Dans mes formations, je vois tous les jours trop, beaucoup trop de ces très mauvaises pratiques qui barrent la route vers le son professionnel que nous souhaitons tous obtenir dans notre home studio. Voilà pourquoi dans cet article, je vous propose 7 très bonnes pratiques pour un son professionnel dans votre home studio.

1. A la prise !

Lorsque vous enregistrez un son, zéro égaliseur, zéro compresseur, zéro plugin, ce qu’il vous faut c’est le vrai son brut d’un très bon micro très bien placé. Aucune correction. Et c’est tout !

Pourquoi ? Parce qu’il est essentiel de capter toutes les fréquences, tout le rendu de votre bon micro de studio.

Vous n’avez pas de bon micro ? Alors commencez en priorité par en acheter un, un micro à grosse capsule : je vous conseille un Neumann ou un Rode. Mais de grâce, évitez tout le reste !

Et attention, méfiez-vous des vulgaires copies chinoises sur Ali Express. N’achetez jamais çà, vous le regretteriez amèrement.

Et apprenez les bons placements de micro !

2. Les égaliseurs ?

Dans 90% des pistes vous n’avez pas besoin de plus de 2 égalisations. Et même parfois aucune correction. Pourquoi ?

Si vos sons enregistrés sont de bonne qualité, généralement ils ne demandent pas plus qu’un petit coupe-graves ou sans doute une petite bosse de présence.

Et les instruments virtuels que vous choisissez ont un son de qualité, donc c’est pareil. Ne croyez pas que vous devez absolument utiliser toutes les bandes de fréquence possibles sur votre égaliseurs.

Et en plus, à chaque fois que vous allumez un réglage, vous consommez du processeur, ce qui est vital dans votre home studio.

Si vos sons sont de bonne qualité, pourquoi les égaliser ?

Et si vos sons ne sont pas de bonne qualité ? Et bien jetez-les à la corbeille et recommencez ! Attention, parfois l’acoustique de votre local, de votre home studio peut elle aussi être responsable de la mauvaise qualité de vos prises de son.

N’utilisez que des sons qui sont au top !

3. Les compresseurs ?

Pour compresser quoi ? Utiliser des compresseurs est souvent très compliqué, d’ailleurs savez-vous ce que fait exactement un compresseur ? Comment il fonctionne ? Et quel compresseur utiliser, quand et où ?

Je suis quasi certain que vous ne savez pas grand chose en cette matière.

Alors compressez le moins possible : jamais de compression à la prise, vous pouvez utiliser des presets de compression, mais compressez toujours légèrement, jamais à donf !

Pourquoi ? Si vous compressez trop, vous allez écraser, voire même bousiller votre son, réduire sa dynamique et enfreindre les standards des plateformes et des supports physiques.

Savez-vous aussi qu’il existe d’autres moyens de rectifier la dynamique de vos pistes tout en préservant la qualité du son ? On peut appeler çà la compression sans compresseurs et çà s’apprend …

4. Réchauffer votre son ?

Un des seuls reproches qu’on peut faire au son numérique, c’est qu’il est assez clinique, un peu froid, un peu trop clean. C’est assez vrai quand on le compare au bon vieux son analogique des bandes magnétiques et des lampes.

Alors comment réchauffer le son numérique ? On peut utiliser des consoles de mixage cultes, des pré-amplis à lampes hors de prix, des micros de studio à lampes. Çà peut coûter très, très cher !

Par ailleurs, ce qu’on veut, dans son home studio, c’est pouvoir mixer dans son ordinateur, sur son logiciel audio. Mixer dans la boîte, comme on dit souvent.

Et bien on fait depuis plusieurs années des émulations de pré-amplis à lampes, de bande magnétique analogique, et ils sont de plus en plus efficaces et assez faciles à utiliser.

Les grandes marques de plugins font maintenant de très belles choses qui permettent de réchauffer et de bonifier le son numérique.

5. Aérer votre mix !

Aérer, créer de l’espace autour de vos sons, dans votre mix. C’est le fin du fin, ce que peu de home-studistes amateurs savent faire vraiment.

