À l’époque, pour la majorité des auditeurs, ce n’est qu’un argument marketing pour possesseurs de chaînes Hi-Fi onéreuses. Pourtant, nous sommes à l’aube d’une mutation qui va redéfinir notre manière d’écouter et de produire la musique.

En tant que formateur et professionnel du son et de la musique depuis 50 ans, j’ai vu défiler ces évolutions. Mais le passage du Mono à la Stéréo entre 1960 et 1970 reste la période la plus fascinante, car jusqu’à nos jours, elle a forcé les ingénieurs et les artistes à repenser l’espace, la profondeur et l’impact émotionnel du son.

La Genèse Technique : Le Sillon de la discorde

Si l’enregistrement stéréo a été inventé dès les années 30 par Alan Blumlein chez EMI, sa démocratisation a buté d’emblée sur un obstacle physique : le disque vinyle. 

Jusqu’en 1958, graver deux canaux sur un seul sillon relevait du défi. C’est l’adoption du système Westrex 45/45 qui a tout changé. En inclinant les parois du sillon à 45 degrés, on pouvait stocker le canal gauche sur un flanc et le droit sur l’autre.

Cependant en 1966, le parc de platines est encore largement mono. Passer un disque stéréo sur un vieil électrophone de l’époque était risqué : la tête de lecture, trop rigide verticalement, « labourait » littéralement le fond du sillon, détruisant les informations spatiales en une seule écoute.

C’est pourquoi les labels ont maintenu deux catalogues séparés jusqu’en 1968, créant une schizophrénie créative chez les producteurs.

Le Jazz et le « Trou au milieu » : L’expérience Tom Dowd

Le monde du Jazz, porté par un public audiophile, a plongé dans la stéréo bien avant la Pop. Chez Atlantic Records, l’ingénieur de génie Tom Dowd (un ancien physicien nucléaire !) utilisait des magnétophones 8-pistes dès 1957.

Prenez l’album My Favorite Things (1960) de John Coltrane. À l’écoute, le choc est total pour une oreille moderne : le saxophone et la basse sont totalement à droite, le piano et la batterie totalement à gauche. Le centre ? Il est vide. C’est ce qu’on appelle le « Hole in the Middle ».

Pourquoi ce choix ? À l’époque, les consoles de mixage, comme la console Redd51 des studios Abbey Road, ne possédaient pas de potentiomètres panoramiques (Pan Pots) fluides. On disposait d’interrupteurs à trois positions : Gauche, Centre, Droite.

Pour garantir une clarté maximale, les ingénieurs séparaient radicalement les instruments. Cette « stéréo de ping-pong » cherchait à prouver physiquement à l’auditeur que ses deux enceintes fonctionnaient, quitte à sacrifier la cohérence musicale.

1966-1967 : Les Chefs-d’œuvre pensés en Mono

C’est ici que l’histoire devient passionnante. Les deux plus grands albums pop de cette période, Pet Sounds des Beach Boys (1966) et Sgt. Pepper’s des Beatles (1967), ont été conçus comme des œuvres discographiques Mono.

Le cas Brian Wilson (Beach Boys)

Brian Wilson était sourd de l’oreille droite. Pour lui, la stéréo n’avait aucun sens. Il a produit Pet Sounds en utilisant des techniques de « bounce down » (submixes ou prémixs) massives.

Une fois l’orchestre (le groupe instrumental) réduit à une seule piste mono pour laisser de la place aux voix, un vrai mixage stéréo devenait techniquement impossible. En effet, il ne disposait plus que de 3 pistes pour ajouter la voix principale, parfois une section de cordes et surtout les choeurs, tellement importants dans la musique de Brian.

La version stéréo sortie en 1966 était une « fausse stéréo » (Duophonic) médiocre : on égalisait différemment les pistes gauche et droite. Le système Duophonic de Capitol Records aura sévi pas mal d’années avant d’aboutir à une vraie stéréo.

Il aura fallu attendre 1997 pour qu’un ingénieur, Mark Linett, reconstruise une version stéréo digne de ce nom à partir des bandes multi-pistes originaux.

Notons que les autres majors, RCA et Columbia ont aussi pendant tout un temps passé à la moulinette de la même manière bon nombre de leurs masters Mono.

Les Beatles et la priorité au mixage mono

Pour Sgt. Pepper, les Beatles et George Martin ont passé 3 semaines à peaufiner le mixage mono. Ils y ont intégré des effets de vitesse (varispeed) et des traitements de phase complexes.

Le mixage stéréo, lui, a été expédié en 6 jours sans le groupe. Résultat ? La version mono possède une puissance, un « punch » et des détails que la version stéréo d’origine dilue totalement.

Nous reparlerons plus loin des Beatles avec l’histoire compliquée de leurs 2 fantastiques albums : le blanc et Let it Be.

Phil Spector : Le Prophète du « Back to Mono »

On ne peut parler de cette époque sans évoquer Phil Spector. Son « Wall of Sound » était une philosophie anti-stéréo. Spector entassait des dizaines de musiciens dans une petite pièce pour que le son « fuit » d’un micro à l’autre. Pour lui, cette « repisse » était la colle du morceau.

Son argument était imparable et reste d’actualité pour tout ingénieur du son : le contrôle.

« En mono, je décide exactement de ce que l’auditeur entend. En stéréo, si l’auditeur déplace son fauteuil, le mix change. »

Il y a une vérité fondamentale ici : en concert, la sono diffuse en mono pour que chaque spectateur, où qu’il soit dans la salle, reçoive la même énergie. Spector voulait que ses disques aient cette même autorité, cette même force de frappe qui sort du juke-box ou du transistor.

Le Blues-Rock et la perte de cohésion

Le disque de John Mayall Blues Breakers with Eric Clapton (1966) illustre un autre danger de la stéréo mal maîtrisée. En mono, la guitare Les Paul de Clapton hurle à travers son Marshall dans un bloc sonore massif avec la batterie.

Lorsque la version stéréo sort enfin en 1969, la déception est technique : en isolant la guitare d’un côté et la batterie de l’autre, on brise la dynamique de groupe. Heureusement que la voix de John Mayall est au centre.

Dans les morceaux avec cuivres, les placements sont encore plus fantaisistes. Ce qui était une force en mono (la fusion des timbres) devient une faiblesse en stéréo (une dislocation spatiale).

