À l’époque, pour la majorité des auditeurs, ce n’est qu’un argument marketing pour possesseurs de chaînes Hi-Fi onéreuses. Pourtant, nous sommes à l’aube d’une mutation qui va redéfinir notre manière d’écouter et de produire la musique.

En tant que formateur et professionnel du son et de la musique depuis 50 ans, j’ai vu défiler ces évolutions. Mais le passage du Mono à la Stéréo entre 1960 et 1970 reste la période la plus fascinante, car jusqu’à nos jours, elle a forcé les ingénieurs et les artistes à repenser l’espace, la profondeur et l’impact émotionnel du son.

La Genèse Technique : Le Sillon de la discorde

Si l’enregistrement stéréo a été inventé dès les années 30 par Alan Blumlein chez EMI, sa démocratisation a buté d’emblée sur un obstacle physique : le disque vinyle. 

Jusqu’en 1958, graver deux canaux sur un seul sillon relevait du défi. C’est l’adoption du système Westrex 45/45 qui a tout changé. En inclinant les parois du sillon à 45 degrés, on pouvait stocker le canal gauche sur un flanc et le droit sur l’autre.

Cependant en 1966, le parc de platines est encore largement mono. Passer un disque stéréo sur un vieil électrophone de l’époque était risqué : la tête de lecture, trop rigide verticalement, « labourait » littéralement le fond du sillon, détruisant les informations spatiales en une seule écoute.

C’est pourquoi les labels ont maintenu deux catalogues séparés jusqu’en 1968, créant une schizophrénie créative chez les producteurs.

Le Jazz et le « Trou au milieu » : L’expérience Tom Dowd

Le monde du Jazz, porté par un public audiophile, a plongé dans la stéréo bien avant la Pop. Chez Atlantic Records, l’ingénieur de génie Tom Dowd (un ancien physicien nucléaire !) utilisait des magnétophones 8-pistes dès 1957.

Prenez l’album My Favorite Things (1960) de John Coltrane. À l’écoute, le choc est total pour une oreille moderne : le saxophone et la basse sont totalement à droite, le piano et la batterie totalement à gauche. Le centre ? Il est vide. C’est ce qu’on appelle le « Hole in the Middle ».

Pourquoi ce choix ? À l’époque, les consoles de mixage, comme la console Redd51 des studios Abbey Road, ne possédaient pas de potentiomètres panoramiques (Pan Pots) fluides. On disposait d’interrupteurs à trois positions : Gauche, Centre, Droite.

Pour garantir une clarté maximale, les ingénieurs séparaient radicalement les instruments. Cette « stéréo de ping-pong » cherchait à prouver physiquement à l’auditeur que ses deux enceintes fonctionnaient, quitte à sacrifier la cohérence musicale.

1966-1967 : Les Chefs-d’œuvre pensés en Mono

C’est ici que l’histoire devient passionnante. Les deux plus grands albums pop de cette période, Pet Sounds des Beach Boys (1966) et Sgt. Pepper’s des Beatles (1967), ont été conçus comme des œuvres discographiques Mono.

Le cas Brian Wilson (Beach Boys)

Brian Wilson était sourd de l’oreille droite. Pour lui, la stéréo n’avait aucun sens. Il a produit Pet Sounds en utilisant des techniques de « bounce down » (submixes ou prémixs) massives.

Une fois l’orchestre (le groupe instrumental) réduit à une seule piste mono pour laisser de la place aux voix, un vrai mixage stéréo devenait techniquement impossible. En effet, il ne disposait plus que de 3 pistes pour ajouter la voix principale, parfois une section de cordes et surtout les choeurs, tellement importants dans la musique de Brian.

La version stéréo sortie en 1966 était une « fausse stéréo » (Duophonic) médiocre : on égalisait différemment les pistes gauche et droite. Le système Duophonic de Capitol Records aura sévi pas mal d’années avant d’aboutir à une vraie stéréo.

Il aura fallu attendre 1997 pour qu’un ingénieur, Mark Linett, reconstruise une version stéréo digne de ce nom à partir des bandes multi-pistes originaux.

Notons que les autres majors, RCA et Columbia ont aussi pendant tout un temps passé à la moulinette de la même manière bon nombre de leurs masters Mono.

Les Beatles et la priorité au mixage mono

Pour Sgt. Pepper, les Beatles et George Martin ont passé 3 semaines à peaufiner le mixage mono. Ils y ont intégré des effets de vitesse (varispeed) et des traitements de phase complexes.

Le mixage stéréo, lui, a été expédié en 6 jours sans le groupe. Résultat ? La version mono possède une puissance, un « punch » et des détails que la version stéréo d’origine dilue totalement.

Nous reparlerons plus loin des Beatles avec l’histoire compliquée de leurs 2 fantastiques albums : le blanc et Let it Be.

Phil Spector : Le Prophète du « Back to Mono »

On ne peut parler de cette époque sans évoquer Phil Spector. Son « Wall of Sound » était une philosophie anti-stéréo. Spector entassait des dizaines de musiciens dans une petite pièce pour que le son « fuit » d’un micro à l’autre. Pour lui, cette « repisse » était la colle du morceau.

Son argument était imparable et reste d’actualité pour tout ingénieur du son : le contrôle.

« En mono, je décide exactement de ce que l’auditeur entend. En stéréo, si l’auditeur déplace son fauteuil, le mix change. »

Il y a une vérité fondamentale ici : en concert, la sono diffuse en mono pour que chaque spectateur, où qu’il soit dans la salle, reçoive la même énergie. Spector voulait que ses disques aient cette même autorité, cette même force de frappe qui sort du juke-box ou du transistor.

