.
La Sacem est critiquée depuis très longtemps par les artistes, notamment les indépendants, pour son mode de gestion anti-démocratique qui favorise très nettement les gros revenus.
En effet son mode d’administration très vertical donne le pouvoir aux artistes les plus vendus et aux producteurs du show-business. Plus les rémunérations des artistes sont importantes, plus ils ont de pouvoir à la Sacem.
Que pourrait-on souhaiter pour mieux respecter les droits et les rémunérations des artistes ?
Des modèles économiques plus équitables
Fin du modèle « Pro Rata »: On pourrait espérer voir des plateformes adopter un modèle « User-Centric » où les revenus générés par chaque utilisateur sont distribués aux artistes qu’il écoute réellement.
Une tarification flexible: Permettre aux artistes de fixer leurs propres prix sur les plateformes de streaming pourrait être une façon de valoriser leur travail.
Une transparence accrue
Open Data: Une plus grande transparence sur la répartition des revenus et les méthodes de calcul pourrait être rendue possible grâce à des technologies comme la blockchain.
Des rapports en temps réel: Les artistes pourraient avoir accès à des rapports en temps réel sur leur performance, grâce à des outils d’analyse plus sophistiqués.
Empowerment des artistes
Outils de gestion des droits: On pourrait envisager des plateformes où les artistes gèrent eux-mêmes leurs licences et droits, avec la possibilité de les ajuster en temps réel.
Monétisation directe: Intégrer des options comme les pourboires, les micro-transactions ou les abonnements premium directement dans les plateformes de streaming pour une rémunération additionnelle.
Technologie et innovation
La Blockchain et NFTs: Ces technologies pourraient devenir la norme pour la gestion des droits et la vérification des œuvres, rendant le processus plus transparent et sécurisé.
L’intelligence Artificielle: L’IA pourrait aider à mieux traquer l’usage des œuvres et donc à mieux rémunérer les artistes, surtout pour des usages moins conventionnels comme les samples ou les remixes.
Législation et régulation
Une harmonisation des lois: harmoniser la rémunération des artistes supposerait d’harmoniser le droit d’auteur à l’échelle internationale. Cela faciliterait la gestion des droits et permettrait une meilleure rémunération des artistes.
Des incitatifs fiscaux: Des incitations pour encourager les pratiques éthiques des plateformes, comme des réductions d’impôts pour celles qui adoptent un modèle économique plus équitable.
Des sanctions: Imposer des sanctions plus strictes aux plateformes qui ne respectent pas les droits des artistes pourrait également être un levier de changement.
Dans cette vision prospective, le but serait de créer un nouvel écosystème où les artistes sont rémunérés de manière plus juste et transparente, tout en ayant un meilleur contrôle sur leurs œuvres. Ce serait une évolution favorable pour les musiciens, auteurs, et compositeurs.
Pour conclure
Compliqué, tout çà, vous ne trouvez pas ? Une chose est certaine : depuis une bonne quinzaine d’années la dématérialisation de la musique sur internet a bouleversé complètement la question des rémunérations des artistes.
Elle a mis en péril la vente des supports physiques (les disques) qui ont chuté drastiquement au cours des 10 dernières années.
Les plateformes musicales en ligne apportent à la fois aux artistes de nouvelles possibilités de se faire entendre sur toute la planète, ce qui est positif. Mais elles portent atteinte aux justes rémunérations des artistes.
Toujours plus d’artistes diffusés, mais toujours moins de rémunérations des artistes pour leurs diffusions.
Le constat : ce système économique est en pleine mutation, dans le désordre et la rapidité propres à notre univers numérique. Même si pas mal d’acteurs sont de bonne foi, l’ampleur du problème est telle qu’on n’est pas près de trouver le système idéal qui garantirait de justes rémunérations des artistes.
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Vous êtes musicien, podcasteur, ou simplement un passionné de l’audio ? Vous vous demandez quel type de studio audio conviendrait le mieux à vos projets ? Dans cet article, nous allons explorer 6 options de studio audio, du home studio amateur jusqu’au studio audio professionnel.
Pour chaque option, nous aborderons les objectifs de production, les moyens techniques nécessaires et les compétences que vous devrez acquérir.
Bien évidemment, ces 6 options cohérentes sont destinées avant toute chose à y voir clair. Et ne perdez jamais de vue que vous pouvez évoluer progressivement d’une option à une autre, au fur et à mesure que vous allez avancer et monter en compétences.
Vous pouvez aussi écouter cet article :
1. Le Home Studio Loisirs
C’est typiquement la bonne manière de démarrer dans la production audio, de se faire les dents avec un studio audio amateur. Pas d’investissement coûteux. Donc aucun risque à mettre les mains dans le cambouis.
Que vous ayez déjà une pratique musicale ou non, n’hésitez pas à vous lancer. Cela vous permettra également de jauger les difficultés, les compétences à acquérir et de comprendre dans quoi vous vous plongez.
Objectifs de Production
Enregistrement de maquettes
Apprentissage des bases de l’audio
Moyens Techniques
Micro USB : 50€ – 100€
Logiciel audio gratuit : basique (Audacity) ou plus complet (MuLab)
Plugins de base inclus dans le logiciel
Casque audio : 50€ – 100€
Local : une table dans une chambre ou une pièce de votre appartement
Compétences Nécessaires
Bases de l’enregistrement audio
Enregistrement et Montage simples
Utilisation de plug-ins de base
Budget Total : 100€ – 200€
2. Le Studio Podcast
Pour vous lancer dans le podcast, pas besoin d’un énorme studio audio. Un ordinateur, un casque, un logiciel audio basique et au moins un bon micro pour la parole suffisent.
