Vous avez tous au moins une centaine de plugins vst disponibles dans votre logiciel audio. Entre ceux qui sont fournis d’origine et ceux que vous avez téléchargés par la suite.
Je le sais, moi c’est pareil. Mais je me suis aperçu qu’au bout du compte je ne me sers que d’une dizaine d’entre eux et toujours les mêmes. Ce sont ceux que je préfère et qui me permettent de mixer et mastériser correctement dans tous les cas de figure.

Est-ce que c’est subjectif ? Il y a forcément une part de subjectivité et puis je n’ai pas testé tous les plugins du monde. Cà, personne ne l’a fait, il y en a beaucoup trop.

Mais avec l’expérience et les résultats obtenus, je crois ne pas me tromper beaucoup.

Alors voilà une liste et une analyse de mes 10 meilleurs plugins vst actuellement disponibles, avec des conseils sur leur utilisation.

2 plugins vst en général, pour toutes vos pistes :

Je vous conseille 2 super plugins indispensables et magiques à placer en insert sur à peu près toutes vos pistes.

UAD Manley Tube Preamp

Ce plugin une simulation de l’excellentissime préampli à lampes Manley. Et là UAD a fait très fort. Magique, aussi bien pour les voix que pour les drums, les guitares, les claviers.

Vous avez des presets de rêve pour à peu près tous les instruments et vous pouvez affiner, doser. Le son chaud des lampes, à très petit prix. Mais attention ne compressez pas trop, n’en abusez pas !

UAD Manley Tube Preamp

Waves IR1 Convolution Reverb

Et sinon, vous avez besoin à coup sûr d’un très bon plugin de réverb à convolution qui vous permettra au moins et à la fois une réverb courte et une longue. Attention à l’utiliser en sends, évidemment !

Pourquoi à convolution ? Parce qu’elles sonnent vraiment très naturelles, elles sont modélisées à partir d’un véritable espace (studio, salles de tailles différentes, excellentes acoustiques).

Quelques DAW (Digital Audio Workstation) en proposent en interne, comme Cubase : c’est l’excellente Reverence ! Perso, je n’utilise que cette réverb, elle est absolument parfaite.

Si votre logiciel n’en propose pas, je vous conseille fortement la Waves IR1 Convolution Reverb. Elle est top avec des collections de presets modélisés à partir de studios, de salles d’exception.

Waves IR1 Convolution Reverb

1 plugin vst pour les basses

Waves Maxxbass

Ce plugin vst est un must pour bien faire sonner vos basses que ce soit des basses synthé, des basses guitare ou même des contrebasses.

Et Dieu sait que les basses fréquences sont hyper importantes et difficiles à gérer dans un mix. Elles peuvent ruiner, encombrer, brouiller l’espace de votre mix, pour peu qu’on les veuille bien punchy.

Maxxbass vous aidera à bien les placer dans votre mixage. Sans assombrir, sans brouiller votre mix. Ce plugin intelligent fait merveille pour tous les styles de musique.

Waves Maxxbass

4 plugins pour le traitement des voix

Si vous faites beaucoup d’enregistrements de voix parlées ou chantées, vous avez tout le temps besoin de petits utilitaires pour nettoyer certaines d’entre elles, mais aussi pour travailler le son de ces voix et inventer de nouveaux sons.

Waves DeBreath

Si vous faites beaucoup d’enregistrements de voix parlée ou chantée, ce petit plugin peut vous être très utile pour supprimer ou minimiser les bruits de respiration.

Une fois que vous avez affiné vos réglages en fonction de la voix que vous enregistrez, Waves DeBreath fait son boulot automatiquement et en temps réel. Quel gain de temps pour nettoyer vos pistes de voix !

Waves DeBreath

Waves Deesser

Encore un petit plugin bien pratique, si vous avez une voix qui siffle beaucoup, que ce soit du chant ou de la voix parlée. Vous savez, ces sifflantes qui rendent certaines voix agressives, même parfois insupportables.

Là encore un petit réglage et le Waves Deesser va faire son boulot. Vous pouvez même mettre en mémoire le réglage pour une voix en particulier.

Waves Deesser

Waves Harmony

Les choeurs (harmony vocals) sont très employés dans la pop, le hip hop, le rnb, la soul, le funk. Mais que faire si vous n’avez pas sous la main ce trio de wonderful singers ? Ce bon plugin bien réglé peut faire très bien le job. Mais vous pouvez aussi l’utiliser pour doubler des lead vocals ou des mots rappés.

Vous pouvez régler la hauteur, le panoramique et le volume de chacune des voix pour créer votre groupe de backing vocals.

Waves Harmony

Waves Tune Real Time

Je connaissais déjà le plugin Waves Tune, mais cette version plus récente travaille en temps réel. C’est encore mieux.

Vous pouvez l’utiliser pour corriger des voix qui ne chantent pas très juste et croyez-moi, il y en a pas mal chez les chanteurs, chanteuses amateurs. Mais aussi pour des effets style autotune, vocoder et vous pouvez vraiment inventer des traitements fous …

Vous pouvez aussi retenir les plugins que je vous ai indiqués pour toutes vos pistes, ils sont particulièrement indiqués pour les voix (manley tube preamp et bien sûr réverb !