Seuls les instrumentaux sortent du lot, avec la guitare de Clapton pile au centre.

Ecoutez les 2 versions sur Deezer, Spotify ou Apple Music, c’est très intéressant et très pédagogique pour toutes les personnes qui travaillent avec le son et la musique.

La Troisième Dimension : L’axe Z (Profondeur)

Vers la fin des années 60, quelques ingénieurs, les meilleurs, ont enfin compris que la stéréo ne consistait pas seulement à placer des éléments à gauche ou à droite (l’axe X), mais à créer de la profondeur (l’axe Z).

C’est l’utilisation savante de la réverbération, des délais et du placement fréquentiel qui a permis de créer des mixages immersifs. Un instrument avec moins de hautes fréquences et plus de réverbération semble reculer, tandis qu’une voix « sèche » et riche en haut-médiums s’impose à l’avant-plan.

Cette maîtrise de la profondeur est ce qui a permis à la stéréo de devenir enfin adulte et « musicale« . Enfin, disons plutôt qu’une minorité de bons mixeurs l’ont enfin compris, mais on peut encore aujourd’hui entendre bon nombre de mixages qui s’apparentent plus à la fameuse stéréo ping pong et c’est bien dommage.

De Coltrane à Kendrick Lamar : Le Cercle se referme

Pourquoi parler de tout cela en 2026 sur Plan Sonore ? Parce que les problématiques des années 60 sont plus vivantes que jamais.

En 61, John Coltrane enregistre un de ses albums phare : A Love Supreme. Je vous suggère d’écouter la version mono et la version stéréo. Vous pouvez trouver les 2 sur Deezer ou Spotify. C’est le miracle de nos plateformes d’aujourd’hui.

Vous comprendrez pourquoi les amateurs de Coltrane ne jurent que par la version mono : centrée, puissante et lyrique. A l’inverse la version stéréo ping pong est totalement désincarnée.

Et aujourd’hui, prenez les albums de Kendrick Lamar. Rien à voir, me direz-vous ? Pas tant que çà quand on sait l’influence énorme du jazz sur la culture musicale hip hop américaine.

Ses albums sont des sommets de mixage moderne. On y retrouve la leçon de Phil Spector : le cœur du morceau (kick, basse, voix lead) est strictement au centre, puissant et mono. La stéréo n’est utilisée que pour l’immersion, les textures et le décor narratif.

Aujourd’hui, avec l’écoute majoritaire sur smartphone, donc sur écouteurs, nous sommes revenus à une écoute plus essentiellement monophonique, car le centre est redevenu le placement le plus important et le plus efficient.

Et la déco stéréo ? Elle est devenue très subtile, plus abstraite, comme des touches de couleurs et de formes qui agrémentent la percussion du centre.

Le laboratoire de l’Album Blanc : De la schizophrénie de 68 à la résurrection de 2018

S’il est un disque qui incarne la mutation douloureuse et fascinante du son, c’est bien l’Album Blanc (1968). C’est le terrain de jeu où les Beatles ont brisé les codes, mais c’est aussi le moment où la technologie a dû courir après leur imagination.

1968 : Le passage au 8-pistes et le chaos des mixages

En plein milieu des sessions, les Beatles voient arriver au studio Abbey Road une révolution : le magnétophone 8-pistes (l’Ampex 440). Pour la première fois, ils ont de l’air pour superposer les couches. Mais cette liberté nouvelle va encore accentuer le fossé entre Mono et Stéréo.

Le groupe passe des centaines d’heures à peaufiner le mixage Mono, le seul qu’ils considèrent comme leur œuvre. Le mixage Stéréo, lui, est presque un accident industriel avec des différences hallucinantes que les fans s’amusent à traquer depuis 50 ans.

Pour l’auditeur de 1968, on n’achète pas simplement un format différent, on achète presque un album différent.

2009 vs 2018 : Nettoyer la vitre ou déplacer les meubles ?

L’évolution des rééditions de cet album est une leçon de production que je transmets souvent à mes élèves.

En 2009, l’équipe d’Abbey Road a réalisé un Mastering de restauration. On a gardé les mixages stéréo d’origine, mais on a nettoyé le bruit de bande, corrigé les petits clics et redonné de la brillance. C’était une opération de « nettoyage de vitre » : on voit mieux l’œuvre, mais les défauts de placement (le fameux « trou au milieu« ) sont toujours là.

Mais en 2018, Giles Martin (le fils de George Martin) a fait un choix radical : le remixage. Il est reparti des bandes 8-pistes originales pour tout reconstruire avec les outils de 2018 :

Il a ramené la batterie et la basse au centre, là où elles auraient toujours dû être pour avoir de l’impact.

Il a utilisé la stéréo non plus pour isoler les instruments, mais pour créer une profondeur immersive, en utilisant des réverbérations numériques qui imitent l’acoustique réelle du studio de l’époque.

Pourquoi cette version de 2018 valide tout notre propos

Le succès du remixage de Giles Martin prouve une chose : la stéréo primitive des années 60/70 était une erreur de jeunesse. En remettant le punch au centre (la leçon du Mono) et en ouvrant l’espace autour (la promesse de la Stéréo), il a enfin rendu cet album « musical » pour nos oreilles modernes.

C’est la preuve ultime que le mixage n’est pas qu’une affaire de technique, c’est une affaire de hiérarchie. Comme je le dis souvent dans ma formation Maîtriser la Production Musicale en Home Studio, vous devez d’abord décider ce qui doit frapper l’auditeur avant de décider ce qui doit l’envelopper.

Je vous recommande de passer une demi-journée à écouter en détail sur les plateformes : les différentes versions, les démos : White Album/ Super Deluxe (2018, demos et versions alternatives) et The Beatles (Remastered) (2009).

Vous pouvez aussi vous intéresser à l’histoire de leur magnifique album Let it Be qui est aussi riche en rebondissements en ce qui concerne les avatars de remixages, reéditions…
Sur les plateformes, écoutez les différentes versions sous les titres Let it Be et Let it Be (Super Deluxe)

Conclusion : Ce que l’histoire nous enseigne

Le passage de la mono à la stéréo n’a pas été une simple amélioration technique, mais une longue négociation entre la puissance et l’espace. Pour nous, musiciens, mais aussi créateurs de contenus, podcasteurs, la leçon est claire :

– Le centre est sacré : C’est là que réside l’énergie et le message.