Sauriez-vous expliquer ce que c’est que l’écoute stéréophonique ? Comment cela fonctionne ? Et comment recréer artificiellement un espace stéréo dans votre mix ? Et oui, ce n’est pas seulement panpoter des sons à droite, à gauche et au centre.

C’est bien plus que cela ! Savez-vous utiliser la profondeur ? Créer cette dimension dans votre mix ?

Alors si vous n’avez pas appris à faire tout çà, pas la peine d’essayer le mixage en binaural ou en dolby atmos.

Vous allez d’abord devoir apprendre à faire votre espace stéréo à la base avec des réverbs et des delays.

6. Mastériser c’est compliqué ?

Pas tant que çà. Bien sûr, il faut savoir le faire car cela demande quelques précautions. La plupart du temps cela consiste principalement à résoudre les éventuels conflits de fréquences et à redonner un peu plus de peps à votre mix dans les limites des préconisations des différents supports de diffusion.

Encore faut-il savoir déceler les problèmes, comment les résoudre et avoir toutes les bonnes informations.

Mais en général et à condition d’avoir une bonne base, c’est à dire un bon mix, c’est tout à fait faisable en home studio.

Ah j’oubliais : il faut aussi une bonne écoute de studio pour faire un bon mastering et c’est en général ce qui fait défaut dans la plupart des home studios. Sans compter des oreilles éduquées et affinées, çà aussi, çà ne court pas les rues.

7. Alors Combien de plugins ?

Pour bien produire un titre dans votre home studio, il ne faut pas plus de 10 plugins différents dans votre projet.

Sur les pistes : un égaliseur, un préampli-compresseur, un délay, départ vers 2 réverbs, 2 bus de réverbs (une courte , une longue)

Sur la sortie master, un maximizer, un égaliseur multibandes ou un correcteur de , un plugin de mesure.

Vous avez compté ? Entre 8 et 10, pas plus. Evidemment si vous avez 24 pistes, il en faudra un peu plus, mais en utilisant les sends et les groupes, vous allez économiser du processeur à tire larigot.

Avez-vous besoin de plus ? Je ne crois pas. C’est la méthode de production professionnelle qui tue : Less is More, en ne surtraitant jamais systématiquement les sons.

Pour conclure

Dans votre home studio, simplifier les processus techniques, élaguer, supprimer beaucoup de plugins vous permet de retrouver un son plus naturel, des mixes plus respectueux des sons et de nos oreilles.

C’est çà la méthode Less is More, celle qu’utilisent tous les créateurs, les meilleurs des meilleurs. Comme disait Antoine de Saint-Exupéry : «  L’oeuvre est terminée lorsqu’il ne reste plus rien à enlever. »

Pour aller plus loin :

C’est aussi cette méthode que j’enseigne dans toutes mes formations audio et vidéo qui concernent le home studio, le podcast et la vidéo :

1. L’Oreille

L’Importance de l’Écoute

L’oreille est l’outil primordial de tout musicien. Avant même de toucher un instrument, l’écoute active permet de comprendre les nuances, les harmonies, et les rythmes. C’est en affinant son oreille que le musicien peut réellement interpréter et créer de la musique. L’écoute est aussi la première étape vers la création musicale, car elle permet de se nourrir de diverses influences.

Techniques pour Développer l’Oreille

Pour développer une oreille musicale, il est essentiel de pratiquer régulièrement des exercices d’écoute. L’entraînement auditif, comme le solfège, aide à identifier les intervalles, les accords, les progressions harmoniques et les sons eux-même.

De plus, écouter une variété de genres musicaux enrichit la palette auditive. Par exemple, le fait d’écouter du jazz, du classique, du rock, et des musiques du monde peut sensibiliser l’oreille à des structures et des sonorités diverses et variées.

Exemples Pratiques

Les musiciens professionnels comme Jacob Collier sont connus pour leur oreille exceptionnelle. Ils peuvent identifier et reproduire des accords complexes à l’oreille. Des applications comme « EarMaster » ou « Tenuto » peuvent aider les musiciens à améliorer leur reconnaissance auditive.

On peut noter aussi que nous ne sommes pas tous égaux à la naissance concernant les capacités auditives. Il n’y a pas 2 oreilles semblables et, sans vouloir décourager quiconque, ce sont les meilleures oreilles qui ont plus d’appétence musicale et de chances de réussite dans ce domaine.