Waves Tune Real Time

3 plugins pour mixer et masteriser

Nx Virtual Studio

Il est théoriquement déconseillé formellement de mixer et de mastériser au casque. Mais si vous êtes obligé·e de mixer au casque dans votre tout petit home studio, pour ne pas gêner les voisins ou si vous n’avez pas de vrais monitors de studio… C’est la honte !?

Ben non, c’est maintenant tout à fait possible de mixer correctement au casque, car ce plugin vst pourra corriger la courbe de réponse de votre casque, rétablir la même frontalité qu’une paire de monitors et même vous permettre de travailler dans l’acoustique de la cabine de plusieurs grands studios (très bien choisis, d’ailleurs).

Lien NX Virtual Studio

Youlean Loudness Meter 2

Un plugin indispensable si vous voulez contrôler la Loudness de votre master pour respecter les recommandations des plateformes numériques ou être d’équerre pour une diffusion sur CD.

Et oui, on n’est plus du tout dans la surcompression qu’on a pu connaître dans les années 90-2000 : c’est une des bonnes choses qu’a apporté la diffusion en streaming sur le web. Mais si vous ne faites rien, vous risquez bien de sortir des clous et d’avoir de grosses surprises en diffusion.

La version gratuite du plugin vst Youlean Loudness Meter 2 est largement suffisante pour contrôler vos Lufs.

Youlean Loudness Meter 2

Waves L1 Ultra Maximizer ou Waves Online Mastering

Là, je ne vais pas trancher : je vous propose une alternative pour un mastering hyper simple et efficace. Attention ! A condition que votre mix soit impeccable, le mastering peut consister tout simplement à lui donner la touche finale et surtout à le bonifier, à l’intensifier, à lui donner présence et impact.

Pour cela un bon maximizer peut très bien faire l’affaire. C’est en fait un compresseur-limiteur réglé d’une certaine manière pour faire ce job sur votre bus de sortie. Et ma recommandation va à celui qui pour moi est inégalé : le L1 Ultra Maximizer.

Et l’alternative, me direz-vous ? C’est la solution de mastering online de Waves qui pour moi fait à peu près la même chose. Elle fonctionne avec des styles, des modèles, des références. L’idée est de laisser l’IA s’inspirer d’une musique de référence que vous pouvez choisir pour mastériser dans ce style. Si vous voulez sonner un peu comme Prince ou Doctor Dre ou je ne sais pas, moi …

Waves L1 Ultra Maximizer

Pour conclure

Alors, je crois que vous pouvez me faire confiance. Pourquoi ? Avec l’expérience, j’ai éclairci pas mal de problèmes au studio. J’ai trouvé la méthode qui répond le mieux à toutes les situations.

Vous le savez peut-être, c’est ma méthode Less is More. Pourquoi faire compliqué, alors qu’on peut faire simple ? Tout le contraire de celle de l’administration française, vous savez bien…

Alors c’est tout simple : je n’utilise plus que les plugins VST que je vous ai listés dans cet article. Et çà le fait ! C’est le fruit de plusieurs dizaines d’années d’expérience.

Vous avez remarqué que j’utilise beaucoup les plugins vst Waves. Bien sûr, il existe d’autres très bons fabricants, mais cette firme a une très grosse expérience, un catalogue très important et leurs plugins vst sont utilisés par les ingés-son dans tous les grands studios et même en live sur les grosses tournées.

Une précision encore : bien entendu, je n’ai pas intégré les égaliseurs. Ce ne sont pas des plugins à rajouter, vous les avez déjà la plupart du temps sur la tranche de toutes vos pistes et c’est bien suffisant.

Un seul conseil pour l’égalisation : plus vos sons sont bons au départ, moins ils auront besoin d’égalisation. Là aussi suivez ma méthode Less is More !

Je vous remets les liens pour tous ces plugins vst :
Plugins Waves, Plugins UAD (Universal Audio), Youlean

Pour aller plus vite et plus loin, formez-vous !

Comment faire pour que les participants à une formation ne se contentent pas de mémoriser des informations, mais développent une véritable capacité à réfléchir, expérimenter et agir par eux-mêmes ? C’est l’une des questions centrales abordées dans ma rencontre avec Gwenaël Masson, formateur de formateurs, médiateur et créateur du podcast Les Brèves Pédagogiques.

Au cours de 2 épisodes du podcast Plan Sonore, nous avons confronté nos pratiques et nos expériences autour de 3 sujets étroitement liés : la pédagogie active, la pédagogie par projet et l’utilisation du podcast au service de la formation.

Cette conversation montre notamment que rendre une formation « active » ne consiste pas simplement à faire réaliser des exercices. Il s’agit d’abord de créer des situations dans lesquelles l’apprenant doit réfléchir, formuler des hypothèses, confronter ses idées et comprendre ses erreurs.

Elle montre aussi que le podcast peut devenir bien plus qu’un support de communication. Il peut prolonger une formation, partager des pratiques professionnelles, entretenir une relation avec une communauté et même constituer le cœur d’un projet pédagogique.

Qui est Gwenaël Masson ?