– L’espace stéréo est un outil narratif : Il doit servir l’émotion, pas la démonstration technique.

– La compatibilité est la clé : Toujours vérifier son mix en mono pour s’assurer que l’impact de Spector est toujours là.

L’histoire du son est une boucle. En comprenant comment les pionniers ont lutté avec leurs 4-pistes et leurs têtes de gravure, nous devenons de meilleurs artisans du son pour le web et la musique d’aujourd’hui.

Et plus que jamais, l’outil le plus important de l’ingé-son, du producteur et de l’artiste reste : son oreille éduquée et performante.

Bruno de Chénerilles
Expert Audio & Fondateur de Plan Sonore

Passez de l’histoire à la pratique : Devenez maître de votre son

Vous avez vu comment les plus grands ingénieurs de l’histoire ont lutté pour apprivoiser l’espace, la phase et l’impact sonore. Aujourd’hui, la technologie vous donne des pouvoirs que Abbey Road n’aurait jamais imaginés… mais encore faut-il savoir les piloter.

Ne laissez plus le hasard ou les réglages d’usine décider de la clarté de vos mixages. Que vous travailliez sur un titre de Blues-Rock organique ou une production Hip-Hop massive, la maîtrise des fondamentaux est ce qui sépare un son amateur d’une production pro qui transperce les haut-parleurs.

Prêt à franchir le cap professionnel ?

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Dans ce programme complet, je vous transmets mes 50 années d’expérience pour vous apprendre à : 

– Rentabiliser votre équipement : Eviter l’inutile, gérer votre budget

– Utiliser la Méthode LIM Less is More : simple, efficace et contre-intuitive pour enregistrer, mixer et masteriser.

– Sculpter l’espace : Gérer la largeur et la profondeur sans jamais perdre l’impact du centre.

– Dompter la technique : Comprendre la phase, l’égalisation et la compression pour un son équilibré.

– Finaliser vos titres : Obtenir des mixages et des masters professionnels, audibles sur smartphone comme en club.

Comprendre l’histoire du son, c’est bien.
Savoir l’écrire, c’est mieux.

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Vous avez tous au moins une centaine de plugins vst disponibles dans votre logiciel audio. Entre ceux qui sont fournis d’origine et ceux que vous avez téléchargés par la suite.
Je le sais, moi c’est pareil. Mais je me suis aperçu qu’au bout du compte je ne me sers que d’une dizaine d’entre eux et toujours les mêmes. Ce sont ceux que je préfère et qui me permettent de mixer et mastériser correctement dans tous les cas de figure.

Est-ce que c’est subjectif ? Il y a forcément une part de subjectivité et puis je n’ai pas testé tous les plugins du monde. Cà, personne ne l’a fait, il y en a beaucoup trop.

Mais avec l’expérience et les résultats obtenus, je crois ne pas me tromper beaucoup.

Alors voilà une liste et une analyse de mes 10 meilleurs plugins vst actuellement disponibles, avec des conseils sur leur utilisation.

2 plugins vst en général, pour toutes vos pistes :

Je vous conseille 2 super plugins indispensables et magiques à placer en insert sur à peu près toutes vos pistes.

UAD Manley Tube Preamp

Ce plugin une simulation de l’excellentissime préampli à lampes Manley. Et là UAD a fait très fort. Magique, aussi bien pour les voix que pour les drums, les guitares, les claviers.

Vous avez des presets de rêve pour à peu près tous les instruments et vous pouvez affiner, doser. Le son chaud des lampes, à très petit prix. Mais attention ne compressez pas trop, n’en abusez pas !

UAD Manley Tube Preamp

Waves IR1 Convolution Reverb

Et sinon, vous avez besoin à coup sûr d’un très bon plugin de réverb à convolution qui vous permettra au moins et à la fois une réverb courte et une longue. Attention à l’utiliser en sends, évidemment !

Pourquoi à convolution ? Parce qu’elles sonnent vraiment très naturelles, elles sont modélisées à partir d’un véritable espace (studio, salles de tailles différentes, excellentes acoustiques).

Quelques DAW (Digital Audio Workstation) en proposent en interne, comme Cubase : c’est l’excellente Reverence ! Perso, je n’utilise que cette réverb, elle est absolument parfaite.

Si votre logiciel n’en propose pas, je vous conseille fortement la Waves IR1 Convolution Reverb. Elle est top avec des collections de presets modélisés à partir de studios, de salles d’exception.

Waves IR1 Convolution Reverb

1 plugin vst pour les basses

Waves Maxxbass

Ce plugin vst est un must pour bien faire sonner vos basses que ce soit des basses synthé, des basses guitare ou même des contrebasses.

Et Dieu sait que les basses fréquences sont hyper importantes et difficiles à gérer dans un mix. Elles peuvent ruiner, encombrer, brouiller l’espace de votre mix, pour peu qu’on les veuille bien punchy.

Maxxbass vous aidera à bien les placer dans votre mixage. Sans assombrir, sans brouiller votre mix. Ce plugin intelligent fait merveille pour tous les styles de musique.

Waves Maxxbass

4 plugins pour le traitement des voix

Si vous faites beaucoup d’enregistrements de voix parlées ou chantées, vous avez tout le temps besoin de petits utilitaires pour nettoyer certaines d’entre elles, mais aussi pour travailler le son de ces voix et inventer de nouveaux sons.

Waves DeBreath

Si vous faites beaucoup d’enregistrements de voix parlée ou chantée, ce petit plugin peut vous être très utile pour supprimer ou minimiser les bruits de respiration.

Une fois que vous avez affiné vos réglages en fonction de la voix que vous enregistrez, Waves DeBreath fait son boulot automatiquement et en temps réel. Quel gain de temps pour nettoyer vos pistes de voix !

Waves DeBreath

Waves Deesser

Encore un petit plugin bien pratique, si vous avez une voix qui siffle beaucoup, que ce soit du chant ou de la voix parlée. Vous savez, ces sifflantes qui rendent certaines voix agressives, même parfois insupportables.

Là encore un petit réglage et le Waves Deesser va faire son boulot. Vous pouvez même mettre en mémoire le réglage pour une voix en particulier.