2. L’Instrument

Choisir et Maîtriser son Instrument

L’instrument est l’extension physique du musicien. Choisir le bon instrument est crucial, car il doit correspondre à la sensibilité et au style de l’artiste.

Par exemple, un musicien attiré par les mélodies douces et les harmoniques subtiles pourrait choisir la guitare acoustique, tandis qu’un autre attiré par les sons puissants et percussifs pourrait opter pour la batterie.

Maîtriser son instrument nécessite des années de pratique, mais c’est aussi une source immense de satisfaction. La maîtrise technique permet de s’exprimer librement et de communiquer des émotions profondes à travers la musique.

Entretien et Relation avec l’Instrument

Un bon musicien entretient et respecte son instrument. Cette relation presque symbiotique permet de créer une connexion profonde et d’extraire le meilleur son possible. Par exemple, un violoniste passera du temps à ajuster la tension des cordes et à nettoyer l’instrument après chaque utilisation. Cet entretien régulier prolonge la vie de l’instrument et maintient sa qualité sonore.

3. Le Travail

La Discipline du Travail

La pratique régulière et assidue est indispensable pour tout musicien. C’est par le travail que l’on améliore sa technique, sa précision et sa capacité d’interprétation. La discipline du travail forge le caractère et la résilience du musicien. C’est indéniablement une des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Méthodes de Travail Efficaces

Il est crucial de structurer ses sessions de pratique. Alterner entre technique, théorie, et jeu libre permet de progresser de manière équilibrée. Par exemple, un pianiste peut commencer par des gammes et des exercices techniques, puis travailler sur des pièces classiques, et enfin improviser ou jouer des morceaux qu’il aime. Les répétitions méthodiques et l’utilisation de métronomes ou de backing tracks peuvent grandement améliorer la qualité de la pratique.

Anecdotes et Exemples

Ludwig van Beethoven est un exemple classique de la valeur du travail. Malgré sa surdité progressive, il a continué à composer certaines de ses œuvres les plus célèbres grâce à une discipline de travail incroyable. Des musiciens contemporains comme John Mayer ou Yo-Yo Ma ont également parlé de leur régime de pratique rigoureux qui les a aidés à atteindre un haut niveau de maîtrise.

4. L’Invention

La Créativité en Musique

L’invention est au cœur de la musique. Composer, improviser, et réarranger des morceaux existants stimule la créativité. C’est par l’invention que le musicien trouve sa voix unique et se distingue. L’invention musicale peut prendre plusieurs formes, de l’écriture de nouvelles compositions à la création de nouveaux arrangements pour des morceaux existants.

En passant aussi par l’improvisation radicale, qu’on appelle souvent composition instantanée. Elle est considérée par ses pratiquants comme le summum de l’invention, l’art total de l’instant en quelque sorte.

Encourager l’Invention

Pour encourager l’invention, il est utile de sortir de sa zone de confort. Explorer de nouveaux genres, collaborer avec d’autres musiciens, et expérimenter avec différents instruments ou technologies peut ouvrir de nouvelles perspectives créatives.

Par exemple, un guitariste classique peut très bien expérimenter avec une pédale d’effets pour créer des sons inédits.

Exemples Inspirants

Des artistes comme David Bowie et Björk sont célèbres pour leur capacité à réinventer leur musique et à explorer de nouveaux territoires sonores. Ils ne se contentent pas de suivre les tendances, mais créent de nouvelles voies grâce à leur créativité sans bornes.

5. La Polyvalence

L’Art de la Polyvalence

Être polyvalent permet au musicien de s’adapter à divers contextes et styles musicaux. La polyvalence enrichit le bagage musical et offre plus d’opportunités professionnelles.

Par exemple, un musicien capable de jouer du jazz, du rock, et de la musique classique sera plus demandé pour des collaborations et des concerts variés.

Comment Devenir Polyvalent

Pour devenir polyvalent, il est important de diversifier ses compétences. Apprendre plusieurs instruments, s’initier à différents genres, et développer des compétences techniques en production musicale sont autant de moyens d’y parvenir.

Un bassiste pourrait par exemple apprendre à jouer de la guitare et des claviers, et s’intéresser à la composition et à l’arrangement.