Gwenaël Masson exerce deux activités complémentaires : formateur et médiateur. Installé à son compte depuis 2013, il intervient principalement en Bretagne, mais également à distance et dans d’autres régions françaises. Ses domaines de spécialisation sont, d’une part, la communication non violente, la gestion des conflits et le management bienveillant et, d’autre part, la pédagogie et la formation de formateurs.

« Je forme des formateurs depuis 2015. J’interviens sur la facilitation graphique, la pédagogie active et l’amélioration de la posture pédagogique. »

Son activité de médiateur consiste à créer un cadre permettant à des personnes ou à des équipes en conflit de rétablir le dialogue.

« J’aime bien dire que je suis un peu un traducteur. J’aide les personnes à se comprendre, parce qu’elles ne parlent pas forcément sur le même plan ou des mêmes choses. »

Cette capacité d’écoute, de questionnement et de reformulation se retrouve naturellement dans sa vision de la formation.

1. La pédagogie active : mettre le cerveau en action

La pédagogie active est souvent présentée comme une méthode dans laquelle l’apprenant devient « acteur de sa formation ». Mais cette formule peut prêter à confusion. Pour Gwenaël Masson, demander aux participants de réaliser une activité ne suffit pas à faire de la pédagogie active.

« Il ne suffit pas de mettre les apprenants à faire quelque chose, qu’ils soient acteurs dans le mouvement, pour que l’on soit en pédagogie active. »

La distinction essentielle ne se situe donc pas entre écouter et agir physiquement. Elle se situe dans le fonctionnement intellectuel demandé à l’apprenant.

« Quand on parle de pédagogie active, c’est le cerveau qui est actif. L’apprenant réfléchit, raisonne par lui-même et essaie de trouver des solutions alors qu’il n’a pas encore reçu la théorie. »

Partir d’une situation avant d’apporter la théorie

Dans une pédagogie descendante classique, le formateur commence généralement par expliquer une notion, une procédure ou une méthode. Les participants réalisent ensuite un exercice destiné à appliquer ce qu’ils viennent d’entendre.

La pédagogie active inverse ce processus. Le formateur propose d’abord une situation : une étude de cas, une simulation, un problème, un quiz, un document à analyser ou un ensemble d’éléments à classer. Les participants doivent alors mobiliser leurs connaissances antérieures, leur expérience et leur raisonnement.

« Le but de l’activité pédagogique est de faire émerger et de co-construire la théorie avec l’apprenant. »

La théorie n’est pas supprimée. Elle intervient après la première phase de recherche, afin de structurer les découvertes, compléter les réponses et corriger les erreurs.

« Si l’on donne la théorie avant l’exercice, l’activité devient principalement une application de ce qui a été mémorisé. Dans ce cas, le cerveau n’a pas réellement réfléchi : il a juste mémorisé. »

Cette nuance est importante. La pédagogie active n’est pas une pédagogie sans contenu ni formateur. Elle modifie l’ordre dans lequel les savoirs sont rencontrés.

Faire de l’erreur une source d’apprentissage

Proposer une activité avant la théorie oblige à accepter que les participants puissent se tromper. Mais cette erreur n’est pas considérée comme un échec. Elle devient une étape du raisonnement.

« L’erreur va être source d’apprentissage, parce que le cerveau aura émis une hypothèse. Quand on apporte ensuite la théorie, la personne se rend compte qu’il y avait une erreur. Elle s’en souviendra. »

L’apprenant ne reçoit plus simplement la bonne réponse. Il comprend pourquoi une hypothèse était incomplète ou inadaptée. Cette démarche favorise une appropriation plus profonde des connaissances et permet de dépasser la mémorisation à court terme.

Apprendre avec les autres

Gwenaël Masson utilise fréquemment le travail en petits groupes, notamment au début d’une activité.

« Réfléchir sur quelque chose que l’on connaît peu, à deux ou à trois, permet de lever la barrière du “je ne vais pas y arriver” ou du “je ne sais pas faire”. »

Le groupe réduit la peur du jugement et favorise l’expression des hypothèses. Les participants doivent expliquer leur raisonnement, écouter les autres et parfois remettre en cause leur première intuition.

« Il y a un soutien social, mais aussi une intelligence collective. Les personnes confrontent leurs avis et cela leur permet d’amplifier leur réflexion. »

Les activités peuvent prendre des formes très simples : cartes à classer, affirmations vraies ou fausses, études de cas, procédures à analyser ou missions à résoudre. L’important n’est pas leur apparence ludique, mais la réflexion qu’elles provoquent.

Le débriefing, étape décisive de la pédagogie active

Une activité ne suffit cependant pas. Elle doit être suivie d’un débriefing structuré.

« Une pédagogie active ne fonctionne que s’il y a un temps de débriefing et d’apport théorique complémentaire après l’activité. »

Le formateur ne se contente pas de donner la correction. Il aide les participants à expliciter la manière dont ils ont raisonné.

Gwenaël Masson parle à ce sujet d’« intelligence pédagogique situationnelle ».