Le Blues-Rock et la perte de cohésion

Le disque de John Mayall Blues Breakers with Eric Clapton (1966) illustre un autre danger de la stéréo mal maîtrisée. En mono, la guitare Les Paul de Clapton hurle à travers son Marshall dans un bloc sonore massif avec la batterie.

Lorsque la version stéréo sort enfin en 1969, la déception est technique : en isolant la guitare d’un côté et la batterie de l’autre, on brise la dynamique de groupe. Heureusement que la voix de John Mayall est au centre.

Dans les morceaux avec cuivres, les placements sont encore plus fantaisistes. Ce qui était une force en mono (la fusion des timbres) devient une faiblesse en stéréo (une dislocation spatiale).

Seuls les instrumentaux sortent du lot, avec la guitare de Clapton pile au centre.

Ecoutez les 2 versions sur Deezer, Spotify ou Apple Music, c’est très intéressant et très pédagogique pour toutes les personnes qui travaillent avec le son et la musique.

La Troisième Dimension : L’axe Z (Profondeur)

Vers la fin des années 60, quelques ingénieurs, les meilleurs, ont enfin compris que la stéréo ne consistait pas seulement à placer des éléments à gauche ou à droite (l’axe X), mais à créer de la profondeur (l’axe Z).

C’est l’utilisation savante de la réverbération, des délais et du placement fréquentiel qui a permis de créer des mixages immersifs. Un instrument avec moins de hautes fréquences et plus de réverbération semble reculer, tandis qu’une voix « sèche » et riche en haut-médiums s’impose à l’avant-plan.

Cette maîtrise de la profondeur est ce qui a permis à la stéréo de devenir enfin adulte et « musicale« . Enfin, disons plutôt qu’une minorité de bons mixeurs l’ont enfin compris, mais on peut encore aujourd’hui entendre bon nombre de mixages qui s’apparentent plus à la fameuse stéréo ping pong et c’est bien dommage.

De Coltrane à Kendrick Lamar : Le Cercle se referme

Pourquoi parler de tout cela en 2026 sur Plan Sonore ? Parce que les problématiques des années 60 sont plus vivantes que jamais.

En 61, John Coltrane enregistre un de ses albums phare : A Love Supreme. Je vous suggère d’écouter la version mono et la version stéréo. Vous pouvez trouver les 2 sur Deezer ou Spotify. C’est le miracle de nos plateformes d’aujourd’hui.

Vous comprendrez pourquoi les amateurs de Coltrane ne jurent que par la version mono : centrée, puissante et lyrique. A l’inverse la version stéréo ping pong est totalement désincarnée.

Et aujourd’hui, prenez les albums de Kendrick Lamar. Rien à voir, me direz-vous ? Pas tant que çà quand on sait l’influence énorme du jazz sur la culture musicale hip hop américaine.

Ses albums sont des sommets de mixage moderne. On y retrouve la leçon de Phil Spector : le cœur du morceau (kick, basse, voix lead) est strictement au centre, puissant et mono. La stéréo n’est utilisée que pour l’immersion, les textures et le décor narratif.

Aujourd’hui, avec l’écoute majoritaire sur smartphone, donc sur écouteurs, nous sommes revenus à une écoute plus essentiellement monophonique, car le centre est redevenu le placement le plus important et le plus efficient.

Et la déco stéréo ? Elle est devenue très subtile, plus abstraite, comme des touches de couleurs et de formes qui agrémentent la percussion du centre.

Le laboratoire de l’Album Blanc : De la schizophrénie de 68 à la résurrection de 2018

S’il est un disque qui incarne la mutation douloureuse et fascinante du son, c’est bien l’Album Blanc (1968). C’est le terrain de jeu où les Beatles ont brisé les codes, mais c’est aussi le moment où la technologie a dû courir après leur imagination.

1968 : Le passage au 8-pistes et le chaos des mixages

En plein milieu des sessions, les Beatles voient arriver au studio Abbey Road une révolution : le magnétophone 8-pistes (l’Ampex 440). Pour la première fois, ils ont de l’air pour superposer les couches. Mais cette liberté nouvelle va encore accentuer le fossé entre Mono et Stéréo.

Le groupe passe des centaines d’heures à peaufiner le mixage Mono, le seul qu’ils considèrent comme leur œuvre. Le mixage Stéréo, lui, est presque un accident industriel avec des différences hallucinantes que les fans s’amusent à traquer depuis 50 ans.

Pour l’auditeur de 1968, on n’achète pas simplement un format différent, on achète presque un album différent.

2009 vs 2018 : Nettoyer la vitre ou déplacer les meubles ?

L’évolution des rééditions de cet album est une leçon de production que je transmets souvent à mes élèves.

En 2009, l’équipe d’Abbey Road a réalisé un Mastering de restauration. On a gardé les mixages stéréo d’origine, mais on a nettoyé le bruit de bande, corrigé les petits clics et redonné de la brillance. C’était une opération de « nettoyage de vitre » : on voit mieux l’œuvre, mais les défauts de placement (le fameux « trou au milieu« ) sont toujours là.

Mais en 2018, Giles Martin (le fils de George Martin) a fait un choix radical : le remixage. Il est reparti des bandes 8-pistes originales pour tout reconstruire avec les outils de 2018 :

Il a ramené la batterie et la basse au centre, là où elles auraient toujours dû être pour avoir de l’impact.

Il a utilisé la stéréo non plus pour isoler les instruments, mais pour créer une profondeur immersive, en utilisant des réverbérations numériques qui imitent l’acoustique réelle du studio de l’époque.