Ensuite, je vous conseille de mettre le paquet sur une bonne formation pour préciser et consolider votre projet de podcast, bien prendre en compte les particularités des techniques de la parole, les contraintes de l’écosystème des podcasts.
Objectifs de Production
Production de podcasts de bonne qualité
Interviews
Montage des voix et mixage des illustrations sonores
Moyens Techniques
1 Micro usb ou 2 Micros voix : 100€ à 200€
Interface audio : 200€ – 400€
2 micros cravate pour smartphone : 280€
Logiciel audio gratuit : Audacity ou MuLab
Local : une table dans une chambre ou une pièce de votre appartement
Compétences Nécessaires
Prise de son des voix parlées
Techniques d’interview
Montage avancé et Mixage simple
Budget Total : 300€ – 800€
3. Le Home Studio Passion
Généralement, on fait passer son studio audio dans cette catégorie, quand on a attrapé le virus de la production et quand on y passe beaucoup de temps.
La passion est nécessaire pour pouvoir envisager de faire carrière ensuite dans ces métiers créatifs. C’est en tout cas ce que je pense, c’est mon expérience dans ce domaine qui ne souffre pas la médiocrité.
Le studio audio Passion est somme toute l’évolution naturelle du studio audio Loisirs. Et il sera peut-être la marche vers la catégorie supérieure que nous verrons plus tard.
Objectifs de Production
Enregistrement de chansons complètes
Mixages multipistes de bonne qualité
Moyens Techniques
Micro de studio à condensateur : 200€ – 500€
Interface audio : 200€ – 400€
Moniteurs de studio : 200€ – 400€
Logiciel audio intermédiaire (Reaper ou MuLab) : 60€
Local : une pièce entière dédiée à votre studio audio
Compétences Nécessaires
Techniques d’enregistrement avancées
Mixage
Mastering de base
Budget Total : 660€ – 1 360€
4. Le Studio Musiciens – Compositeurs
Si vous êtes compositeur ou musicien·ne, même amateur, vous avez intérêt à tout de suite envisager cette option, car vous êtes certain·ne d’avoir besoin d’un studio audio pour enregistrer, travailler vos compos, mixer les commandes musicales qui vous font ou vous feront vivre.
Le studio audio personnel est devenu un outil indispensable pour tous les musiciens et a fortiori pour tous les compositeurs.
Objectifs de Production
Production musicale de haute qualité
Enregistrements multipistes
Composition et arrangement
Moyens Techniques
Micros à ruban ou à condensateur : 1000€
Interface audio haut de gamme : 300€ – 600€
Moniteurs de studio : 300€ – 600€
Logiciel DAW professionnel (Cubase, Logic Pro ou Pro Tools) : 600€
Plugins professionnels Waves, Native : 1 500€
Local : grande pièce indépendante (sous-sol, garage, grenier aménagés)
Compétences Nécessaires
Techniques de prise de son stéréo et multipistes
Techniques de prise de son stéréo et multipistes
Mixage et mastering avancés
Connaissances en acoustique musicale, théorie musicale et pratique instrumentale
Vous poursuivez un but commercial avec votre studio audio, c’est à dire vendre vos prestations audio à des clients, entreprises, labels, musiciens etc …
Il vous faut alors une installation plus définitive et plus démonstrative. Votre studio audio doit donner confiance et impressionner vos futurs clients. Ce sera souvent la visite du studio audio qui décidera votre client, ou pas !
Evidemment, derrière le visuel, le design et l’étalage des machines, il vous faudra assurer au niveau du résultat.
Objectifs de Production
Services d’enregistrement audio pour musiciens, compositeurs, entreprises, agences de communication et boites de production audiovisuelle
Production musicale, audiovisuelle
Post-production : doublage de voix, mixage de films, mastering …
Moyens Techniques
Micros de studios professionnels : 1 000€ – 2 000€
Équipement de traitement acoustique : 1 000€ – 2 000€
Moniteurs de studio : 600€ – 1 500€
Table de mixage : 5 000€
Logiciels professionnels spécialisés Cubase, Protools, Logic Pro, Final Cut Pro, Première : 3 000€
Plugins professionnels Waves, Native : 1 500€
Local : indépendant avec plusieurs pièces et pouvant accueillir des clients
Compétences Nécessaires
Gestion de projet
Toutes techniques audio et de post-production
Marketing et relations clients
Budget Total : 12 000€ – 15 000€
6. Le Studio Audio Professionnel
C’est le grand studio, bien équipé, bien installé, cossu et capable d’accueillir de grosses productions qui peuvent y mettre les moyens.
L’investissement peut être très conséquent. Le budget annoncé ci-dessous doit être considéré comme un minimum. Il faut donc avoir les reins solides, un projet construit et une grosse expérience professionnelle, ainsi que des références sérieuses dans le métier.
Je vous déconseille fortement de vous lancer sans tout çà et sans avoir élaboré un business plan très sérieux. La concurrence est rude et sévère dans le secteur.
Objectifs de Production
Production audio de niveau industriel
Services d’enregistrement multipistes, mixage et mastering pour la production musicale
Production pour médias et publicités
Moyens Techniques
Micros haut de gamme : 5 000€ – 10 000€
Studio insonorisé : 10 000€ – 20 000€
Moniteurs de studio : 1 000€ – 2 000€
Table de mixage : 5 000€
Logiciels de pointe : 3 000€
Plugins professionnels Waves, Native : 1 500€
Compétences Nécessaires
Expertise en ingénierie du son
Gestion d’équipe
Networking professionnel
Budget Total : 25 500€ – 41 500€
Pour aller plus loin
Voilà, vous avez maintenant une idée des différentes options qui s’offrent à vous en matière de studio audio. Chaque option a ses avantages et inconvénients, mais surtout le choix dépendra de vos objectifs, de votre budget et de vos compétences. Alors, prêt à monter votre studio ?