Waves Deesser

Waves Harmony

Les choeurs (harmony vocals) sont très employés dans la pop, le hip hop, le rnb, la soul, le funk. Mais que faire si vous n’avez pas sous la main ce trio de wonderful singers ? Ce bon plugin bien réglé peut faire très bien le job. Mais vous pouvez aussi l’utiliser pour doubler des lead vocals ou des mots rappés.

Vous pouvez régler la hauteur, le panoramique et le volume de chacune des voix pour créer votre groupe de backing vocals.

Waves Harmony

Waves Tune Real Time

Je connaissais déjà le plugin Waves Tune, mais cette version plus récente travaille en temps réel. C’est encore mieux.

Vous pouvez l’utiliser pour corriger des voix qui ne chantent pas très juste et croyez-moi, il y en a pas mal chez les chanteurs, chanteuses amateurs. Mais aussi pour des effets style autotune, vocoder et vous pouvez vraiment inventer des traitements fous …

Vous pouvez aussi retenir les plugins que je vous ai indiqués pour toutes vos pistes, ils sont particulièrement indiqués pour les voix (manley tube preamp et bien sûr réverb !

Waves Tune Real Time

3 plugins pour mixer et masteriser

Nx Virtual Studio

Il est théoriquement déconseillé formellement de mixer et de mastériser au casque. Mais si vous êtes obligé·e de mixer au casque dans votre tout petit home studio, pour ne pas gêner les voisins ou si vous n’avez pas de vrais monitors de studio… C’est la honte !?

Ben non, c’est maintenant tout à fait possible de mixer correctement au casque, car ce plugin vst pourra corriger la courbe de réponse de votre casque, rétablir la même frontalité qu’une paire de monitors et même vous permettre de travailler dans l’acoustique de la cabine de plusieurs grands studios (très bien choisis, d’ailleurs).

Lien NX Virtual Studio

Youlean Loudness Meter 2

Un plugin indispensable si vous voulez contrôler la Loudness de votre master pour respecter les recommandations des plateformes numériques ou être d’équerre pour une diffusion sur CD.

Et oui, on n’est plus du tout dans la surcompression qu’on a pu connaître dans les années 90-2000 : c’est une des bonnes choses qu’a apporté la diffusion en streaming sur le web. Mais si vous ne faites rien, vous risquez bien de sortir des clous et d’avoir de grosses surprises en diffusion.

La version gratuite du plugin vst Youlean Loudness Meter 2 est largement suffisante pour contrôler vos Lufs.

Youlean Loudness Meter 2

Waves L1 Ultra Maximizer ou Waves Online Mastering

Là, je ne vais pas trancher : je vous propose une alternative pour un mastering hyper simple et efficace. Attention ! A condition que votre mix soit impeccable, le mastering peut consister tout simplement à lui donner la touche finale et surtout à le bonifier, à l’intensifier, à lui donner présence et impact.

Pour cela un bon maximizer peut très bien faire l’affaire. C’est en fait un compresseur-limiteur réglé d’une certaine manière pour faire ce job sur votre bus de sortie. Et ma recommandation va à celui qui pour moi est inégalé : le L1 Ultra Maximizer.

Et l’alternative, me direz-vous ? C’est la solution de mastering online de Waves qui pour moi fait à peu près la même chose. Elle fonctionne avec des styles, des modèles, des références. L’idée est de laisser l’IA s’inspirer d’une musique de référence que vous pouvez choisir pour mastériser dans ce style. Si vous voulez sonner un peu comme Prince ou Doctor Dre ou je ne sais pas, moi …

Waves L1 Ultra Maximizer

Pour conclure

Alors, je crois que vous pouvez me faire confiance. Pourquoi ? Avec l’expérience, j’ai éclairci pas mal de problèmes au studio. J’ai trouvé la méthode qui répond le mieux à toutes les situations.

Vous le savez peut-être, c’est ma méthode Less is More. Pourquoi faire compliqué, alors qu’on peut faire simple ? Tout le contraire de celle de l’administration française, vous savez bien…

Alors c’est tout simple : je n’utilise plus que les plugins VST que je vous ai listés dans cet article. Et çà le fait ! C’est le fruit de plusieurs dizaines d’années d’expérience.

Vous avez remarqué que j’utilise beaucoup les plugins vst Waves. Bien sûr, il existe d’autres très bons fabricants, mais cette firme a une très grosse expérience, un catalogue très important et leurs plugins vst sont utilisés par les ingés-son dans tous les grands studios et même en live sur les grosses tournées.

Une précision encore : bien entendu, je n’ai pas intégré les égaliseurs. Ce ne sont pas des plugins à rajouter, vous les avez déjà la plupart du temps sur la tranche de toutes vos pistes et c’est bien suffisant.

Un seul conseil pour l’égalisation : plus vos sons sont bons au départ, moins ils auront besoin d’égalisation. Là aussi suivez ma méthode Less is More !

Je vous remets les liens pour tous ces plugins vst :
Plugins Waves, Plugins UAD (Universal Audio), Youlean

Pour aller plus vite et plus loin, formez-vous !

Dans mes formations, je vois tous les jours trop, beaucoup trop de ces très mauvaises pratiques qui barrent la route vers le son professionnel que nous souhaitons tous obtenir dans notre home studio. Voilà pourquoi dans cet article, je vous propose 7 très bonnes pratiques pour un son professionnel dans votre home studio. Retrouvez sur notre site la formation Home Studio.

1. A la prise !

Lorsque vous enregistrez un son, zéro égaliseur, zéro compresseur, zéro plugin, ce qu’il vous faut c’est le vrai son brut d’un très bon micro très bien placé. Aucune correction. Et c’est tout !

Pourquoi ? Parce qu’il est essentiel de capter toutes les fréquences, tout le rendu de votre bon micro de studio.

Vous n’avez pas de bon micro ? Alors commencez en priorité par en acheter un, un micro à grosse capsule : je vous conseille un Neumann ou un Rode. Mais de grâce, évitez tout le reste !

Et attention, méfiez-vous des vulgaires copies chinoises sur Ali Express. N’achetez jamais çà, vous le regretteriez amèrement.

Et apprenez les bons placements de micro !