Pourquoi cette version de 2018 valide tout notre propos

Le succès du remixage de Giles Martin prouve une chose : la stéréo primitive des années 60/70 était une erreur de jeunesse. En remettant le punch au centre (la leçon du Mono) et en ouvrant l’espace autour (la promesse de la Stéréo), il a enfin rendu cet album « musical » pour nos oreilles modernes.

C’est la preuve ultime que le mixage n’est pas qu’une affaire de technique, c’est une affaire de hiérarchie. Comme je le dis souvent dans ma formation Maîtriser la Production Musicale en Home Studio, vous devez d’abord décider ce qui doit frapper l’auditeur avant de décider ce qui doit l’envelopper.

Je vous recommande de passer une demi-journée à écouter en détail sur les plateformes : les différentes versions, les démos : White Album/ Super Deluxe (2018, demos et versions alternatives) et The Beatles (Remastered) (2009).

Vous pouvez aussi vous intéresser à l’histoire de leur magnifique album Let it Be qui est aussi riche en rebondissements en ce qui concerne les avatars de remixages, reéditions…
Sur les plateformes, écoutez les différentes versions sous les titres Let it Be et Let it Be (Super Deluxe)

Conclusion : Ce que l’histoire nous enseigne

Le passage de la mono à la stéréo n’a pas été une simple amélioration technique, mais une longue négociation entre la puissance et l’espace. Pour nous, musiciens, mais aussi créateurs de contenus, podcasteurs, la leçon est claire :

– Le centre est sacré : C’est là que réside l’énergie et le message.

– L’espace stéréo est un outil narratif : Il doit servir l’émotion, pas la démonstration technique.

– La compatibilité est la clé : Toujours vérifier son mix en mono pour s’assurer que l’impact de Spector est toujours là.

L’histoire du son est une boucle. En comprenant comment les pionniers ont lutté avec leurs 4-pistes et leurs têtes de gravure, nous devenons de meilleurs artisans du son pour le web et la musique d’aujourd’hui.

Et plus que jamais, l’outil le plus important de l’ingé-son, du producteur et de l’artiste reste : son oreille éduquée et performante.

Bruno de Chénerilles
Expert Audio & Fondateur de Plan Sonore

Passez de l’histoire à la pratique : Devenez maître de votre son

Vous avez vu comment les plus grands ingénieurs de l’histoire ont lutté pour apprivoiser l’espace, la phase et l’impact sonore. Aujourd’hui, la technologie vous donne des pouvoirs que Abbey Road n’aurait jamais imaginés… mais encore faut-il savoir les piloter.

Ne laissez plus le hasard ou les réglages d’usine décider de la clarté de vos mixages. Que vous travailliez sur un titre de Blues-Rock organique ou une production Hip-Hop massive, la maîtrise des fondamentaux est ce qui sépare un son amateur d’une production pro qui transperce les haut-parleurs.

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Dans ce programme complet, je vous transmets mes 50 années d’expérience pour vous apprendre à : 

– Rentabiliser votre équipement : Eviter l’inutile, gérer votre budget

– Utiliser la Méthode LIM Less is More : simple, efficace et contre-intuitive pour enregistrer, mixer et masteriser.

– Sculpter l’espace : Gérer la largeur et la profondeur sans jamais perdre l’impact du centre.

– Dompter la technique : Comprendre la phase, l’égalisation et la compression pour un son équilibré.

– Finaliser vos titres : Obtenir des mixages et des masters professionnels, audibles sur smartphone comme en club.

Comprendre l’histoire du son, c’est bien.
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Si vous enregistrez des podcasts, des voix off ou des sessions musicales dans un home studio imparfait, vous le savez : la réverbération indésirable est l’ennemi numéro un de l’intelligibilité et de la clarté. Pendant longtemps, corriger ce défaut tenace exigeait des compétences et des équipements hors de prix. Mais l’ère des plugins VST3 intelligents basés sur l’IA a changé la donne.

Dans cet article de référence, nous plongeons au cœur de la réparation audio professionnelle pour examiner les deux solutions de déréverbération les plus puissantes du marché. Nous allons décortiquer, tester et comparer l’efficacité foudroyante de Waves Clarity™ Vx DeReverb face à la précision chirurgicale de l’arsenal iZotope RX 11.

Lequel est le meilleur plugin pourenlever la réverbération sur la voix parlée ? Lequel est capable de sauver un mixage musical complet ? Préparez-vous à transformer vos pistes réverbérantes en enregistrements nets et professionnels.

Introduction : La Problématique des Halos de Réverb Indésirables

Le défi de l’enregistrement at home

Dans l’univers du son, la quête de la clarté est perpétuelle, et elle s’avère particulièrement ardue en home studio. À moins de disposer d’une cabine traitée acoustiquement de manière professionnelle, tout enregistrement de voix parlée ou chantée est inévitablement parasité par les réflexions de la pièce. Ces réflexions créent un « halo » sonore autour de la source, souvent qualifié de réverbération indésirable ou de « son de pièce ».

Ce phénomène n’est pas seulement une gêne esthétique ; il est un obstacle majeur à l’intelligibilité de la parole et au succès d’un mixage. Un son de voix qui traîne noie les consonnes, masque l’information et oblige l’auditeur à faire un effort d’écoute, ce qui est fatal pour un podcast ou une vidéo de qualité professionnelle.

Ces halos de réverb indésirables s’entendent énormément quand on écoute au casque ou sur écouteurs, ce qui est le cas aujourd’hui de plus de 90% des écoutes de podcasts et visionnages de vidéos sur smartphones.

C’est pourquoi maîtriser le nettoyage audio est devenu une compétence essentielle pour tout créateur de contenu sérieux, particulièrement pour les podcasteurs et les home studistes.