Les multi-instrumentistes sont des musiciens à la puissance ++, tant ils deviennent capables d’appréhender la musique de manière transversale et universelle.

Témoignages et Exemples

Prince est un exemple emblématique de polyvalence musicale. Il jouait de nombreux (presque tous) instruments, composait, produisait, et performait avec une aisance incroyable. Sa capacité à traverser les genres et à maîtriser divers aspects de la musique a fait de lui une légende. Il cultivait indéniablement les 7 valeurs fondatrices de la musique.

6. L’Expérimentation

Oser l’Expérimentation

L’expérimentation est essentielle pour repousser les limites de la musique. C’est par l’audace et l’innovation que des styles musicaux nouveaux émergent et que la musique évolue. Par exemple, les Beatles ont révolutionné la musique pop en incorporant des techniques d’enregistrement novatrices et des influences diverses dans leurs albums.

Techniques d’Expérimentation

Utiliser des effets sonores, des techniques de jeu non conventionnelles, ou les technologies modernes de l’informatique musicale peut transformer radicalement la musique. L’expérimentation doit être encouragée à tous les niveaux de la pratique musicale.

Par exemple, un guitariste peut utiliser un EBow pour produire des sons soutenus et éthérés, ou un chanteur peut expérimenter avec l’autotune pour créer des effets vocaux inédits. Mais ce ne sont là que la partie visible de l’iceberg, car l’expérimentation sonore n’a pas de limites.

Innovations et Exemples

Des artistes comme Radiohead et Aphex Twin sont connus pour leurs approches expérimentales de la musique. Radiohead a intégré des éléments électroniques et des structures de chansons non conventionnelles dans leur musique, tandis qu’Aphex Twin a exploré des textures sonores et des rythmes complexes dans la musique électronique. Sans compter les grands innovateurs dans le jazz, la musique électroacoustique…

Pour élargir le tableau, la liberté et l’originalité devraient être également parmi les valeurs fondatrices de la musique cultivées en permanence par tous les musiciens, ce qui est loin d’être le cas.

7. L’Expérience

L’Accumulation d’Expériences

L’expérience est la somme de toutes les pratiques, performances, et interactions musicales d’un musicien. Chaque expérience enrichit et affine sa compréhension de la musique.

Par exemple, jouer dans des environnements variés comme des petites salles, des festivals en plein air, ou des sessions d’enregistrement en studio permet d’acquérir des compétences précieuses et une compréhension plus profonde de la musique.

Partager et Transmettre l’Expérience

Les musiciens expérimentés ont la responsabilité de partager leurs connaissances. Enseigner, collaborer avec des artistes moins expérimentés, et participer à des projets communautaires permet de transmettre cet héritage musical des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Par exemple, des artistes comme Herbie Hancock et Quincy Jones sont non seulement des musiciens accomplis mais aussi des mentors pour les jeunes générations de musiciens.

Anecdotes et Témoignages

Miles Davis, tout au long de sa carrière, a joué avec des musiciens de différentes générations, transmettant son savoir et s’inspirant des nouvelles idées. Cette interaction entre générations a permis l’évolution constante de son style musical.

Conclusion

Ces 7 valeurs fondatrices de la musique – l’oreille, l’instrument, le travail, l’invention, la polyvalence, l’expérimentation, et l’expérience – forment la base sur laquelle tout musicien peut construire son art. En les cultivant, on ne fait pas seulement progresser son propre parcours musical, mais on contribue également à l’évolution de la musique dans son ensemble. Que vous soyez débutant ou professionnel, ces valeurs sont des guides intemporels pour développer votre passion et votre carrière dans la musique.

En conclusion, la musique est bien plus qu’un simple agencement de sons. C’est une discipline qui exige une oreille fine et élargie, une relation intime avec son instrument, une éthique de travail rigoureuse, une créativité incessante, une polyvalence adaptative, une soif d’expérimentation et une richesse d’expériences.

En cultivant ces 7 valeurs fondatrices de la musique, chaque musicien peut non seulement améliorer ses compétences techniques mais aussi enrichir son expression artistique et contribuer à l’évolution perpétuelle de cet art universel.