Mais vous avez peut-être déjà commencé. Pouvez-vous évaluer votre studio audio et vous situer dans une de ces 6 options ?
Vous pouvez très bien commencer en amateur (option 1) et vouloir petit à petit vous professionnaliser. Jusqu’à peut-être même créer votre propre entreprise de production (options 5 et 6).
Mais pour aller plus loin, vous pouvez vous faire accompagner par des formateurs, des conseillers en audio professionnel. Ce sont souvent les mêmes.
En effet, internet et les réseaux sociaux peuvent vous apporter en la matière plein de connaissances en vrac, mais la cohérence ne peut se trouver qu’auprès de professionnels capables de transmettre leurs compétences, leurs savoirs, leur métier.
Audio Formations
Vous propose des formations en lien direct avec ce que nous venons d’évoquer dans cet article :
Si vous êtes musicien, producteur ou même podcasteur, l’idée de construire un home studio de qualité professionnelle a sans doute traversé votre esprit. Mais qui a les moyens de débourser une fortune en équipement ? Pas de panique ! Voici 9 conseils pour construire votre home studio pro avec un budget limité. Conseils pratiques et recommandations pour ne pas casser la banque.
Vous pouvez aussi écouter cet article :
1. Établissez et ajustez votre budget
Une approche intelligente commence par un budget bien défini. Utilisez des feuilles de calcul ou des applications de gestion de budget pour noter le coût de chaque élément dont vous aurez besoin : ordinateur, interface audio, microphone, logiciels, haut-parleurs, etc.
Ce budget initial n’est pas gravé dans le marbre. Le monde du matériel audio évolue constamment, et vous pourriez tomber sur une excellente affaire que vous ne voudriez pas manquer. Alors, ayez toujours un petit fonds d’urgence pour ces opportunités.
Nous reviendrons plus tard sur les priorités qui sont trop souvent méconnues et sujettes à des malentendus. Il est nécessaire de les connaitre pour construire votre home studio avec un budget limité.
2. Choisissez l’emplacement idéal
L’emplacement de votre home studio jouera un rôle primordial dans la qualité de vos enregistrements et de vos productions en général. Un espace loin des bruits de rue ou des pièces animées de la maison est idéal.
Tâchez également d’évaluer les éventuelles nuisances sonores que vous pourriez faire subir à vos voisins. Faites quelques tests préalables en collaboration avec eux. Il n’est pas rare qu’un projet de home studio dans un immeuble tombe à l’eau pour cette raison car l’isolation phonique est très technique et peut être très coûteuse.
Une pièce de volume important vous permettra de passer tous types de projets de production. Une pièce de 16m2 conviendra parfaitement pour vos projets solo. 60 m2 permettra d’enregistrer jusqu’à 8 musiciens en simultané.
Ne divisez pas votre pièce en 2 pour faire une cabine séparée. Ce serait dans la plupart des cas une très grave erreur !
3. Faites des recherches sur les équipements
Internet est une mine d’or d’informations. Utilisez des forums spécialisés, lisez des articles comparatifs et regardez des vidéos YouTube pour établir la liste de votre matériel. Consultez les sites de vente en ligne pour comparer les prix et lire les avis des utilisateurs.
Toutes ces recherches sont très utiles pour vous informer des tendances du marché de l’équipement. Attention toutefois de ne pas vous fier à ce que vous trouvez sur le web pour faire vos choix. Faites plutôt appel à une ou plusieurs personnes qualifiées pour faire le tri. Attention tout choix ou conseil peut être subjectif.
4. Achetez d’occasion pour votre home studio pro avec un budget limité
L’achat d’occasion est une excellente manière d’économiser, mais cela nécessite de prendre certaines précautions. Toujours vérifier l’état de l’équipement, demander des garanties, et si possible, rencontrer le vendeur pour tester l’appareil vous-même.
Mais il est certain qu’on peut trouver du matériel intéressant en très bon état sur des plateformes sécurisées comme Le Bon Coin. Par contre soyez très prudents sur les forums spécialisés et les groupes Facebook qui sont souvent peuplés d’escrocs.
Un conseil pour les paiements : jamais de liquide ! Utilisez les formules de paiement sécurisé (LeBonCoin) ou Paypal qui vous permettent également d’être remboursé en cas d’arnaque.
5. Investissez dans des bases solides
Ne lésinez pas sur l’ordinateur, l’interface audio, le micro et les haut-parleurs. Ils sont le cœur de votre home studio.
Un ordinateur rapide avec beaucoup de RAM et de stockage vous fera gagner du temps. Un ordinateur standard d’aujourd’hui avec 16Mo de RAM et un 500 Go d’espace disque suffisent largement pour faire de l’audio.
Une interface audio de qualité assurera que votre son est capturé fidèlement. Elle sera aussi fonction des projets audio que vous envisagez. Réaliser des podcasts peut même se faire sans interface audio.
Ce sont aussi deux postes que vous pouvez faire évoluer progressivement en fonction de vos besoins.
Un bon micro de studio peut faire la différence entre un son amateur et professionnel. Et les moniteurs de studio aussi sont très importants car ils vous permettent de contrôler efficacement votre son en mixage et mastering. Ce sont là 2 équipements durables, indémodables et indispensables.
Si vous vous équipez tout de suite avec une qualité suffisante, vous investissez là pour la vie. Alors, faites-en une priorité. Ci-dessous : un micro Neumann TLM103 et une paire de moniteurs Focal Alpha sont une base très solide pour votre home studio pro avec un budget limité.
6. Do It Yourself pour l’acoustique
Si vous êtes habile de vos mains, pourquoi ne pas créer vos propres solutions acoustiques ? Des panneaux faits maison utilisant de la laine de roche recouverte de tissu peuvent être à la fois efficaces et esthétiques.