Pourquoi la déréverbération est essentielle

Historiquement, les ingénieurs du son utilisaient des techniques complexes (gates, égalisation chirurgicale) pour tenter d’atténuer ces défauts. Cependant, ces méthodes étaient souvent destructrices, altérant le timbre du son original.

Aujourd’hui, les plugins de déréverbération intelligents sont devenus l’arme absolue de la post-production podcast et de la restauration audio. Ils permettent non seulement de corriger des enregistrements ratés, mais aussi :

• De donner une sensation de proximité et de présence à la voix.
• D’homogénéiser des dialogues enregistrés dans des lieux différents.
• De préparer une piste pour d’autres traitements (compression, noise reduction) qui seraient autrement compliqués par la réverbération excessive.

Il est crucial de distinguer la réverbération créative (utilisée comme effet pour donner de l’espace ou de la profondeur) de la réverbération parasitaire (le défaut acoustique que nous cherchons à éliminer). Notre objectif ici est la réparation audio professionnelle via des solutions de pointe.

L’évolution des outils de réparation : de l’EQ aux algorithmes IA

Le véritable bond en avant est venu avec l’intégration du Machine Learning et de l’Intelligence Artificielle (IA) dans les plugins audio. Ces outils ne se contentent plus d’agir sur le volume ; ils analysent des milliers d’échantillons de voix et d’ambiances pour isoler et séparer la réverbération du signal direct en temps réel.

C’est cette nouvelle génération de logiciels, sous format VST3 (le standard le plus moderne), qui a révolutionné la réduction de réverbération. Deux acteurs majeurs se sont imposés dans ce domaine, chacun avec une philosophie différente : la simplicité radicale de Waves Clarity™ Vx DeReverb et la précision chirurgicale de l’arsenal iZotope RX 11.

Zoom sur les Technologies de Déréverbération

L’efficacité d’un plugin de déréverbération VST3 repose entièrement sur la qualité de son algorithme. Voici une présentation des deux technologies que nous allons tester.

Clarity™ Vx DeReverb : L’efficacité alimentée par le Deep Learning

1. Présentation et Philosophie

Waves Clarity™ Vx DeReverb est le fruit des recherches de Waves dans le domaine du Deep Learning. Sa philosophie est la simplicité et la rapidité. Contrairement à de nombreux outils de restauration qui nécessitent un apprentissage, Clarity Vx DeReverb est conçu pour être immédiatement opérationnel, principalement sur la voix humaine (parlée ou chantée).

2. Fonctionnalités et Interface

Le plugin se distingue par son interface épurée, souvent réduite au fameux single knob (bouton unique). . L’utilisateur tourne ce potentiomètre pour augmenter le niveau de réduction de réverbération, et le plugin fait le reste.

Pour ceux qui désirent un contrôle plus fin, la version Clarity™ Vx DeReverb Pro propose des réglages avancés, notamment sur le ciblage des fréquences (Clarity Frequencies) et les modes de traitement (mode large bande ou sélectif), offrant ainsi une flexibilité accrue tout en conservant l’efficacité de son algorithme de Machine Learning audio.

3. Technologie

La force de Waves réside dans son moteur entraîné sur des milliers d’heures d’enregistrements vocaux dans divers environnements. Le logiciel est capable de distinguer le son direct de la réverbération avec une acuité impressionnante, le tout avec une faible latence, ce qui le rend utilisable en temps réel dans une session DAW (Digital Audio Workstation). Son prix est souvent agressif, surtout lors des promotions, ce qui en fait une option de choix pour le créateur de contenu soucieux de son budget.

iZotope RX 11 (module De-reverb) : L’arsenal complet de restauration

1. Présentation et Positionnement

iZotope RX 11 n’est pas seulement un plugin, c’est une suite logicielle de restauration audio professionnelle, souvent considérée comme la référence absolue dans l’industrie du cinéma et de la musique. Son module De-reverb est une brique puissante au sein d’un arsenal d’outils (comme De-clip, De-noise, De-ess…).

2. Fonctionnalités et Interface

L’approche d’iZotope est diamétralement opposée à celle de Waves : elle est analytique et chirurgicale. L’utilisateur travaille souvent dans l’application standalone d’RX, où il peut visualiser le son sous forme de spectrogramme (ou analyse spectrale). .

Le module De-reverb offre une multitude de paramètres : contrôle de l’algorithme, réglage de l’attaque et du relâchement, et même des commandes de détection précoce de la réverbération. Cette richesse de contrôle permet une précision spectrale inégalée, essentielle lorsque l’on doit traiter des défauts complexes sans introduire d’artefacts.

3. Polyvalence

L’avantage principal d’iZotope RX 11 Standard/Advanced est sa polyvalence. Non seulement il excelle sur la voix, mais il est l’outil de prédilection pour la déréverbération musicale. Grâce à ses algorithmes capables de séparer les éléments d’un mixage stéréo complet (Music Rebalance), il peut atténuer la réverbération sur une piste musicale déjà mixée, ce que peu d’autres outils peuvent faire avec succès. Le module De-reverb est généralement disponible à partir de l’édition Standard, faisant de l’investissement dans la suite RX une solution plus onéreuse, mais offrant un ensemble de possibilités bien plus vaste pour le nettoyage son.

Nous avons maintenant une compréhension claire des philosophies et des technologies de ces deux géants. La prochaine étape sera de les confronter sur le terrain : le test VST3 réverbération pour déterminer lequel est le meilleur pour chaque cas d’usage.

Test Comparatif : Clarity Vx DeReverb vs. iZotope RX 11

Pour juger objectivement de l’efficacité de ces deux mastodontes du nettoyage audio, il est indispensable d’établir un protocole de test rigoureux. Nous avons soumis Clarity Vx DeReverb et iZotope RX 11 à deux scénarios d’enregistrement fréquents, couvrant à la fois le domaine de la voix parlée et celui de la musique mixée.