2. Les égaliseurs ?

Dans 90% des pistes vous n’avez pas besoin de plus de 2 égalisations. Et même parfois aucune correction. Pourquoi ?

Si vos sons enregistrés sont de bonne qualité, généralement ils ne demandent pas plus qu’un petit coupe-graves ou sans doute une petite bosse de présence.

Et les instruments virtuels que vous choisissez ont un son de qualité, donc c’est pareil. Ne croyez pas que vous devez absolument utiliser toutes les bandes de fréquence possibles sur votre égaliseurs.

Et en plus, à chaque fois que vous allumez un réglage, vous consommez du processeur, ce qui est vital dans votre home studio.

Si vos sons sont de bonne qualité, pourquoi les égaliser ?

Et si vos sons ne sont pas de bonne qualité ? Et bien jetez-les à la corbeille et recommencez ! Attention, parfois l’acoustique de votre local, de votre home studio peut elle aussi être responsable de la mauvaise qualité de vos prises de son.

N’utilisez que des sons qui sont au top !

3. Les compresseurs ?

Pour compresser quoi ? Utiliser des compresseurs est souvent très compliqué, d’ailleurs savez-vous ce que fait exactement un compresseur ? Comment il fonctionne ? Et quel compresseur utiliser, quand et où ?

Je suis quasi certain que vous ne savez pas grand chose en cette matière.

Alors compressez le moins possible : jamais de compression à la prise, vous pouvez utiliser des presets de compression, mais compressez toujours légèrement, jamais à donf !

Pourquoi ? Si vous compressez trop, vous allez écraser, voire même bousiller votre son, réduire sa dynamique et enfreindre les standards des plateformes et des supports physiques.

Savez-vous aussi qu’il existe d’autres moyens de rectifier la dynamique de vos pistes tout en préservant la qualité du son ? On peut appeler çà la compression sans compresseurs et çà s’apprend …

4. Réchauffer votre son ?

Un des seuls reproches qu’on peut faire au son numérique, c’est qu’il est assez clinique, un peu froid, un peu trop clean. C’est assez vrai quand on le compare au bon vieux son analogique des bandes magnétiques et des lampes.

Alors comment réchauffer le son numérique ? On peut utiliser des consoles de mixage cultes, des pré-amplis à lampes hors de prix, des micros de studio à lampes. Çà peut coûter très, très cher !

Par ailleurs, ce qu’on veut, dans son home studio, c’est pouvoir mixer dans son ordinateur, sur son logiciel audio. Mixer dans la boîte, comme on dit souvent.

Et bien on fait depuis plusieurs années des émulations de pré-amplis à lampes, de bande magnétique analogique, et ils sont de plus en plus efficaces et assez faciles à utiliser.

Les grandes marques de plugins font maintenant de très belles choses qui permettent de réchauffer et de bonifier le son numérique.

5. Aérer votre mix !

Aérer, créer de l’espace autour de vos sons, dans votre mix. C’est le fin du fin, ce que peu de home-studistes amateurs savent faire vraiment.

Sauriez-vous expliquer ce que c’est que l’écoute stéréophonique ? Comment cela fonctionne ? Et comment recréer artificiellement un espace stéréo dans votre mix ? Et oui, ce n’est pas seulement panpoter des sons à droite, à gauche et au centre.

C’est bien plus que cela ! Savez-vous utiliser la profondeur ? Créer cette dimension dans votre mix ?

Alors si vous n’avez pas appris à faire tout çà, pas la peine d’essayer le mixage en binaural ou en dolby atmos.

Vous allez d’abord devoir apprendre à faire votre espace stéréo à la base avec des réverbs et des delays.

6. Mastériser c’est compliqué ?

Pas tant que çà. Bien sûr, il faut savoir le faire car cela demande quelques précautions. La plupart du temps cela consiste principalement à résoudre les éventuels conflits de fréquences et à redonner un peu plus de peps à votre mix dans les limites des préconisations des différents supports de diffusion.

Encore faut-il savoir déceler les problèmes, comment les résoudre et avoir toutes les bonnes informations.

Mais en général et à condition d’avoir une bonne base, c’est à dire un bon mix, c’est tout à fait faisable en home studio.

Ah j’oubliais : il faut aussi une bonne écoute de studio pour faire un bon mastering et c’est en général ce qui fait défaut dans la plupart des home studios. Sans compter des oreilles éduquées et affinées, çà aussi, çà ne court pas les rues.

7. Alors Combien de plugins ?

Pour bien produire un titre dans votre home studio, il ne faut pas plus de 10 plugins différents dans votre projet.

Sur les pistes : un égaliseur, un préampli-compresseur, un délay, départ vers 2 réverbs, 2 bus de réverbs (une courte , une longue)

Sur la sortie master, un maximizer, un égaliseur multibandes ou un correcteur de , un plugin de mesure.

Vous avez compté ? Entre 8 et 10, pas plus. Evidemment si vous avez 24 pistes, il en faudra un peu plus, mais en utilisant les sends et les groupes, vous allez économiser du processeur à tire larigot.

Avez-vous besoin de plus ? Je ne crois pas. C’est la méthode de production professionnelle qui tue : Less is More, en ne surtraitant jamais systématiquement les sons.

Pour conclure

Dans votre home studio, simplifier les processus techniques, élaguer, supprimer beaucoup de plugins vous permet de retrouver un son plus naturel, des mixes plus respectueux des sons et de nos oreilles.

C’est çà la méthode Less is More, celle qu’utilisent tous les créateurs, les meilleurs des meilleurs. Comme disait Antoine de Saint-Exupéry : «  L’oeuvre est terminée lorsqu’il ne reste plus rien à enlever. »

Pour aller plus loin :

C’est aussi cette méthode que j’enseigne dans toutes mes formations audio et vidéo qui concernent le home studio, le podcast et la vidéo :

1. L’Oreille

L’Importance de l’Écoute

L’oreille est l’outil primordial de tout musicien. Avant même de toucher un instrument, l’écoute active permet de comprendre les nuances, les harmonies, et les rythmes. C’est en affinant son oreille que le musicien peut réellement interpréter et créer de la musique. L’écoute est aussi la première étape vers la création musicale, car elle permet de se nourrir de diverses influences.

Techniques pour Développer l’Oreille

Pour développer une oreille musicale, il est essentiel de pratiquer régulièrement des exercices d’écoute. L’entraînement auditif, comme le solfège, aide à identifier les intervalles, les accords, les progressions harmoniques et les sons eux-même.