« Au moment du débriefing, il faut repérer comment les différentes personnes réagissent aux questions, creuser leur raisonnement et les aider à mettre en lumière ce qui s’est passé dans leur cerveau. »

Le débriefing développe ainsi une forme de métacognition : la capacité à observer et comprendre sa propre manière d’apprendre.

Écoutez l’épisode 1 :

Dans la première partie de notre rencontre, Gwenaël Masson présente son parcours, définit la pédagogie active et la distingue de la pédagogie par projet. Nous confrontons également ces principes à mes propres formations consacrées au podcast et à la production musicale en home studio :

2. La pédagogie par projet : apprendre à travers une réalisation concrète

La pédagogie par projet et la pédagogie active sont proches, mais elles ne désignent pas exactement la même chose. Dans une pédagogie par projet, la formation est organisée autour d’une réalisation finale. Le projet constitue un fil rouge qui donne une direction aux différentes étapes de l’apprentissage.

« On part de quelque chose à créer. On avance par étapes et ces étapes amènent à l’aboutissement d’un projet. »

Dans mes formations, par exemple, les participants arrivent avec un objectif précis : créer un podcast, produire leurs morceaux dans leur home studio ou améliorer la qualité de leurs réalisations audio. Chaque apprentissage technique est immédiatement relié à cette production.

Le projet donne du sens à l’apprentissage

L’un des principaux avantages de cette démarche est la motivation qu’elle génère.

« Avec un projet, on est proche du terrain. Cela donne du sens aux apprenants, crée de la motivation et de l’engagement, parce qu’ils voient immédiatement ce qu’ils peuvent faire de ce qu’ils apprennent. »

La question n’est plus seulement : « À quoi cette connaissance pourra-t-elle me servir ? » Elle trouve immédiatement son utilité dans le projet en cours. Mais le projet ne doit pas enfermer l’apprenant dans une seule solution.

Ne pas seulement résoudre le projet immédiat

Un participant à une formation podcast peut, par exemple, chercher à savoir quel microphone acheter. Le formateur pourrait simplement lui recommander un modèle adapté. Cette réponse résoudrait son problème immédiat, mais ne lui permettrait pas forcément de choisir lui-même un autre microphone dans un contexte différent.

« Si l’on fait uniquement le focus sur le micro qu’il faut pour un projet, la personne obtient une solution. Mais demain, si elle crée autre chose avec des variables différentes, aura-t-elle acquis la capacité de choisir le bon matériel ? »

L’objectif pédagogique ne consiste donc pas seulement à faire aboutir le projet. Il doit permettre d’acquérir des compétences transférables. L’apprenant doit comprendre les caractéristiques des microphones, leurs avantages, leurs limites, la directivité, la sensibilité, l’environnement acoustique et les conditions d’utilisation.

« Le projet n’est que le moyen pédagogique qui sert des apprentissages et des objectifs pédagogiques. »

Passer d’une formation-solution à une formation-apprentissage

Gwenaël Masson distingue ainsi 2 approches.

La première apporte une solution immédiatement applicable au projet.
La seconde développe une capacité de raisonnement qui pourra être réutilisée dans d’autres situations.

« Si la personne se dit seulement : “J’ai la solution que je voulais pour mon projet”, son cerveau peut se refermer. On est alors dans une formation-solution et non dans une formation-apprentissage. »

La réussite du projet reste importante. Mais elle doit s’accompagner d’une compréhension suffisamment profonde pour rendre l’apprenant autonome. Cette réflexion vaut pour le choix du matériel audio, mais aussi pour le montage, le mixage, la prise de son ou l’écriture d’un podcast. Il ne s’agit pas uniquement de reproduire une recette. Il faut comprendre pourquoi elle fonctionne.

Le rôle de l’écoute dans les formations audio

Dans une formation à la production musicale ou au podcast, l’une des compétences les plus importantes est rarement celle à laquelle les débutants pensent en premier : savoir écouter. On peut apprendre à utiliser un logiciel, régler un compresseur ou positionner un microphone. Mais il faut encore être capable d’entendre le résultat obtenu.

De nombreux débutants ne repèrent pas immédiatement une réverbération excessive, une voix trop éloignée, un bruit de fond, une saturation ou un déséquilibre de niveau. L’éducation de l’oreille se construit progressivement par la pratique, les comparaisons et les retours du formateur.

Cette capacité d’écoute dépasse d’ailleurs largement le projet audio initial. Elle développe l’attention, l’analyse et la perception des détails. La pédagogie par projet prend ici tout son sens : la réalisation d’un épisode de podcast permet d’acquérir des compétences techniques, mais aussi une nouvelle manière d’écouter.

3. Le podcast au service de la formation

Après avoir longtemps envisagé de créer un podcast, Gwenaël Masson a lancé Les Brèves Pédagogiques, une émission consacrée aux pratiques de formation et aux techniques pédagogiques concrètes. Son projet a mûri pendant plusieurs années.

« Je me disais que cela n’avait pas l’air si compliqué. Puis je me suis rendu compte que c’était du travail, que cela demandait du temps et qu’il fallait surtout répondre à une question : un podcast, d’accord, mais pour dire quoi et pour faire quoi ? »

Cette recherche de sens l’a conduit à choisir un positionnement précis : des épisodes courts, utiles et directement applicables par les formateurs.