Protocole de Test et Méthodologie

Nos critères d’évaluation sont les suivants :

• Clarté Finale et Transparence : Le son nettoyé est-il propre et l’intelligibilité de la parole améliorée, sans pour autant que l’on détecte l’effet du traitement ?
• Préservation du Son Original : Le timbre de la voix (ou des instruments) est-il conservé, ou y a-t-il une coloration, un filtre indésirable ?
• Artefacts Audio : Le plugin introduit-il des sons numériques étranges (gating, warbling, bruits métalliques) dans les queues de réverbération ?
• Facilité d’Utilisation / Workflow : Combien de temps et d’étapes sont nécessaires pour obtenir un résultat professionnel ?
• Ressources CPU : Quel est l’impact sur les performances de votre ordinateur, notamment en temps réel (pour Clarity Vx en insert VST3) ?

Cas n°1 : La Voix Parlée en Pièce Réverbérante

C’est le scénario le plus courant pour le podcasteur et le vidéaste : un enregistrement de dialogue capté avec un microphone sensible dans une pièce non traitée (bureau, salon). La réverbération est présente, mais modérée. Encore pire : une voix parlée enregistrée dans un escalier ou un hall d’entrée en béton très résonant.

Clarity Vx DeReverb : Le Workflow Zéro Friction

L’atout majeur de Clarity Vx se révèle immédiatement. En l’insérant directement sur la piste de voix et en ajustant le single knob, on obtient en moins de 10 secondes une réduction de réverbération spectaculaire.

• Résultat : Le bruit de pièce s’évanouit, la voix gagne en proximité et en présence.
• Verdict : Idéal pour un workflow rapide et des livrables urgents. C’est le champion de la simplicité pour l’utilisateur qui ne veut pas se plonger dans une analyse spectrale. Le risque d’artefacts est minime tant que l’on n’abuse pas du réglage.

iZotope RX 11 : Le Scalpel de la Précision

Avec iZotope RX 11, le processus est différent. Nous exportons la piste dans l’éditeur standalone d’RX et utilisons le module De-reverb. Nous pouvons visualiser le spectrogramme pour identifier les fréquences exactes de la réverb.

• Résultat : L’élimination de la réverbération est plus chirurgicale. L’utilisateur peut affiner l’algorithme pour préserver des caractéristiques spécifiques de la voix.
• Verdict : Si l’enregistrement est particulièrement difficile ou si l’on cherche une préservation du son parfaite à 100%, RX 11 offre un niveau de contrôle supérieur. Cependant, le temps de traitement est plus long (export/import), ce qui ralentit le processus de post-production audio. Et en fin de compte la qualité du résultat est loin d’être supérieure à celle obtenue avec Clarity.

Conclusion Voix Parlée : Clarity Vx gagne sur la rapidité et la facilité d’utilisation. RX 11 l’emporte sur la finesse et la précision ultime pour la restauration audio.

Cas n°2 : La Déréverbération sur un Mixage Musical Stéréo

Ce scénario est le plus délicat et est généralement réservé à la restauration professionnelle ou à l’échantillonnage : atténuer la réverbération excessive sur une piste stéréo complète (un mixage final) ou un enregistrement où la réverbération des instruments a été enregistrée en même temps que l’ambiance.

Clarity Vx DeReverb : Limites et Spécialisation

Comme son nom et sa technologie l’indiquent, Clarity Vx est principalement entraîné pour la voix.

• Résultat : Sur un mixage complexe (batterie, basse, guitares, clavier, chant), l’algorithme a tendance à devenir un peu confus. Il peut introduire une coloration audible sur les instruments autres que la voix principale, et la réduction de réverbération devient imprécise.
• Verdict : Il n’est pas l’outil idéal pour la déréverbération musicale complexe sur piste stéréo. Il brille uniquement lorsque la voix est l’élément dominant et cible.

iZotope RX 11 : Le Champion de la Polyvalence

C’est ici que la suite RX prend une avance assez nette. Grâce à son analyse spectrale avancée et à son module Music Rebalance (dans les versions Standard ou Advanced), RX 11 peut non seulement traiter la réverbération de la piste complète, mais aussi tenter d’isoler les éléments du mix (chant, basse, percussions) avant d’appliquer la réduction sur la réverb seule.

• Résultat : La capacité à opérer sur la forme d’onde et le spectrogramme donne une puissance inégalée pour nettoyer un mixage stéréo complexe. Le contrôle précis permet d’atténuer la réverbération sans rendre le mix « sec » ou artificiel.
• Verdict : iZotope RX 11 est le vainqueur incontestable pour la réduction de réverbération sur un contenu musical complet. Il est la référence absolue pour la restauration et le mastering.

Le Facteur Usability et Workflow

• Clarity Vx : Son format VST3 insert permet un usage en temps réel au sein de votre DAW (Pro Tools, Logic, Cubase, etc.). Vous entendez le résultat instantanément, ce qui accélère incroyablement la phase de mixage. Le réglage « One Knob » est très efficace et permet de ne pas se noyer dans les détails
• iZotope RX 11 : Il peut être utilisé comme éditeur externe : vous envoyez le clip audio dans l’application RX, effectuez le traitement, puis le clip corrigé revient dans votre DAW. Mais vous pouvez aussi l’utiliser en insert car c’est aussi un VST3. Beaucoup de réglages possibles, mais on s’y perd. C’est plus lent et donc notre oreille s’y perd au bout de quelques minutes seulement. Réservé aux professionnels aux oreilles très entraînées, mais on peut sans doute atteindre des traitements plus précis.