Plus simplement des rideaux, des tentures font très souvent l’affaire pour améliorer efficacement l’acoustique pour un coût dérisoire. Cette étape vous permettra aussi de personnaliser votre espace tout en optimisant l’acoustique.
Un principe général est que l’utilisation de matériaux absorbants réduira les mauvaises réflexions surtout dans les petites pièces.
Et ne confondez pas isolation phonique et traitement acoustique.
7. Logiciels gratuits ou open-source
Pas besoin de casser tout de suite la tirelire pour de gros logiciels. Audacity, Reaper, et même certains DAWs (Digital Audio Workstations) proposent des versions gratuites ou peu coûteuses qui sont plus que suffisantes pour commencer.
Upgrader sera toujours possible lorsque vous en ressentirez le besoin et que vous aborderez de plus gros projets de production musicale.
8. Composez logiquement votre chaîne audio
Votre chaîne audio doit être bien pensée. Chaque élément, du micro à l’interface audio, puis au logiciel de mixage, doit être compatible avec les autres. Vérifiez les spécifications, les formats pris en charge et assurez-vous que tout est cohérent pour éviter les mauvaises surprises.
Attention donc aux solutions miracles ou aux marques exotiques. Par contre, si vous restez dans les marques et les produits standards sur le marché professionnel, vous réduisez considérablement les risques.
C’est inutile et même souvent nuisible de chercher l’originalité en matière d’équipement de studio. Ce n’est absolument pas là qu’il faut être créatif.
9. Économisez sur les accessoires, mais pas sur la qualité
Les accessoires comme les câbles, les supports de micro et les filtres anti-pop peuvent être coûteux. Cependant, il existe des alternatives économiques qui ne sacrifient pas la qualité. Comparez les prix en ligne, cherchez des lots ou des offres groupées, des promos et lisez toujours les avis avant d’acheter.
Un conseil personnel pour construire votre home studio pro avec un budget limité. Et je l’assume à 300% : ne faites pas trop confiance aux magasins du coin dont les vendeurs vont très souvent vous conseiller ce qu’ils ont dans la boutique et pas ce dont vous avez besoin. Il y a là un piège énorme à éviter absolument pour tous vos achats !
Conclusion
Créer votre home studio pro avec un budget limité est non seulement possible, mais aussi très réalisable. Ces premiers conseils ont pour objectif de vous fournir des informations nécessaires pour vous éviter de commettre de grosses erreurs.
Si vous voulez aller plus loin dans la mise en place de votre propre espace de création, ne vous précipitez pas ! Et dites-vous bien que la meilleure manière de ne pas vous planter est de prendre le temps d’acquérir les compétences adéquates.
Toute bonne formation audio commence d’ailleurs par faire le tour de cette question afin de poser préalablement des bases techniques saines et efficaces.
Pour aller plus loin
Audio Formations vous propose des formations professionnelles continues en ligne qui prennent toutes en compte cette étape cruciale de l’équipement pour vous permettre de créer votre home studio pro avec un budget limité :
Le podcasting est un média en plein essor qui offre aux créateurs une plateforme pour partager leur contenu et parler au monde entier. Si vous souhaitez vous lancer dans cette aventure passionnante et créer votre podcast, vous êtes au bon endroit !
En tant que formateur-expert en techniques audio et multimédia pour le web et la musique, je vous propose 7 étapes pour vous aider à créer votre podcast de A à Z en seulement 1 mois. Suivez ces étapes clés pour réaliser un podcast captivant qui attirera et fidélisera votre audience.
Vous pouvez aussi écouter cet article :
Étape 1 : Comprendre l’écosystème des podcasts
Avant de vous lancer dans la création de votre podcast, il est essentiel de comprendre l’écosystème dans lequel vous allez évoluer. Vous familiariser avec les différents formats de podcasts, les tendances émergentes, les thématiques populaires, les taux d’audience et les plateformes de diffusion les plus utilisées. Cette étape vous permettra d’affiner votre stratégie et de cibler efficacement votre audience, en vous démarquant dans un paysage podcastique en constante évolution.
Étape 2 : Acquérir les rudiments de la production audio
La qualité audio est un aspect crucial pour capter l’attention de votre audience. Elle est même une nécessité : un podcast qui n’est pas de qualité technique professionnelle ne sera tout simplement pas écouté dans le flux énorme des podcasts sur le web.
Apprendre les bases de la production audio, notamment comment choisir le bon micro, prendre le son correctement, maîtriser l’édition sonore et le mixage n’est pas si complexe que çà, même pour un ou une débutant ·te.
En comprenant les principes fondamentaux de la production, vous pourrez créer des épisodes de podcast de haute qualité qui donneront une expérience d’écoute agréable à vos auditeurs. Et c’est primordial pour les garder avec vous.
Étape 3 : Vous équiper pour créer votre podcast sans faire de dépenses inutiles
La création de podcasts ne nécessite pas nécessairement un investissement coûteux, pour peu qu’on ne se perde pas dans la jungle des micros et des logiciels. Je peux vous guider utilement pour trouver des équipements de qualité adaptés à votre budget et apprendre à tirer le meilleur parti des outils et logiciels gratuits disponibles en ligne pour créer votre podcast. Vous découvrirez que vous pouvez obtenir des résultats professionnels sans faire de dépenses inutiles.
Étape 4 : Trouver votre voix de podcast
Votre voix est votre signature en tant que podcasteur. Il s’agit de trouver votre tonalité unique et personnelle qui reflète votre personnalité et l’essence de votre podcast.
Mais avant çà il vous faut dépasser l’appréhension de parler au micro, de re-écouter votre voix et surtout de l’accepter. En trouvant votre propre voix de podcast, vous vous démarquerez dans la foule et créerez un lien profond avec votre audience. Vous leur parlerez à l’oreille et c’est primordial si vous voulez créer votre podcast.