« Je voulais qu’à la fin d’un épisode, celui qui l’a écouté puisse se dire : il y a quelque chose que je peux essayer et appliquer tout de suite. »

Prolonger la formation au-delà des séances

« Des apprenants peuvent venir en formation, puis écouter ensuite les épisodes. Le podcast devient une sorte de prolongement de la formation. »

Un épisode peut rappeler une méthode, développer un point abordé rapidement ou proposer une nouvelle activité pédagogique. Le podcast permet ainsi de maintenir un lien après une formation présentielle ou à distance. Il peut aussi préparer une séance, introduire un sujet ou servir de ressource complémentaire.

Partager des pratiques professionnelles concrètes

Les Brèves Pédagogiques ne cherchent pas à couvrir toute l’activité de Gwenaël Masson. Le podcast se concentre volontairement sur la pédagogie.

« Je ne pouvais pas parler à la fois de communication non violente, de médiation et de pédagogie. À un moment donné, il fallait faire un choix. J’ai choisi la pédagogie parce que j’adore cela. »

Cette spécialisation rend le programme plus lisible et facilite la fidélisation d’une audience composée de formateurs, formatrices, responsables de formation et professionnels curieux de pédagogie. Le format alterne des épisodes individuels et des entretiens. Gwenaël prévoit notamment un invité tous les cinq épisodes, afin de conserver un équilibre entre richesse des échanges et charge de production.

Installer une relation de confiance

Le podcast joue également un rôle important dans la visibilité professionnelle. Il permet de faire entendre une voix, une posture et une manière de travailler.

« On peut être formateurs dans le même domaine sans travailler de la même manière. On n’a pas la même façon de s’exprimer ni le même relationnel. Le podcast donne à voir — ou plutôt à entendre — comment je travaille. »

Un site Internet présente des prestations, des programmes et des références. Mais il ne restitue pas toujours la personnalité du formateur ni sa façon d’expliquer. Après avoir écouté plusieurs épisodes, un auditeur connaît déjà la voix du professionnel, ses valeurs et sa manière de transmettre. Le podcast facilite ainsi la création d’un lien de confiance avant même un premier contact.

Reprendre la maîtrise de ses contenus

Le podcast présente aussi un avantage stratégique : il permet de ne pas dépendre entièrement des réseaux sociaux.

« Demain, si je n’ai plus envie d’être sur LinkedIn, si la plateforme change son algorithme ou disparaît, le podcast peut toujours être là. C’est quelque chose qui existe et qui m’appartient. »

Les réseaux sociaux restent utiles pour faire connaître les épisodes, mais le contenu ne dépend pas uniquement de leur flux. Associé à un site Internet et à une newsletter, le podcast contribue à construire un écosystème éditorial plus stable.

Donner du temps à la parole et à la réflexion

Dans un univers numérique dominé par les formats très courts, le podcast occupe une place particulière.

« Quand je parle d’une technique pédagogique, je peux la présenter, donner un exemple et la décrypter. Le podcast permet de donner du temps à un sujet et de donner à penser. »

La voix crée une relation différente de celle d’un texte ou d’une publication rapide. Elle permet les nuances, les hésitations, les exemples et les développements. Le podcast est ainsi particulièrement adapté à la pédagogie, car il laisse le temps d’expliquer sans imposer l’écran.

L’auditeur peut écouter en marchant, en conduisant ou pendant une activité quotidienne. Il choisit son sujet et échappe momentanément à la succession continue des images et des notifications. On pourrait presque définir le podcast comme un anti-scroll : un média dans lequel on accepte de rester avec une voix, une idée et un raisonnement.

Écoutez l’épisode 2 :

Dans la seconde partie de notre rencontre, Gwenaël Masson détaille les activités qu’il utilise en formation, l’importance du travail en groupe et du débriefing, puis raconte la naissance de son podcast Les Brèves Pédagogiques. Nous échangeons également sur la place du podcast dans une activité professionnelle, la création d’une audience de niche et la puissance de la parole pour établir une relation de confiance :

Pédagogie active, pédagogie par projet et podcast : 3 approches complémentaires

La pédagogie active met le cerveau de l’apprenant en mouvement. Elle lui demande de chercher, d’émettre des hypothèses, de confronter ses idées et d’apprendre de ses erreurs.

La pédagogie par projet donne une direction concrète à ces apprentissages. Elle permet de relier les compétences à une réalisation réelle et motivante.

Le podcast, enfin, peut prolonger cette démarche. Il transmet des ressources, valorise les expériences, entretient le lien avec les apprenants et permet de partager une expertise dans la durée.

Il peut même devenir lui-même un projet pédagogique complet. Créer un podcast oblige à rechercher des informations, structurer un propos, écrire, enregistrer, écouter, corriger, monter et publier. Autrement dit, le podcast ne constitue pas seulement un média au service de la formation. Il peut devenir un formidable terrain d’apprentissage actif.

Pour aller plus loin :

Vous pouvez écouter Les Brèves Pédagogiques, le podcast de Gwenaël Masson sur les plateformes majeures : Apple Podcasts, Spotify, Deezer, Amazon Musics, YouTube.