De plus, écouter une variété de genres musicaux enrichit la palette auditive. Par exemple, le fait d’écouter du jazz, du classique, du rock, et des musiques du monde peut sensibiliser l’oreille à des structures et des sonorités diverses et variées.

Exemples Pratiques

Les musiciens professionnels comme Jacob Collier sont connus pour leur oreille exceptionnelle. Ils peuvent identifier et reproduire des accords complexes à l’oreille. Des applications comme « EarMaster » ou « Tenuto » peuvent aider les musiciens à améliorer leur reconnaissance auditive.

On peut noter aussi que nous ne sommes pas tous égaux à la naissance concernant les capacités auditives. Il n’y a pas 2 oreilles semblables et, sans vouloir décourager quiconque, ce sont les meilleures oreilles qui ont plus d’appétence musicale et de chances de réussite dans ce domaine.

2. L’Instrument

Choisir et Maîtriser son Instrument

L’instrument est l’extension physique du musicien. Choisir le bon instrument est crucial, car il doit correspondre à la sensibilité et au style de l’artiste.

Par exemple, un musicien attiré par les mélodies douces et les harmoniques subtiles pourrait choisir la guitare acoustique, tandis qu’un autre attiré par les sons puissants et percussifs pourrait opter pour la batterie.

Maîtriser son instrument nécessite des années de pratique, mais c’est aussi une source immense de satisfaction. La maîtrise technique permet de s’exprimer librement et de communiquer des émotions profondes à travers la musique.

Entretien et Relation avec l’Instrument

Un bon musicien entretient et respecte son instrument. Cette relation presque symbiotique permet de créer une connexion profonde et d’extraire le meilleur son possible. Par exemple, un violoniste passera du temps à ajuster la tension des cordes et à nettoyer l’instrument après chaque utilisation. Cet entretien régulier prolonge la vie de l’instrument et maintient sa qualité sonore.

3. Le Travail

La Discipline du Travail

La pratique régulière et assidue est indispensable pour tout musicien. C’est par le travail que l’on améliore sa technique, sa précision et sa capacité d’interprétation. La discipline du travail forge le caractère et la résilience du musicien. C’est indéniablement une des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Méthodes de Travail Efficaces

Il est crucial de structurer ses sessions de pratique. Alterner entre technique, théorie, et jeu libre permet de progresser de manière équilibrée. Par exemple, un pianiste peut commencer par des gammes et des exercices techniques, puis travailler sur des pièces classiques, et enfin improviser ou jouer des morceaux qu’il aime. Les répétitions méthodiques et l’utilisation de métronomes ou de backing tracks peuvent grandement améliorer la qualité de la pratique.

Anecdotes et Exemples

Ludwig van Beethoven est un exemple classique de la valeur du travail. Malgré sa surdité progressive, il a continué à composer certaines de ses œuvres les plus célèbres grâce à une discipline de travail incroyable. Des musiciens contemporains comme John Mayer ou Yo-Yo Ma ont également parlé de leur régime de pratique rigoureux qui les a aidés à atteindre un haut niveau de maîtrise.

4. L’Invention

La Créativité en Musique

L’invention est au cœur de la musique. Composer, improviser, et réarranger des morceaux existants stimule la créativité. C’est par l’invention que le musicien trouve sa voix unique et se distingue. L’invention musicale peut prendre plusieurs formes, de l’écriture de nouvelles compositions à la création de nouveaux arrangements pour des morceaux existants.

En passant aussi par l’improvisation radicale, qu’on appelle souvent composition instantanée. Elle est considérée par ses pratiquants comme le summum de l’invention, l’art total de l’instant en quelque sorte.

Encourager l’Invention

Pour encourager l’invention, il est utile de sortir de sa zone de confort. Explorer de nouveaux genres, collaborer avec d’autres musiciens, et expérimenter avec différents instruments ou technologies peut ouvrir de nouvelles perspectives créatives.

Par exemple, un guitariste classique peut très bien expérimenter avec une pédale d’effets pour créer des sons inédits.

Exemples Inspirants

Des artistes comme David Bowie et Björk sont célèbres pour leur capacité à réinventer leur musique et à explorer de nouveaux territoires sonores. Ils ne se contentent pas de suivre les tendances, mais créent de nouvelles voies grâce à leur créativité sans bornes.

5. La Polyvalence

L’Art de la Polyvalence

Être polyvalent permet au musicien de s’adapter à divers contextes et styles musicaux. La polyvalence enrichit le bagage musical et offre plus d’opportunités professionnelles.

Par exemple, un musicien capable de jouer du jazz, du rock, et de la musique classique sera plus demandé pour des collaborations et des concerts variés.

Comment Devenir Polyvalent

Pour devenir polyvalent, il est important de diversifier ses compétences. Apprendre plusieurs instruments, s’initier à différents genres, et développer des compétences techniques en production musicale sont autant de moyens d’y parvenir.

Un bassiste pourrait par exemple apprendre à jouer de la guitare et des claviers, et s’intéresser à la composition et à l’arrangement.

Les multi-instrumentistes sont des musiciens à la puissance ++, tant ils deviennent capables d’appréhender la musique de manière transversale et universelle.

Témoignages et Exemples

Prince est un exemple emblématique de polyvalence musicale. Il jouait de nombreux (presque tous) instruments, composait, produisait, et performait avec une aisance incroyable. Sa capacité à traverser les genres et à maîtriser divers aspects de la musique a fait de lui une légende. Il cultivait indéniablement les 7 valeurs fondatrices de la musique.

6. L’Expérimentation

Oser l’Expérimentation

L’expérimentation est essentielle pour repousser les limites de la musique. C’est par l’audace et l’innovation que des styles musicaux nouveaux émergent et que la musique évolue. Par exemple, les Beatles ont révolutionné la musique pop en incorporant des techniques d’enregistrement novatrices et des influences diverses dans leurs albums.

Techniques d’Expérimentation

Utiliser des effets sonores, des techniques de jeu non conventionnelles, ou les technologies modernes de l’informatique musicale peut transformer radicalement la musique. L’expérimentation doit être encouragée à tous les niveaux de la pratique musicale.