Vous avez déjà une voix, votre propre voix : il s’agit de la redécouvrir, de l’accepter, de l’affiner et de la renforcer pour captiver instantanément votre public dès les premières secondes de chaque épisode.
Étape 5 : Apprendre à scripter vos épisodes de podcast
Un bon script est essentiel pour maintenir l’intérêt de votre audience tout au long de votre podcast. Il vous faut apprendre les techniques de narration et d’écriture qui rendront votre contenu captivant et fluide.
Et surtout apprendre à écrire pour la voix parlée, ce qui n’est pas si facile, pas évident en tout cas.
En structurant vos épisodes de manière efficace, vous offrirez une expérience d’écoute agréable, tout en transmettant efficacement vos idées et vos messages à votre audience.
Étape 6 : Mettre en ligne votre chaîne de podcasts
Une fois que vous avez enregistré vos épisodes et que vous êtes prêt à les partager avec le monde, vous devrez les mettre en ligne sur les plateformes de diffusion.
Trouver le bon hébergement pour votre chaîne de podcasts. Apprendre à créer un flux RSS et à soumettre votre podcast sur des plateformes telles que Apple Podcasts, Spotify, Google Podcasts, etc. pour gagner en visibilité et toucher une audience plus large. C’est plus technique, mais c’est aussi çà créer votre podcast !
Étape 7 : Promouvoir vos podcasts pour avoir une audience
La promotion est essentielle pour attirer une audience fidèle. Découvrez des stratégies de marketing efficaces pour promouvoir votre podcast : l’utilisation des réseaux sociaux, la collaboration avec d’autres créateurs de contenu, la participation à des événements et la sollicitation des avis des auditeurs. Vous apprendrez également à fidéliser votre audience pour créer une communauté engagée autour de votre podcast.
Conclusion :
Félicitations ! Vous connaissez désormais toutes les étapes nécessaires pour créer votre podcast. En comprenant l’écosystème des podcasts, en maîtrisant les techniques de production audio, en trouvant votre voix unique, en écrivant des scripts convaincants et en promouvant activement votre contenu, vous êtes prêt à créer votre podcast et à faire une entrée remarquée dans le monde du podcasting.
Mais comment faire tout çà en 1 mois ?
Vous n’y arriverez sans doute pas sans vous organiser, sans être accompagné, sans structurer et prioriser vos efforts.
C’est exactement ce que je vous propose dans cette formation en ligne pour vous faire gagner beaucoup, beaucoup de temps. Généralement, les personnes qui se lancent toutes seules mettent 6 mois pour créer leur podcast et très souvent le résultat est bancal, décevant même. Elles risquent bien de laisser tomber leur projet, très vite…
Si vous voulez gagner beaucoup de temps, aller droit au but et atteindre tout de suite un résultat convaincant, je peux vous accompagner dans ces 7 étapes de ma formation à distance qui vous conduira tout droit à votre but : créer votre podcast, c’est à dire votre chaine de podcasts en 1 mois.
Concevoir, Réaliser et Diffuser vos podcasts de A à Z
Et n’hésitez pas à me contacter pour prendre un rendez-vous téléphonique dans lequel nous ferons le tour de toutes vos questions, de votre projet de podcast, des prises en charge possibles en fonction de votre situation professionnelle et des dates de session.
Alors, lancez-vous et partagez votre passion avec le monde entier ! Je suis impatient de vous accompagner dans votre aventure podcastique, pour créer votre podcast !
Dans le monde de la production audio, la performance de votre ordinateur est essentielle. Que vous soyez musicien, producteur ou technicien, vous avez probablement déjà rencontré ce problème : la saturation du processeur lors de l’utilisation de votre logiciel audio.
Ce problème peut bloquer votre processus créatif et affecter la qualité de votre travail. Nous allons explorer pourquoi il se produit une saturation du processeur et comment vous pouvez la résoudre.
Vous pouvez aussi écouter cet article :
Comprendre le rôle du processeur dans la production audio
Le processeur, ou CPU, est le cerveau de votre ordinateur. Il est responsable de l’exécution des instructions de chaque programme que vous utilisez, y compris vos logiciels audio. En production audio, le processeur joue un rôle crucial dans le traitement des effets, des plugins, du mixage et plus encore : il calcule en temps réel tous les paramètres des sons qui sont lus ou enregistrés.
Mine de rien, c’est un travail énorme !
La saturation du processeur se produit à chaque fois que votre CPU est surchargé par trop de tâches à la fois, trop de calcul en temps réel. Cela peut se manifester par des problèmes que vous connaissez bien : des clics, des pops ou des retards dans votre audio, ce qui peut rendre votre travail de production carrément impossible en enregistrement, comme en mixage..
Pourquoi la saturation du processeur se produit dans votre logiciel audio ?
Il y a plusieurs raisons. L’une des causes les plus courantes est l’utilisation excessive de plugins ou d’effets. Chaque plugin que vous utilisez nécessite une certaine quantité de ressources CPU pour fonctionner. Si vous utilisez trop de plugins à la fois, ou si vous utilisez des plugins particulièrement gourmands en ressources, cela peut surcharger votre processeur.
De plus, la configuration de votre ordinateur peut également jouer un rôle. Par exemple, si votre ordinateur a une faible quantité de mémoire RAM ou un processeur plus ancien, il peut avoir du mal à gérer des tâches de production audio complexes.
Mais la saturation du processeur peut provenir d’autres mauvaises pratiques.
Comment prévenir et résoudre la saturation du processeur
La saturation du processeur peut être un défi majeur dans la production audio, mais il existe plusieurs stratégies que vous pouvez utiliser pour prévenir et résoudre le problème.