Le site web de Gwenaël : https://www.ccom-formation.fr/

Si vous êtes formateur et si vous voulez créer votre chaîne de podcasts en lien avec votre activité, je peux vous accompagner avec la méthode PAT – Podcast Audio Touch pour atteindre votre objectif en 1 mois : votre chaîne professionnelle en ligne, diffusée et promotionnée sur les plateformes majeures.

À l’époque, pour la majorité des auditeurs, ce n’est qu’un argument marketing pour possesseurs de chaînes Hi-Fi onéreuses. Pourtant, nous sommes à l’aube d’une mutation qui va redéfinir notre manière d’écouter et de produire la musique.

En tant que formateur et professionnel du son et de la musique depuis 50 ans, j’ai vu défiler ces évolutions. Mais le passage du Mono à la Stéréo entre 1960 et 1970 reste la période la plus fascinante, car jusqu’à nos jours, elle a forcé les ingénieurs et les artistes à repenser l’espace, la profondeur et l’impact émotionnel du son.

La Genèse Technique : Le Sillon de la discorde

Si l’enregistrement stéréo a été inventé dès les années 30 par Alan Blumlein chez EMI, sa démocratisation a buté d’emblée sur un obstacle physique : le disque vinyle. 

Jusqu’en 1958, graver deux canaux sur un seul sillon relevait du défi. C’est l’adoption du système Westrex 45/45 qui a tout changé. En inclinant les parois du sillon à 45 degrés, on pouvait stocker le canal gauche sur un flanc et le droit sur l’autre.

Cependant en 1966, le parc de platines est encore largement mono. Passer un disque stéréo sur un vieil électrophone de l’époque était risqué : la tête de lecture, trop rigide verticalement, « labourait » littéralement le fond du sillon, détruisant les informations spatiales en une seule écoute.

C’est pourquoi les labels ont maintenu deux catalogues séparés jusqu’en 1968, créant une schizophrénie créative chez les producteurs.

Le Jazz et le « Trou au milieu » : L’expérience Tom Dowd

Le monde du Jazz, porté par un public audiophile, a plongé dans la stéréo bien avant la Pop. Chez Atlantic Records, l’ingénieur de génie Tom Dowd (un ancien physicien nucléaire !) utilisait des magnétophones 8-pistes dès 1957.

Prenez l’album My Favorite Things (1960) de John Coltrane. À l’écoute, le choc est total pour une oreille moderne : le saxophone et la basse sont totalement à droite, le piano et la batterie totalement à gauche. Le centre ? Il est vide. C’est ce qu’on appelle le « Hole in the Middle ».

Pourquoi ce choix ? À l’époque, les consoles de mixage, comme la console Redd51 des studios Abbey Road, ne possédaient pas de potentiomètres panoramiques (Pan Pots) fluides. On disposait d’interrupteurs à trois positions : Gauche, Centre, Droite.

Pour garantir une clarté maximale, les ingénieurs séparaient radicalement les instruments. Cette « stéréo de ping-pong » cherchait à prouver physiquement à l’auditeur que ses deux enceintes fonctionnaient, quitte à sacrifier la cohérence musicale.

1966-1967 : Les Chefs-d’œuvre pensés en Mono

C’est ici que l’histoire devient passionnante. Les deux plus grands albums pop de cette période, Pet Sounds des Beach Boys (1966) et Sgt. Pepper’s des Beatles (1967), ont été conçus comme des œuvres discographiques Mono.

Le cas Brian Wilson (Beach Boys)

Brian Wilson était sourd de l’oreille droite. Pour lui, la stéréo n’avait aucun sens. Il a produit Pet Sounds en utilisant des techniques de « bounce down » (submixes ou prémixs) massives.

Une fois l’orchestre (le groupe instrumental) réduit à une seule piste mono pour laisser de la place aux voix, un vrai mixage stéréo devenait techniquement impossible. En effet, il ne disposait plus que de 3 pistes pour ajouter la voix principale, parfois une section de cordes et surtout les choeurs, tellement importants dans la musique de Brian.

La version stéréo sortie en 1966 était une « fausse stéréo » (Duophonic) médiocre : on égalisait différemment les pistes gauche et droite. Le système Duophonic de Capitol Records aura sévi pas mal d’années avant d’aboutir à une vraie stéréo.

Il aura fallu attendre 1997 pour qu’un ingénieur, Mark Linett, reconstruise une version stéréo digne de ce nom à partir des bandes multi-pistes originaux.

Notons que les autres majors, RCA et Columbia ont aussi pendant tout un temps passé à la moulinette de la même manière bon nombre de leurs masters Mono.

Les Beatles et la priorité au mixage mono

Pour Sgt. Pepper, les Beatles et George Martin ont passé 3 semaines à peaufiner le mixage mono. Ils y ont intégré des effets de vitesse (varispeed) et des traitements de phase complexes.

Le mixage stéréo, lui, a été expédié en 6 jours sans le groupe. Résultat ? La version mono possède une puissance, un « punch » et des détails que la version stéréo d’origine dilue totalement.