Par exemple, un guitariste peut utiliser un EBow pour produire des sons soutenus et éthérés, ou un chanteur peut expérimenter avec l’autotune pour créer des effets vocaux inédits. Mais ce ne sont là que la partie visible de l’iceberg, car l’expérimentation sonore n’a pas de limites.

Innovations et Exemples

Des artistes comme Radiohead et Aphex Twin sont connus pour leurs approches expérimentales de la musique. Radiohead a intégré des éléments électroniques et des structures de chansons non conventionnelles dans leur musique, tandis qu’Aphex Twin a exploré des textures sonores et des rythmes complexes dans la musique électronique. Sans compter les grands innovateurs dans le jazz, la musique électroacoustique…

Pour élargir le tableau, la liberté et l’originalité devraient être également parmi les valeurs fondatrices de la musique cultivées en permanence par tous les musiciens, ce qui est loin d’être le cas.

7. L’Expérience

L’Accumulation d’Expériences

L’expérience est la somme de toutes les pratiques, performances, et interactions musicales d’un musicien. Chaque expérience enrichit et affine sa compréhension de la musique.

Par exemple, jouer dans des environnements variés comme des petites salles, des festivals en plein air, ou des sessions d’enregistrement en studio permet d’acquérir des compétences précieuses et une compréhension plus profonde de la musique.

Partager et Transmettre l’Expérience

Les musiciens expérimentés ont la responsabilité de partager leurs connaissances. Enseigner, collaborer avec des artistes moins expérimentés, et participer à des projets communautaires permet de transmettre cet héritage musical des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Par exemple, des artistes comme Herbie Hancock et Quincy Jones sont non seulement des musiciens accomplis mais aussi des mentors pour les jeunes générations de musiciens.

Anecdotes et Témoignages

Miles Davis, tout au long de sa carrière, a joué avec des musiciens de différentes générations, transmettant son savoir et s’inspirant des nouvelles idées. Cette interaction entre générations a permis l’évolution constante de son style musical.

Conclusion

Ces 7 valeurs fondatrices de la musique – l’oreille, l’instrument, le travail, l’invention, la polyvalence, l’expérimentation, et l’expérience – forment la base sur laquelle tout musicien peut construire son art. En les cultivant, on ne fait pas seulement progresser son propre parcours musical, mais on contribue également à l’évolution de la musique dans son ensemble. Que vous soyez débutant ou professionnel, ces valeurs sont des guides intemporels pour développer votre passion et votre carrière dans la musique.

En conclusion, la musique est bien plus qu’un simple agencement de sons. C’est une discipline qui exige une oreille fine et élargie, une relation intime avec son instrument, une éthique de travail rigoureuse, une créativité incessante, une polyvalence adaptative, une soif d’expérimentation et une richesse d’expériences.

En cultivant ces 7 valeurs fondatrices de la musique, chaque musicien peut non seulement améliorer ses compétences techniques mais aussi enrichir son expression artistique et contribuer à l’évolution perpétuelle de cet art universel.

Pour aller plus loin

Dans le monde de la musique électronique et de la production, un petit acronyme règne en maître depuis des décennies : MIDI. Derrière ces quatre lettres se cache une révolution qui a transformé la façon dont nous créons, enregistrons et produisons la musique.

 Dans cet article, nous allons plonger dans l’univers de la Norme MIDI, comprendre son histoire, son fonctionnement et ses types de messages.

Vous pouvez aussi écouter cet article :

Qu’est-ce que la Norme MIDI ?

MIDI, qui signifie Musical Instrument Digital Interface, est un protocole de communication qui permet à tous les instruments de musique électroniques, ordinateurs et autres équipements de se connecter et de communiquer entre eux. Contrairement à l’audio, ce langage de communication ne transmet pas de son, mais des informations sur la manière de produire un son.

Histoire de la Norme MIDI

Elle est un pilier de la musique électronique et de la production musicale depuis sa création dans les années 1980. À l’époque, les musiciens et producteurs cherchaient un moyen de faire communiquer les instruments électroniques, qu’il s’agisse de synthétiseurs, de boîtes à rythmes ou de contrôleurs.

Elle est née de cette nécessité de communication et de synchronisation. Elle a été conçue pour permettre aux musiciens de contrôler et de synchroniser différents appareils électroniques de manière cohérente. La première version de la norme a été publiée en 1983, et depuis lors, elle a évolué pour devenir une norme universelle dans l’industrie musicale.

Fonctionnement de la Norme MIDI

Connectivité : Les appareils sont connectés les uns aux autres à l’aide de câbles MIDI standard. Cela permet une connexion simple et fiable entre les instruments électroniques qui sont tous compatibles.

Données : La communication repose ici sur des données numériques. Chaque note jouée, chaque mouvement de curseur, chaque changement de paramètre est transmis sous forme de données MIDI.

Canal : Des canaux permettent à plusieurs appareils de communiquer simultanément sans interférer les uns avec les autres. Il existe 16 canaux MIDI distincts, ce qui permet de contrôler plusieurs instruments en même temps.

Latence : Bien que la transmission des messages soit généralement rapide, il peut y avoir une légère latence lors de la transmission des données MIDI. Cela peut être un facteur important pour les musiciens en direct, il est donc essentiel de le minimiser.

Les Messages MIDI

Note-On/Note-Off : Les messages de Note-On indiquent le début d’une note, tandis que les messages de Note-Off indiquent la fin d’une note. Ces messages sont essentiels pour jouer de la musique avec des instruments MIDI.

Contrôle : Les messages de contrôle MIDI permettent d’ajuster divers paramètres, tels que la modulation, le volume et le panoramique. Ils offrent un contrôle précis sur les nuances de la musique.

Programme : Les messages de programme sont utilisés pour sélectionner des sons ou des presets sur les instruments MIDI. Ils permettent de changer de timbre instantanément.

Sysex : Les messages SysEx (System Exclusive) sont plus avancés et peuvent être utilisés pour personnaliser des paramètres spécifiques propres à certains instruments électroniques particuliers, qui n’ont pas d’équivalent dans la Norme MIDI.

Applications pratiques

Pour les musiciens, producteurs et beatmakers, la Norme MIDI ouvre un monde de possibilités. Vous pouvez utiliser des claviers pour jouer des instruments virtuels, créer des séquences de batterie avec des contrôleurs et automatiser des paramètres dans votre logiciel de production. La Norme MIDI vous permet de donner vie à vos idées musicales de manière créative et précise.