Pour aller plus loin

Les 7 options des métiers de la musique qui suivent sont chacune un métier différent en soi. Mais dans la réalité, nombreux sont ceux et celles dans le domaine musical qui exercent plusieurs métiers à la fois. Ainsi, Ils multiplient leurs chances de trouver un emploi, de décrocher des contrats.

En effet, il faut bien le dire : les métiers de la musique offrent certes beaucoup de possibilités, mais la mono-activité est très difficile à tenir professionnellement. Un excellent couteau suisse, aux compétences multiples a beaucoup plus de chances potentielles d’y survivre.

Instrumentiste

Être instrumentiste, c’est maîtriser un ou plusieurs instruments et se produire en solo ou au sein d’un ensemble (orchestre, groupe, duo, etc.). Ce métier peut s’exercer dans divers contextes : concerts, enregistrements en studio, événements privés, accompagnement d’artistes, etc.

Les instrumentistes doivent constamment travailler leur technique et leur interprétation pour rester au sommet de leur art. De plus, ils doivent souvent être polyvalents et s’adapter à différents styles musicaux.

Soulignons aussi qu’un chanteur ou une chanteuse est un instrumentiste : son instrument, c’est sa voix.

Les formations : étude d’un instrument ou du chant en école de musique, en conservatoire. Mais n’oublions pas que bon nombre d’instrumentistes et même de virtuoses sont des autodidactes, notamment dans les musiques populaires traditionnelles, la pop music, le jazz.

Exemples d’opportunités :

– Concerts live
– Sessions d’enregistrement
– Collaborations avec d’autres artistes
– Enseignement privé ou en école de musique

Professeur de musique

Son rôle est essentiel pour transmettre la passion et les compétences musicales aux nouvelles générations.

Les professeurs de musique peuvent enseigner dans des écoles de musique, des conservatoires, des établissements scolaires ou donner des cours particuliers d’instrument.

Ils doivent avoir une solide connaissance de la théorie musicale, être capables de jouer de plusieurs instruments, et posséder des compétences pédagogiques pour s’adapter aux besoins de chaque élève.

Les filières de formation sont plurielles : école de musique, conservatoire, mais aussi licence de musicologie pour les profs de musique de l’éducation nationale.

Exemples d’opportunités :

– Enseignement dans des écoles de musique ou des conservatoires
– Cours particuliers à domicile ou en ligne
– Animation d’ateliers et de stages musicaux
– Préparation des élèves aux concours et examens de musique

Compositeur

Le compositeur crée des œuvres musicales originales pour diverses finalités : films, séries télévisées, publicités, jeux vidéo, spectacles vivants, etc. La composition nécessite une maîtrise approfondie de la théorie musicale, de la créativité, et souvent des compétences en arrangement et orchestration.

Les compositeurs peuvent travailler en freelance ou être employés par des sociétés de production.

La plupart des compositeurs ont une formation supérieure en conservatoire, mais il n’est pas rare de rencontrer aussi des compositeurs autodidactes.

Exemples d’opportunités :

– Composition de musiques de film et de séries
– Création de bandes sonores pour jeux vidéo
– Musique pour publicités et spots promotionnels
– Œuvres originales pour concerts et enregistrements

Musicien intervenant

C’est un professionnel qui utilise la musique comme outil éducatif, thérapeutique ou social. Il intervient dans divers contextes comme les écoles, les hôpitaux, les centres sociaux, et les maisons de retraite.

Le but est d’éveiller à la musique, de rendre accessible à tous la pratique musicale, mais aussi d’améliorer le bien-être des individus par le biais de la musique.

Ce métier requiert des compétences élevées en pédagogie et en animation, une bonne compréhension des besoins des publics spécifiques, et une grande sensibilité.

Le DUMI est le diplôme professionnel requis pour intervenir auprès de tous ces publics. Il se prépare en 2 ans dans les 10 CFMI (Centre de Formation des Musiciens Intervenants) en France.

Il est nécessaire au départ de pratiquer au moins un instrument, de chanter juste et de connaître le solfège. Il est fréquent d’intégrer cette formation après 2 années ou une licence de musicologie. Les musiciens intervenants sont en général des couteaux suisses de la musique, à l’aise dans toutes sortes de contexte social.