Conclusion et Recommandations

Les deux plugins excellent dans l’art d’enlever la réverbération, mais ils servent des objectifs différents. Le choix entre Clarity Vx DeReverb et iZotope RX 11 dépendra de votre profession et de votre priorité : rapidité ou contrôle absolu.

Tableau Récapitulatif : Clarity vs. RX 11

Pour qui choisir quel plugin ?

• Recommandation pour le Podcasteur/Créateur de contenu : Si 90 % de votre travail est la voix parlée et que la rapidité est votre maître mot, optez pour Clarity Vx DeReverb. Son efficacité VST3 en temps réel est imbattable pour le volume de travail quotidien.
  Pour plus d’infos : Clarity VX DeReverb
• Recommandation pour l’Ingé-Son / Restaurateur : Si vous travaillez sur des projets complexes, des musiques mixées, ou si vous devez corriger des défauts extrêmes avec la plus grande transparence possible, l’investissement dans la suite iZotope RX 11 est indispensable. C’est la boîte à outils ultime.
  Pour plus d’infos : iZotope RX 11

En tout état de cause , je vous rappelle que le meilleur des traitements, c’est de ne pas avoir à en faire.
Vous avez donc besoin d’un très bon enregistrement initial. Par conséquent, soignez la prise de son ! Ca vous fera gagner beaucoup de temps et de qualité dans vos productions, quelles qu’elles soient.
Ces outils de réparation sont des correcteurs, pas des magiciens !

Pour aller plus loin

Produire de la musique en home studio ou réaliser des podcasts chez soi, c’est tout à fait faisable. Mais atteindre une qualité professionnelle suppose d’acquérir les compétences techniques nécessaires et surtout la bonne méthode de travail.

Etre accompagné·e dans cet apprentissage permet de gagner beaucoup de temps et d’atteindre efficacement une qualité de son professionnelle. Vous pensez peut-être gagner quelques semaines ?

Détrompez-vous ce sont des mois, voire même des années que vous allez gagner et vous aller enfin pouvoir accomplir vos projets.

Voilà pourquoi depuis plusieurs années, j’accompagne les musiciens·nes et les podcasteurs·ses dans leur production musicale ou la réalisation de leurs podcasts :

Vous avez tous au moins une centaine de plugins vst disponibles dans votre logiciel audio. Entre ceux qui sont fournis d’origine et ceux que vous avez téléchargés par la suite.
Je le sais, moi c’est pareil. Mais je me suis aperçu qu’au bout du compte je ne me sers que d’une dizaine d’entre eux et toujours les mêmes. Ce sont ceux que je préfère et qui me permettent de mixer et mastériser correctement dans tous les cas de figure.

Est-ce que c’est subjectif ? Il y a forcément une part de subjectivité et puis je n’ai pas testé tous les plugins du monde. Cà, personne ne l’a fait, il y en a beaucoup trop.

Mais avec l’expérience et les résultats obtenus, je crois ne pas me tromper beaucoup.

Alors voilà une liste et une analyse de mes 10 meilleurs plugins vst actuellement disponibles, avec des conseils sur leur utilisation.

2 plugins vst en général, pour toutes vos pistes :

Je vous conseille 2 super plugins indispensables et magiques à placer en insert sur à peu près toutes vos pistes.

UAD Manley Tube Preamp

Ce plugin une simulation de l’excellentissime préampli à lampes Manley. Et là UAD a fait très fort. Magique, aussi bien pour les voix que pour les drums, les guitares, les claviers.

Vous avez des presets de rêve pour à peu près tous les instruments et vous pouvez affiner, doser. Le son chaud des lampes, à très petit prix. Mais attention ne compressez pas trop, n’en abusez pas !

UAD Manley Tube Preamp

Waves IR1 Convolution Reverb

Et sinon, vous avez besoin à coup sûr d’un très bon plugin de réverb à convolution qui vous permettra au moins et à la fois une réverb courte et une longue. Attention à l’utiliser en sends, évidemment !

Pourquoi à convolution ? Parce qu’elles sonnent vraiment très naturelles, elles sont modélisées à partir d’un véritable espace (studio, salles de tailles différentes, excellentes acoustiques).

Quelques DAW (Digital Audio Workstation) en proposent en interne, comme Cubase : c’est l’excellente Reverence ! Perso, je n’utilise que cette réverb, elle est absolument parfaite.

Si votre logiciel n’en propose pas, je vous conseille fortement la Waves IR1 Convolution Reverb. Elle est top avec des collections de presets modélisés à partir de studios, de salles d’exception.

Waves IR1 Convolution Reverb

1 plugin vst pour les basses

Waves Maxxbass

Ce plugin vst est un must pour bien faire sonner vos basses que ce soit des basses synthé, des basses guitare ou même des contrebasses.

Et Dieu sait que les basses fréquences sont hyper importantes et difficiles à gérer dans un mix. Elles peuvent ruiner, encombrer, brouiller l’espace de votre mix, pour peu qu’on les veuille bien punchy.

Maxxbass vous aidera à bien les placer dans votre mixage. Sans assombrir, sans brouiller votre mix. Ce plugin intelligent fait merveille pour tous les styles de musique.

Waves Maxxbass

4 plugins pour le traitement des voix

Si vous faites beaucoup d’enregistrements de voix parlées ou chantées, vous avez tout le temps besoin de petits utilitaires pour nettoyer certaines d’entre elles, mais aussi pour travailler le son de ces voix et inventer de nouveaux sons.

Waves DeBreath

Si vous faites beaucoup d’enregistrements de voix parlée ou chantée, ce petit plugin peut vous être très utile pour supprimer ou minimiser les bruits de respiration.