Les contrôleurs tels que les pads de batterie et les surfaces de contrôle, offrent une manière tactile d’interagir avec votre logiciel musical préféré. Vous pouvez créer des variations subtiles dans vos compositions ou des performances énergiques en direct.

Depuis l’apparition des ipads et des iphones, plusieurs applis permettent de designer des interfaces MIDI originales et très puissantes sur ces surfaces tactiles.

En résumé, la Norme MIDI est un outil essentiel pour les musiciens et producteurs modernes. En comprenant son histoire, son fonctionnement et ses messages, vous pouvez exploiter tout son potentiel pour créer de la musique exceptionnelle. Dans la partie suivante de l’article, nous allons en explorer quelques exemples concrets.

Quelques exemples concrets d’utilisation de la Norme Midi

Création musicale

Un exemple classique de l’utilisation de la Norme MIDI dans la production musicale est la création musicale à l’aide d’un clavier MIDI. Les musiciens peuvent connecter un clavier à leur logiciel de production, puis jouer des notes, des accords sur le clavier.

Les données MIDI générées par ces notes sont ensuite enregistrées dans le logiciel sur des pistes MIDI. Cela permet notamment aux musiciens de composer de manière intuitive, puis d’éditer les notes individuellement et même d’expérimenter avec différentes sonorités et instruments virtuels pour donner vie à leur musique.

Séquençage de batterie

Les producteurs de musique électronique et les beatmakers utilisent souvent des contrôleurs pour séquencer des rythmes de batterie. À l’aide de pads de batterie, ils peuvent déclencher des échantillons de batterie en temps réel. Les données MIDI enregistrées, puis éditées, permettent de créer des séquences de batterie complexes, d’ajouter des variations de rythme et de créer des rythmes percutants. Cette approche permet une grande flexibilité dans la création de rythmes uniques pour différents genres musicaux, du hip-hop à la musique électronique.

Automatisation des effets

Un autre exemple puissant de l’utilisation de la Norme MIDI est l’automatisation des effets dans un logiciel de production. Les producteurs peuvent assigner des paramètres d’effets, tels que la réverbération ou le filtre, à des contrôleurs MIDI tels que des potentiomètres. Ensuite, ils peuvent enregistrer des mouvements en temps réel en ajustant les potentiomètres pendant la lecture. Les données MIDI résultantes sont utilisées pour automatiser ces effets, créant ainsi des transitions sonores fluides et des évolutions dynamiques dans la musique. Cela permet d’ajouter une dimension expressive à la production musicale.

Ces exemples illustrent comment la Norme MIDI est un outil polyvalent et essentiel dans la création musicale moderne. Elle permet aux artistes de s’exprimer de manière créative, de contrôler précisément leurs compositions et de repousser les limites de leur musique.

Le MIDI au delà de la musique

Les interfaces de contrôle sur iPads

En dehors de la musique, la Norme MIDI est devenue un élément clé dans la création d’interfaces de contrôle sur iPads. La plupart des applications sur iPad sont compatibles avec MIDI, ce qui permet aux utilisateurs de créer des surfaces de contrôle personnalisées pour diverses tâches.

Par exemple, dans le domaine de la production audiovisuelle et de la sonorisation , les professionnels peuvent utiliser des iPads pour ajuster les paramètres d’éclairage, de son et de projection en temps réel. Cette flexibilité permet une interaction intuitive avec des équipements complexes, offrant un contrôle précis et une expérience utilisateur améliorée.

Automatisation d’Installations Sonores ou Visuelles Interactives :

La Norme MIDI est également largement utilisée dans le domaine de l’art interactif. Les artistes créent des installations sonores ou visuelles interactives qui réagissent aux données MIDI en temps réel.

Par exemple, une installation artistique peut utiliser des capteurs pour détecter les mouvements du public et générer des données MIDI en fonction de ces mouvements. Ces données MIDI sont ensuite utilisées pour contrôler des éléments sonores ou visuels de l’installation, créant ainsi une expérience immersive et interactive pour les visiteurs.

Contrôle à Distance de Machineries pour le Spectacle Vivant :

Dans le monde du spectacle vivant, la Norme MIDI est un atout majeur. Les ingénieurs et les techniciens peuvent utiliser des contrôleurs MIDI pour gérer à distance divers équipements scéniques, des éclairages aux décors en passant par les effets spéciaux. Cela permet des transitions fluides et précises pendant les représentations en direct. De plus, la Norme MIDI peut être intégrée à des systèmes de contrôle plus avancés, offrant ainsi une automatisation sophistiquée pour des spectacles de grande envergure.

Donc elle ne se limite pas à la musique, mais s’étend à de nombreuses autres disciplines artistiques et techniques. Elle offre des moyens puissants de contrôler, d’automatiser et d’interagir avec une variété d’applications, que ce soit dans le domaine des arts visuels, du spectacle vivant ou de la création d’interfaces interactives. Sa polyvalence continue d’inspirer des innovations créatives à travers divers domaines.

Pour Conclure

La Norme MIDI est bien plus qu’un simple câble et des chiffres. Elle incarne d’abord l’essence de la créativité musicale moderne. Son histoire et son fonctionnement ont libéré tout le potentiel de la production musicale.

Et elle est devenue une norme universelle, c’est sa grande force.

Elle ne se limite pas à la musique, mais s’étend à de nombreuses autres disciplines artistiques et techniques. Elle offre des moyens puissants de contrôler, d’automatiser et d’interagir avec une variété d’applications, que ce soit dans le domaine des arts visuels, du spectacle vivant ou de la création d’interfaces interactives. Sa polyvalence continue d’inspirer des innovations créatives à travers divers domaines.

Et cet outil puissant, universel et très simple est à la portée de tous, car il ne nécessite pas d’apprendre un langage informatique complexe.

Pour aller plus loin

Audio Formations est un organisme spécialisé dans les techniques audio, vidéo et multimédia pour le web et la musique. Fondé en 2004 par Bruno de Chénerilles, compositeur, ingénieur du son et formateur-expert, AF se concentre sur son expertise en proposant les meilleures formations 2023 en ligne dans ce domaine.

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