Voici 8 conseils détaillés pour optimiser l’utilisation de votre processeur :
Gérez correctement vos plugins : Les plugins sont essentiels pour la production audio, mais ils peuvent aussi être gourmands en ressources. Essayez de limiter le nombre de plugins que vous utilisez à la fois. Si vous utilisez un plugin qui est particulièrement gourmand en ressources, envisagez de chercher une alternative plus légère. De plus, n’oubliez pas de désactiver ou de supprimer les plugins que vous n’êtes pas en train d’utiliser. Chaque plugin actif consomme une partie de la puissance de votre processeur, même s’il n’est pas utilisé dans votre projet actuel.
Soignez vos prises de son : Avez-vous vraiment besoin de placer sur chaque piste un égaliseur à 4 bandes, un compresseur et une réverb ? Certainement pas ! Rien que çà peut être la cause de la saturation du processeur dans un projet de 16 pistes. Alors il existe une stratégie à 200% de rendement pour vos productions : soigner vos prises de son avec un seul bon micro, bien placé devant votre instrument, sans aucun effet ni égalisation à la prise, directement vers votre préampli d’entrée. En prenant cette précaution, vous n’aurez quasiment pas besoin de plugins sur votre piste, donc vous allez réduire drastiquement les risques de saturation du processeur et en plus le son de votre production n’en sera que meilleur.
Utilisez les effets de réverbération en send, pas en insert : Les effets de réverbération sont sans doute les plus gourmands en ressources CPU. Ils sont souvent la cause de la saturation du processeur. Une technique courante pour économiser les ressources du processeur est d’utiliser ces effets en send, plutôt qu’en insert. Lorsque vous utilisez un effet en send, vous créez une piste d’effet séparée que vous pouvez utiliser pour plusieurs pistes. Cela signifie que votre processeur n’a besoin de traiter l’effet qu’une seule fois, plutôt que de le traiter séparément pour chaque piste. C’est une technique particulièrement utile pour les effets de réverbération, qui sont souvent utilisés sur plusieurs pistes dans un mix.
Réglez vos paramètres de qualité : De nombreux logiciels audio vous permettent de régler les paramètres de qualité. Ils peuvent affecter la quantité de ressources CPU que votre logiciel utilise. Par exemple, des paramètres de qualité plus élevés peuvent produire un son de meilleure qualité, mais ils peuvent aussi surcharger votre processeur. Si vous rencontrez des problèmes de saturation du processeur, essayez de réduire ces paramètres. Vous pouvez également essayer de travailler avec des paramètres de qualité inférieurs pendant la phase de création, puis augmenter la qualité lorsque vous êtes prêt à finaliser votre projet. Les paramètres de qualité dans les logiciels audio se réfèrent généralement à la résolution et à la profondeur de bit de l’audio que vous travaillez. Ces paramètres peuvent avoir un impact significatif sur la consommation de ressources CPU, donc sur une éventuelle saturation du processeur.
La résolution audio souvent mesurée en kilohertz (kHz), détermine la fréquence d’échantillonnage de votre audio. Une résolution plus élevée signifie que l’audio est échantillonné plus fréquemment, ce qui peut produire un son de meilleure qualité. Cependant, une résolution plus élevée nécessite également plus de ressources CPU. Par exemple, travailler avec de l’audio à 96 kHz nécessite plus de ressources CPU que de travailler avec de l’audio à 44,1 kHz. Alors 48 kHz est une résolution se qualité et pas trop gourmande.
La profondeur de bit mesurée en bits, détermine la quantité de données utilisées pour représenter chaque échantillon audio. Une profondeur de bit plus élevée peut produire un son de meilleure qualité, mais elle nécessite également plus de ressources CPU. Par exemple, travailler avec de l’audio à 32 bits est plus gourmand que de travailler avec de l’audio à 16 bits. 24 bits est tout à fait raisonnable et suffisant même pour les calculs très complexes. Dans votre logiciel audio, vous pouvez ajuster ces paramètres de qualité en fonction de vos besoins. Si vous rencontrez des problèmes de saturation du processeur, vous pouvez essayer de réduire la résolution ou la profondeur de bit de votre projet. Cependant, gardez à l’esprit que cela peut également affecter la qualité de votre son. Il est donc important de trouver un équilibre entre la qualité du son et les performances de votre processeur. Définitivement, 24 bits 48 kHz est l’idéal pour éviter une saturation du processeur !
Améliorez la configuration de votre ordinateur : Si votre ordinateur a du mal à gérer vos projets audio, il se peut que vous ayez besoin d’améliorer sa configuration. L’ajout de mémoire RAM peut aider votre ordinateur à gérer plus efficacement plusieurs tâches à la fois. On recommande en général 16 Mb de Ram au minimum.
De même, la mise à niveau de votre processeur peut augmenter la quantité de traitement que votre ordinateur peut gérer. Mais c’est rare, car les ordinateurs d’aujourd’hui ont des processeurs largement suffisants pour traiter l’audio. Bien ventiler votre machine en période de canicule peut aussi être nécessaire pour maintenir les performances et éviter la saturation du processeur.
Utilisez des outils de surveillance du processeur : Ils sont nombreux et peuvent vous donner une idée de la quantité de ressources CPU que vos logiciels et plugins utilisent, et vous aider à identifier les problèmes potentiels avant qu’ils ne provoquent une saturation du processeur. Certains logiciels audio ont même des outils de surveillance intégrés que vous pouvez utiliser.
Gestionnaire des tâches (Windows) / Moniteur d’activité (Mac) : Ces outils intégrés à votre système d’exploitation vous permettent de voir combien de ressources CPU sont utilisées par chaque application et processus sur votre ordinateur. Ils peuvent vous aider à identifier les applications qui consomment beaucoup de ressources CPU.