Nous reparlerons plus loin des Beatles avec l’histoire compliquée de leurs 2 fantastiques albums : le blanc et Let it Be.

Phil Spector : Le Prophète du « Back to Mono »

On ne peut parler de cette époque sans évoquer Phil Spector. Son « Wall of Sound » était une philosophie anti-stéréo. Spector entassait des dizaines de musiciens dans une petite pièce pour que le son « fuit » d’un micro à l’autre. Pour lui, cette « repisse » était la colle du morceau.

Son argument était imparable et reste d’actualité pour tout ingénieur du son : le contrôle.

« En mono, je décide exactement de ce que l’auditeur entend. En stéréo, si l’auditeur déplace son fauteuil, le mix change. »

Il y a une vérité fondamentale ici : en concert, la sono diffuse en mono pour que chaque spectateur, où qu’il soit dans la salle, reçoive la même énergie. Spector voulait que ses disques aient cette même autorité, cette même force de frappe qui sort du juke-box ou du transistor.

Le Blues-Rock et la perte de cohésion

Le disque de John Mayall Blues Breakers with Eric Clapton (1966) illustre un autre danger de la stéréo mal maîtrisée. En mono, la guitare Les Paul de Clapton hurle à travers son Marshall dans un bloc sonore massif avec la batterie.

Lorsque la version stéréo sort enfin en 1969, la déception est technique : en isolant la guitare d’un côté et la batterie de l’autre, on brise la dynamique de groupe. Heureusement que la voix de John Mayall est au centre.

Dans les morceaux avec cuivres, les placements sont encore plus fantaisistes. Ce qui était une force en mono (la fusion des timbres) devient une faiblesse en stéréo (une dislocation spatiale).

Seuls les instrumentaux sortent du lot, avec la guitare de Clapton pile au centre.

Ecoutez les 2 versions sur Deezer, Spotify ou Apple Music, c’est très intéressant et très pédagogique pour toutes les personnes qui travaillent avec le son et la musique.

La Troisième Dimension : L’axe Z (Profondeur)

Vers la fin des années 60, quelques ingénieurs, les meilleurs, ont enfin compris que la stéréo ne consistait pas seulement à placer des éléments à gauche ou à droite (l’axe X), mais à créer de la profondeur (l’axe Z).

C’est l’utilisation savante de la réverbération, des délais et du placement fréquentiel qui a permis de créer des mixages immersifs. Un instrument avec moins de hautes fréquences et plus de réverbération semble reculer, tandis qu’une voix « sèche » et riche en haut-médiums s’impose à l’avant-plan.

Cette maîtrise de la profondeur est ce qui a permis à la stéréo de devenir enfin adulte et « musicale« . Enfin, disons plutôt qu’une minorité de bons mixeurs l’ont enfin compris, mais on peut encore aujourd’hui entendre bon nombre de mixages qui s’apparentent plus à la fameuse stéréo ping pong et c’est bien dommage.

De Coltrane à Kendrick Lamar : Le Cercle se referme

Pourquoi parler de tout cela en 2026 sur Plan Sonore ? Parce que les problématiques des années 60 sont plus vivantes que jamais.

En 61, John Coltrane enregistre un de ses albums phare : A Love Supreme. Je vous suggère d’écouter la version mono et la version stéréo. Vous pouvez trouver les 2 sur Deezer ou Spotify. C’est le miracle de nos plateformes d’aujourd’hui.

Vous comprendrez pourquoi les amateurs de Coltrane ne jurent que par la version mono : centrée, puissante et lyrique. A l’inverse la version stéréo ping pong est totalement désincarnée.

Et aujourd’hui, prenez les albums de Kendrick Lamar. Rien à voir, me direz-vous ? Pas tant que çà quand on sait l’influence énorme du jazz sur la culture musicale hip hop américaine.

Ses albums sont des sommets de mixage moderne. On y retrouve la leçon de Phil Spector : le cœur du morceau (kick, basse, voix lead) est strictement au centre, puissant et mono. La stéréo n’est utilisée que pour l’immersion, les textures et le décor narratif.

Aujourd’hui, avec l’écoute majoritaire sur smartphone, donc sur écouteurs, nous sommes revenus à une écoute plus essentiellement monophonique, car le centre est redevenu le placement le plus important et le plus efficient.

Et la déco stéréo ? Elle est devenue très subtile, plus abstraite, comme des touches de couleurs et de formes qui agrémentent la percussion du centre.

Le laboratoire de l’Album Blanc : De la schizophrénie de 68 à la résurrection de 2018

S’il est un disque qui incarne la mutation douloureuse et fascinante du son, c’est bien l’Album Blanc (1968). C’est le terrain de jeu où les Beatles ont brisé les codes, mais c’est aussi le moment où la technologie a dû courir après leur imagination.

1968 : Le passage au 8-pistes et le chaos des mixages

En plein milieu des sessions, les Beatles voient arriver au studio Abbey Road une révolution : le magnétophone 8-pistes (l’Ampex 440). Pour la première fois, ils ont de l’air pour superposer les couches. Mais cette liberté nouvelle va encore accentuer le fossé entre Mono et Stéréo.