Une fois que vous avez affiné vos réglages en fonction de la voix que vous enregistrez, Waves DeBreath fait son boulot automatiquement et en temps réel. Quel gain de temps pour nettoyer vos pistes de voix !

Waves DeBreath

Waves Deesser

Encore un petit plugin bien pratique, si vous avez une voix qui siffle beaucoup, que ce soit du chant ou de la voix parlée. Vous savez, ces sifflantes qui rendent certaines voix agressives, même parfois insupportables.

Là encore un petit réglage et le Waves Deesser va faire son boulot. Vous pouvez même mettre en mémoire le réglage pour une voix en particulier.

Waves Deesser

Waves Harmony

Les choeurs (harmony vocals) sont très employés dans la pop, le hip hop, le rnb, la soul, le funk. Mais que faire si vous n’avez pas sous la main ce trio de wonderful singers ? Ce bon plugin bien réglé peut faire très bien le job. Mais vous pouvez aussi l’utiliser pour doubler des lead vocals ou des mots rappés.

Vous pouvez régler la hauteur, le panoramique et le volume de chacune des voix pour créer votre groupe de backing vocals.

Waves Harmony

Waves Tune Real Time

Je connaissais déjà le plugin Waves Tune, mais cette version plus récente travaille en temps réel. C’est encore mieux.

Vous pouvez l’utiliser pour corriger des voix qui ne chantent pas très juste et croyez-moi, il y en a pas mal chez les chanteurs, chanteuses amateurs. Mais aussi pour des effets style autotune, vocoder et vous pouvez vraiment inventer des traitements fous …

Vous pouvez aussi retenir les plugins que je vous ai indiqués pour toutes vos pistes, ils sont particulièrement indiqués pour les voix (manley tube preamp et bien sûr réverb !

Waves Tune Real Time

3 plugins pour mixer et masteriser

Nx Virtual Studio

Il est théoriquement déconseillé formellement de mixer et de mastériser au casque. Mais si vous êtes obligé·e de mixer au casque dans votre tout petit home studio, pour ne pas gêner les voisins ou si vous n’avez pas de vrais monitors de studio… C’est la honte !?

Ben non, c’est maintenant tout à fait possible de mixer correctement au casque, car ce plugin vst pourra corriger la courbe de réponse de votre casque, rétablir la même frontalité qu’une paire de monitors et même vous permettre de travailler dans l’acoustique de la cabine de plusieurs grands studios (très bien choisis, d’ailleurs).

Lien NX Virtual Studio

Youlean Loudness Meter 2

Un plugin indispensable si vous voulez contrôler la Loudness de votre master pour respecter les recommandations des plateformes numériques ou être d’équerre pour une diffusion sur CD.

Et oui, on n’est plus du tout dans la surcompression qu’on a pu connaître dans les années 90-2000 : c’est une des bonnes choses qu’a apporté la diffusion en streaming sur le web. Mais si vous ne faites rien, vous risquez bien de sortir des clous et d’avoir de grosses surprises en diffusion.

La version gratuite du plugin vst Youlean Loudness Meter 2 est largement suffisante pour contrôler vos Lufs.

Youlean Loudness Meter 2

Waves L1 Ultra Maximizer ou Waves Online Mastering

Là, je ne vais pas trancher : je vous propose une alternative pour un mastering hyper simple et efficace. Attention ! A condition que votre mix soit impeccable, le mastering peut consister tout simplement à lui donner la touche finale et surtout à le bonifier, à l’intensifier, à lui donner présence et impact.

Pour cela un bon maximizer peut très bien faire l’affaire. C’est en fait un compresseur-limiteur réglé d’une certaine manière pour faire ce job sur votre bus de sortie. Et ma recommandation va à celui qui pour moi est inégalé : le L1 Ultra Maximizer.

Et l’alternative, me direz-vous ? C’est la solution de mastering online de Waves qui pour moi fait à peu près la même chose. Elle fonctionne avec des styles, des modèles, des références. L’idée est de laisser l’IA s’inspirer d’une musique de référence que vous pouvez choisir pour mastériser dans ce style. Si vous voulez sonner un peu comme Prince ou Doctor Dre ou je ne sais pas, moi …

Waves L1 Ultra Maximizer

Pour conclure

Alors, je crois que vous pouvez me faire confiance. Pourquoi ? Avec l’expérience, j’ai éclairci pas mal de problèmes au studio. J’ai trouvé la méthode qui répond le mieux à toutes les situations.

Vous le savez peut-être, c’est ma méthode Less is More. Pourquoi faire compliqué, alors qu’on peut faire simple ? Tout le contraire de celle de l’administration française, vous savez bien…

Alors c’est tout simple : je n’utilise plus que les plugins VST que je vous ai listés dans cet article. Et çà le fait ! C’est le fruit de plusieurs dizaines d’années d’expérience.

Vous avez remarqué que j’utilise beaucoup les plugins vst Waves. Bien sûr, il existe d’autres très bons fabricants, mais cette firme a une très grosse expérience, un catalogue très important et leurs plugins vst sont utilisés par les ingés-son dans tous les grands studios et même en live sur les grosses tournées.

Une précision encore : bien entendu, je n’ai pas intégré les égaliseurs. Ce ne sont pas des plugins à rajouter, vous les avez déjà la plupart du temps sur la tranche de toutes vos pistes et c’est bien suffisant.

Un seul conseil pour l’égalisation : plus vos sons sont bons au départ, moins ils auront besoin d’égalisation. Là aussi suivez ma méthode Less is More !