CPU-Z : C’est un outil gratuit qui fournit des informations détaillées sur votre processeur, y compris sa charge actuelle. Il est disponible pour Windows et Android.
HWMonitor : C’est un outil de surveillance du matériel qui peut vous donner des informations détaillées sur l’utilisation de votre processeur, ainsi que sur d’autres aspects de votre système, comme la température de votre processeur et la vitesse de votre ventilateur. Il est disponible pour Windows.
iStat Menus (Mac) : C’est un outil de surveillance du système pour Mac qui peut vous donner des informations détaillées sur l’utilisation de votre processeur, ainsi que sur d’autres aspects de votre système.
Intel Power Gadget : Si vous avez un processeur Intel, cet outil peut vous donner des informations détaillées sur l’utilisation de votre processeur et sa température. Cependant, gardez à l’esprit que la surveillance constante de votre processeur peut également consommer des ressources, donc utilisez ces outils de manière judicieuse, c’est à dire pas en permanence.
Optimisez votre système d’exploitation : Votre système d’exploitation peut également affecter les performances de votre processeur. Assurez-vous que votre système d’exploitation est à jour et que vous avez désactivé toutes les applications et services inutiles qui pourraient consommer des ressources CPU.
Lorsque vous faites du son ou de la vidéo, déconnectez-vous d’internet et fermez toutes les autres applications. De plus, certains systèmes d’exploitation ont des paramètres d’optimisation spécifiques que vous pouvez ajuster pour améliorer les performances de votre processeur.
Utilisez le rendu hors ligne : Le rendu hors ligne, ou « bounce » ou encore « gel de piste » est une technique utilisée dans la production audio pour réduire la charge sur le processeur de l’ordinateur. Lorsque vous « gelez » une piste, le logiciel audio crée une version temporaire de la piste avec tous les effets et plugins appliqués. Cette version est enregistrée en tant que fichier audio, ce qui signifie que le logiciel n’a plus besoin de traiter les effets et plugins en temps réel. Voici comment cela fonctionne généralement :
– Sélectionnez la piste à geler : Choisissez la piste sur laquelle vous avez appliqué des effets ou des plugins qui consomment beaucoup de ressources CPU.
– Gelez la piste : Utilisez la fonction de gel de piste de votre logiciel audio pour créer une version audio de la piste. Cette version inclura tous les effets et plugins que vous avez appliqués à la piste.
– Travaillez sur votre projet : Une fois la piste gelée, vous pouvez continuer à travailler sur votre projet comme d’habitude. La piste gelée sera lue comme un fichier audio normal, ce qui signifie qu’elle utilisera beaucoup moins de ressources CPU.
– Dégelez la piste si nécessaire : Si vous devez apporter des modifications à la piste, vous pouvez la « dégeler », ce qui vous permettra de modifier les effets et les plugins. Une fois que vous avez terminé, vous pouvez à nouveau geler la piste pour réduire la charge sur votre processeur. Le gel de piste est un outil très utile pour éviter la saturation du processeur, surtout si vous travaillez sur un projet complexe avec de nombreux effets et plugins.
Cependant, gardez à l’esprit que le gel de piste crée une version audio de la piste à un moment précis, donc si vous apportez des modifications à la piste après l’avoir gelée, vous devrez la dégeler et la regeler pour que ces modifications soient prises en compte.
Ce qu’il faut éviter : une piste audio pleine de plugins mène tout droit à la saturation du processeur
En mettant en pratique ces conseils, vous pouvez prévenir la saturation du processeur, optimiser son utilisation et améliorer la qualité de votre production audio.
Pour conclure et aller plus loin
La saturation du processeur peut être un obstacle majeur dans la production audio, mais en comprenant pourquoi cela se produit et en prenant des mesures pour le prévenir et le résoudre, vous pouvez améliorer la performance de votre ordinateur et la qualité de votre travail. Pas la peine de changer d’ordinateur, commencez par bien l’utiliser.
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Pour aller plus loin, gagner beaucoup de temps et atteindre une qualité professionnelle pour vos productions audio et musicales, vous avez sans doute besoin de vous former sérieusement.
Si vous êtes débutant·e en réalisation audio, vous ne les entendez peut-être même pas, ces clics qui peuvent parsemer votre montage-son. Mais si vous êtes déjà expérimenté, vous ne savez sans doute pas comment les éliminer.
Si vous êtes dans ce cas, cet article est fait pour vous, pour vous donner les 6 précautions à prendre pour éviter les clics en montage audio.
Vous pouvez aussi écouter cet article :
Il y a 2 grandes familles de clics, pourrait-on dire, qui peuvent provenir de mauvaises manips de différentes natures, que ce soit en réalisation de podcasts ou en production musicale.
Les clics de montage ou de mixage
1. Évitez les coupures à des niveaux non nuls :
Lorsque vous coupez une piste audio, faites-le toujours à des points où la forme d’onde passe par le point zéro. Les coupures brusques à des niveaux non nuls créent des clics audibles.
C’est la cause principale des clics au montage et voici la technique utile en détail pour les prévenir. Là où vous allez couper votre son, zoomez à fond sur la forme d’onde. Ceci vous permet de couper exactement à un point zéro de la courbe. Ca va vous prendre du temps, mais ca vaut le coup.
Une autre manière cette fois d’anticiper est d’activer la fonction Caler à un point zéro que vous allez trouver là dans Cubase :
Une fois activée, c’est le logiciel qui va placer votre point de coupe sur le point zéro le plus proche et ainsi éviter pour toujours la plupart des clics de montage.
sur Logic Pro :
La même fonction existe sur Logic Pro dans le menu général Edition , cochez Caler les éditions sur les passages à zéro
2. Utilisez des fondus enchaînés (Fade In/Fade Out) :
Les fondus enchaînés peuvent aussi vous aider à minimiser les clics en lissant les transitions entre différentes parties d’un enregistrement. Ils sont particulièrement utiles lorsque vous combinez plusieurs prises ou lorsque vous supprimez des sections d’un enregistrement.