Exemples d’opportunités :

– Ateliers musicaux en milieu scolaire
– Musicothérapie dans les hôpitaux et cliniques
– Programmes de réinsertion sociale par la musique
– Activités musicales dans les maisons de retraite, les prisons, les quartiers difficiles

Sound designer

Le sound designer est responsable de la création et de la manipulation des effets sonores pour les productions audiovisuelles et multimédias.

Il travaille sur la post-production des films, des jeux vidéo, des applications, des installations interactives et aussi sur l’habillage des spectacles vivants (théâtre, danse …), des scénographies d’expositions, dans les musées et sur certains grands évènements publics..

Le sound designer doit être à l’aise avec les logiciels de création sonore, avoir une bonne oreille et être capable d’innover pour créer des ambiances sonores uniques. Il doit également connaître les caractéristiques techniques des différents dispositifs de diffusion sonore.

Exemples d’opportunités :

– Création de paysages sonores pour le cinéma et la télévision
– Sound design pour les jeux vidéo et les applications mobiles
– Effets sonores pour les installations artistiques et les expositions
– Post-production audio pour la publicité et le marketing

Producteur-arrangeur

C’est un rôle clé dans la création musicale. Il supervise le processus de production d’un morceau, de l’écriture à l’enregistrement en passant par le mixage et le mastering.

Il travaille étroitement avec les artistes pour réaliser leur vision musicale. Les compétences requises incluent une connaissance approfondie des techniques d’enregistrement, des logiciels de production musicale, de la théorie de la musique et une capacité à diriger et inspirer les musiciens.

Il n’y a pas de formation spécifique pour ce métier, mais il requiert des compétences variées : instruments, composition, techniques de studio. Ce métier est presque toujours exercé par des musiciens.

Exemples d’opportunités :

– Production d’albums et de singles pour des artistes
– Arrangements musicaux pour différents genres
– Gestion de projets musicaux en studio
– Collaboration avec des labels et des maisons de disques

Ingénieur du son

C’est le professionnel en charge de la capture, du mixage et du mastering de l’audio. Il travaille en studio d’enregistrement, en live lors de concerts, ou dans la post-production audiovisuelle.

Ce métier exige une expertise technique pointue, une oreille attentive et la capacité de travailler en étroite collaboration avec les artistes et les producteurs pour obtenir le meilleur son possible.

Le titre professionnel d’ingénieur du son est accordé aux professionnels ayant une formation dans une école supérieure de son (niveaux licence, master). A un niveau en dessous, les techniciens son, les sonorisateurs peuvent avoir une formation plus sommaire (niveau BTS) ou même souvent être autodidactes.

Exemples d’opportunités :

– Enregistrement et mixage en studio
– Prise de son sur les tournages cinéma, télévision, vidéo-clips ou field recording
– Sonorisation de concerts et d’événements live
– Post-production audio pour le cinéma et la télévision
– Mastering de projets musicaux pour une diffusion professionnelle sur les réseaux ou sur supports physiques (CD, Vinyle)

Pour conclure

Ces 7 métiers de la musique représentent une partie des nombreuses opportunités offertes par le monde de la musique. Chacun d’eux nécessite des compétences spécifiques et une passion indéfectible pour cet art de la musique et du son.

Que vous soyez déjà engagé dans l’une de ces carrières ou que vous envisagiez une reconversion, il est crucial de continuer à développer vos compétences et de rester ouvert aux nouvelles tendances et technologies qui façonnent l’industrie musicale.

Si vous décidez de faire carrière dans la musique, je vous conseille fortement de ne pas vous restreindre à une seule spécialité, mais d’avoir plusieurs cordes à votre arc. La musique est un monde très concurrentiel.

Aussi, un instrumentiste doit être capable de composer, d’arranger, de faire du sound design, de mixer, de masteriser… Et tous ces acteurs de la musique doivent dorénavant maitriser la production musicale en home studio. La polyvalence est synonyme d’emploi.

Enfin, bien que les femmes soient encore sous-représentées dans ces métiers de la musique, souvent d’ailleurs dans les postes techniques, elles sont de plus en plus nombreuses et elles tirent très bien leur épingle du jeu.

Pour aller plus loin