Le groupe passe des centaines d’heures à peaufiner le mixage Mono, le seul qu’ils considèrent comme leur œuvre. Le mixage Stéréo, lui, est presque un accident industriel avec des différences hallucinantes que les fans s’amusent à traquer depuis 50 ans.

Pour l’auditeur de 1968, on n’achète pas simplement un format différent, on achète presque un album différent.

2009 vs 2018 : Nettoyer la vitre ou déplacer les meubles ?

L’évolution des rééditions de cet album est une leçon de production que je transmets souvent à mes élèves.

En 2009, l’équipe d’Abbey Road a réalisé un Mastering de restauration. On a gardé les mixages stéréo d’origine, mais on a nettoyé le bruit de bande, corrigé les petits clics et redonné de la brillance. C’était une opération de « nettoyage de vitre » : on voit mieux l’œuvre, mais les défauts de placement (le fameux « trou au milieu« ) sont toujours là.

Mais en 2018, Giles Martin (le fils de George Martin) a fait un choix radical : le remixage. Il est reparti des bandes 8-pistes originales pour tout reconstruire avec les outils de 2018 :

Il a ramené la batterie et la basse au centre, là où elles auraient toujours dû être pour avoir de l’impact.

Il a utilisé la stéréo non plus pour isoler les instruments, mais pour créer une profondeur immersive, en utilisant des réverbérations numériques qui imitent l’acoustique réelle du studio de l’époque.

Pourquoi cette version de 2018 valide tout notre propos

Le succès du remixage de Giles Martin prouve une chose : la stéréo primitive des années 60/70 était une erreur de jeunesse. En remettant le punch au centre (la leçon du Mono) et en ouvrant l’espace autour (la promesse de la Stéréo), il a enfin rendu cet album « musical » pour nos oreilles modernes.

C’est la preuve ultime que le mixage n’est pas qu’une affaire de technique, c’est une affaire de hiérarchie. Comme je le dis souvent dans ma formation Maîtriser la Production Musicale en Home Studio, vous devez d’abord décider ce qui doit frapper l’auditeur avant de décider ce qui doit l’envelopper.

Je vous recommande de passer une demi-journée à écouter en détail sur les plateformes : les différentes versions, les démos : White Album/ Super Deluxe (2018, demos et versions alternatives) et The Beatles (Remastered) (2009).

Vous pouvez aussi vous intéresser à l’histoire de leur magnifique album Let it Be qui est aussi riche en rebondissements en ce qui concerne les avatars de remixages, reéditions…
Sur les plateformes, écoutez les différentes versions sous les titres Let it Be et Let it Be (Super Deluxe)

Conclusion : Ce que l’histoire nous enseigne

Le passage de la mono à la stéréo n’a pas été une simple amélioration technique, mais une longue négociation entre la puissance et l’espace. Pour nous, musiciens, mais aussi créateurs de contenus, podcasteurs, la leçon est claire :

– Le centre est sacré : C’est là que réside l’énergie et le message.

– L’espace stéréo est un outil narratif : Il doit servir l’émotion, pas la démonstration technique.

– La compatibilité est la clé : Toujours vérifier son mix en mono pour s’assurer que l’impact de Spector est toujours là.

L’histoire du son est une boucle. En comprenant comment les pionniers ont lutté avec leurs 4-pistes et leurs têtes de gravure, nous devenons de meilleurs artisans du son pour le web et la musique d’aujourd’hui.

Et plus que jamais, l’outil le plus important de l’ingé-son, du producteur et de l’artiste reste : son oreille éduquée et performante.

Bruno de Chénerilles
Expert Audio & Fondateur de Plan Sonore

Passez de l’histoire à la pratique : Devenez maître de votre son

Vous avez vu comment les plus grands ingénieurs de l’histoire ont lutté pour apprivoiser l’espace, la phase et l’impact sonore. Aujourd’hui, la technologie vous donne des pouvoirs que Abbey Road n’aurait jamais imaginés… mais encore faut-il savoir les piloter.

Ne laissez plus le hasard ou les réglages d’usine décider de la clarté de vos mixages. Que vous travailliez sur un titre de Blues-Rock organique ou une production Hip-Hop massive, la maîtrise des fondamentaux est ce qui sépare un son amateur d’une production pro qui transperce les haut-parleurs.

Prêt à franchir le cap professionnel ?

Rejoignez mon accompagnement premium :
[Maîtriser la Production Musicale en Home Studio].

Dans ce programme complet, je vous transmets mes 50 années d’expérience pour vous apprendre à : 

– Rentabiliser votre équipement : Eviter l’inutile, gérer votre budget

– Utiliser la Méthode LIM Less is More : simple, efficace et contre-intuitive pour enregistrer, mixer et masteriser.

– Sculpter l’espace : Gérer la largeur et la profondeur sans jamais perdre l’impact du centre.

– Dompter la technique : Comprendre la phase, l’égalisation et la compression pour un son équilibré.

– Finaliser vos titres : Obtenir des mixages et des masters professionnels, audibles sur smartphone comme en club.

Comprendre l’histoire du son, c’est bien.
Savoir l’écrire, c’est mieux.

[Découvrez le programme complet et transformer vos productions ➔]