Au début d’un son, placez un fade-in très court qui ne va pas modifier l’attaque du son, mais qui va éviter que le son commence par un clic. A la fin d’un son ou de votre morceau, vous laissez un petit temps de silence. Placez-là un fade-out qui peut-être un peu plus long, de manière à ce que le son se termine toujours par un volume à zéro.
En plus les fades in et out auront l’avantage de mieux gérer l’éventuel bruit de fond avant ou après le son. C’est à dire de le masquer efficacement. Personnellement, je fais toujours çà au début et à la fin d’un morceau avant de l’exporter.
Les clics parasites ou craquements
3. Nettoyage de la piste audio :
Utilisez des outils de nettoyage du son. Des outils tels que les filtres passe-haut et les plugins éliminateurs de clics (par exemple Izotope) peuvent aider à réduire ou à éliminer les clics indésirables. Personnellement, je n’utilise ce genre d’outils qui détectent automatiquement ou bien filtrent carrément le son, qu’en cas de besoin absolu, quand tout a échoué ou en cas de restauration audio. En effet, à chaque fois qu’on filtre ou qu’on détecte automatiquement, on altère le son et des artefacts gênants peuvent apparaître.
4. Gestion des niveaux d’entrée :
Une trop grande amplitude du signal d’entrée peut provoquer une saturation et donc des clics ou plutôt des craquements. Assurez-vous que les niveaux d’entrée sont correctement réglés lors de l’enregistrement.
5. Assurez une alimentation stable :
Les fluctuations de courant peuvent également provoquer des clics. Utilisez un onduleur ou une source d’alimentation stable pour éviter ce problème.
NB : ce genre d’instabilités ne surviennent en principe que dans certaines zones rurales. En effet plus vous êtes en fin de réseau, moins le courant fourni par EDF est stable. Vous ne vous en apercevez pas au quotidien, mais cela peut affecter certains appareils, comme par exemple les ordinateurs et notamment dans des applications audio ou vidéo qui utilisent beaucoup de processeur.
Mais c’est une cause assez rare de clics ou de craquements.
6. Préparez correctement votre matériel :
Assurez-vous que vos équipements audio sont en bon état avant de commencer l’enregistrement. Un microphone défectueux, un câble abîmé ou une interface audio défectueuse peut causer des clics, des craquements, des buzzes ou d’autres problèmes audio indésirables.
Pour aller plus loin
Ce genre de petits désagréments (clics, craquements, parasites, etc…) peut vous faire perdre un temps considérable lorsque vous travaillez sur votre logiciel audio. J’en sais quelque chose, je l’ai vécu il y a 30 ans quand j’ai commencé à l’arrache à faire de la production musicale en home studio.
Evidemment, ce n’est surtout pas ce que vous recherchez. Quand vous êtes dans votre flux créatif, il ne faut pas que des incidents techniques viennent l’interrompre et casser votre inspiration.
Voilà pourquoi je vous conseille fortement de vous former afin de connaître et utiliser les bonnes méthodes, les bons outils et les bons usages. Car l’essentiel en studio de création c’est bien sûr la dimension artistique : vous ne pouvez pas créer sereinement et atteindre un résultat de qualité professionnelle, si vous ne maitrisez pas les outils et les techniques.
C’est cela entre autres que je tiens à vous transmettre dans les formations en ligne :
Voici les gagnants des Prix du Podcast – Strasbourg 2023. Dans les 3 catégories, ils se sont engagés et ils ont gagné haut la main. Le jury les a récompensés et placés au palmarès officiel du grand concours de podcasts audio francophones entre malvoyants, non-voyants et voyants, proposé par Vue (d)Ensemble et Plan Sonore dans le cadre de la 5ème édition du Festival Entendez-Voir !
L’objectif de ces Prix du Podcast est de stimuler la création de podcasts auprès de tous : non-voyants, malvoyants, voyants, amateurs ou professionnels, podcasteurs, débutants comme confirmés…Ils nous ont magnifiquement raconté une histoire, sous forme d’interview, de portrait. Ils ont parlé de leur sujet favori, en documentaire ou en fiction, comme ils voulaient.
Nous attendions de la personnalité, de l’originalité, du senset du savoir-faire. Et le jury a été gâté !
Nous avons reçu une soixantaine de podcasts de France et d’Afrique. Un grand merci à tous d’avoir participé.
Dans chaque catégorie, le jury a préselectionné 6 podcasts, puis il a choisi les 3 gagnants. Il y en a donc au total 9 .
Dans la catégorie Débutants, seule l’idée, le désir, l’originalité et le potentiel d’un podcast a été récompensée, pas la réalisation technique. On pouvait très bien concourir avec un enregistrement sans montage effectué sur son smartphone.
Par contre, dans les catégories Expérimentés et encore plus dans la catégorie Pro, non seulement toutes ces qualités étaient attendues, mais la qualité et l’originalité de la réalisation était également notée.
Un grand merci au jury, à tous les participants et aux sponsors qui ont offert les récompenses. Que vous soyez gagnant·e ou non, ou si vous n’avez pas encore participé aux Prix du Podcast, nous vous donnons rendez-vous pour la prochaine édition du concours au printemps 2024.
En attendant, ouvrez tous grands vos micros et vos oreilles ! Et si vous n’avez encore jamais podcasté, c’est le moment de vous y mettre. Vous pensez que c’est difficile ? Non, le podcast est à la portée de toutes et tous.
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