Je vous remets les liens pour tous ces plugins vst :
Plugins Waves, Plugins UAD (Universal Audio), Youlean

Pour aller plus vite et plus loin, formez-vous !

Les home studistes cherchent souvent à retrouver la magie sonore des studios mythiques d’Abbey Road et de Capitol Studios, dont les dispositifs de réverbération des années 60 et 70 sont entrés dans la légende.

Les Réverbs Analogiques : Chambers et Plates

Les Echo Chambers (Chambres d’Écho)

Les echo chambers sont des pièces conçues pour réfléchir le son de manière homogène. Elles sont souvent construites avec des matériaux réfléchissants comme le béton, le carrelage ou le marbre, et leur taille peut varier de quelques mètres carrés à des dimensions plus imposantes. Le son y est diffusé via des haut-parleurs et capté par des microphones placés stratégiquement pour obtenir une réverbération naturelle et complexe.

Leur principe de fonctionnement : le signal est envoyé à un haut-parleur qui diffuse le son dans la pièce. Les ondes sonores rebondissent sur les surfaces de la chambre et sont captées par des micros positionnés à des distances variées pour créer une réverb naturelle et très riche.

Les Plates (Réverbs à plaque)

Les reverb plates fonctionnent grâce à une grande plaque métallique vibrante mise en mouvement par un transducteur. Contrairement aux chambres d’écho, les plates produisent une réverb plus dense et homogène, plus colorée et particulièrement appréciée pour sa clarté et sa chaleur.

Leur principe de fonctionnement : le signal audio est envoyé à un transducteur qui fait vibrer la plaque métallique. Deux microphones fixés de part et d’autre de la plaque captent les vibrations pour générer un signal réverbéré.

Les plaques EMT 140 sont les plus célèbres et ont été (et sont toujours) utilisées dans de nombreux studios légendaires pour leur signature sonore unique. C’était le cas dans la plupart des grands studios dès les années 60.

les réverbs à plaque EMT 140 à Abbey Road

Les Studios Mythiques : Abbey Road et Capitol

Abbey Road Studios (Londres)

Fondés en 1931 par la société EMI, les Abbey Road Studios sont situés dans le quartier de St John’s Wood à Londres. Ce complexe est rapidement devenu un lieu emblématique de l’histoire de la musique grâce à des enregistrements historiques. C’est ici que les Beatles ont enregistré leurs albums légendaires, sous la direction de George Martin. Mais c’est aussi le cas de la plupart des grands albums de la pop britannique.

Le studio dispose de plusieurs salles d’enregistrement, chacune dotée d’acoustiques uniques. Les plaques EMT 140, introduites dans les années 50, sont devenues un élément essentiel du son Abbey Road. Chaque plaque pouvait être ajustée pour modifier la durée de réverbération, ce qui offrait une grande flexibilité. Les ingénieurs du son utilisaient souvent plusieurs plaques simultanément pour enrichir la texture des voix et des instruments.

Caractéristiques clés : les plaques EMT 140 intégrées dans le signal des consoles vintage.
Outre l’acoustique excellente des différentes salles des studios, Abbey Road utilise aussi des chambres de réverb (chambers), souvent combinées aux plates pour créer des esapces acoustiques variés.
Sessions emblématiques : les guitares planantes de « A Day in the Life » et les voix réverbérées de « Here Comes the Sun ».

Capitol Studios (Los Angeles)

Les Capitol Studios, situés au cœur d’Hollywood dans le célèbre Capitol Records Building, ont été inaugurés en 1956. Ce complexe est connu pour ses chambres d’écho souterraines, conçues par le légendaire Les Paul et l’ingénieur acoustique Eugene L. Sellaro. Ces chambres d’écho sont encore utilisées aujourd’hui et offrent une réverb naturelle inégalée.

Ces echo chambers se trouvent à près de 10 mètres sous terre pour garantir un isolement acoustique optimal. Chaque chambre est dotée de murs en béton poli pour maximiser les réflexions. Les microphones peuvent être déplacés dans la pièce pour ajuster le temps de réverbération et l’intensité des retours.

Caractéristiques clés : jusqu’à 6 chambres distinctes, chacune ayant sa propre signature sonore.
Temps de réverbération ajustable entre 0,5 et 5 secondes selon la configuration.
Sessions mythiques : Nat King Cole, Frank Sinatra et les grands classiques du jazz et du rock.

Chambers réverbs : à gauche Capitol Studios et à droite Abbey Road

Les Émulations Numériques : Waves et UAD

Vous l’aurez compris, ce n’est pas un hasard si les 2 principaux fabricants de plugins vst se sont penchés très sérieusement sur la modélisation des ces réverbs analogiques légendaires.

Que veut dire modélisation ? Souvenez-vous : la génération précédente des plugins vst de réverbs numériques avait vu naître les réverbs à convolution.

Et bien c’est exactement de çà qu’il s’agit : dans des lieux acoustiques réels, poser des micros de mesure, enregistrer les halos de réverb propres à la salle et les modéliser numériquement pour pouvoir les reproduire le plus fidèlement possible dans un plugin vst utilisable dans un logiciel audio.

On a vu fleurir ces réverbs à convolution modélisées à partir de salles de concert, de studios, d’églises, etc… Un exemple excellent que j’utilise personnellement depuis pas mal d’années : la Réverb Révérence de Steinberg, présente dans Cubase Pro.

Mais les dernières années Waves et UAD se sont attaqués à la modélisation du son analogique que beaucoup d’ingés-son et de producteurs aiment pouvoir insuffler dans le contexte digital actuel dominant. Et ce sont d’autres couleurs sonores plus vintage, plus chaudes qui reviennent en force dans ce qu’on pourrait appeler le 3ème âge du son numérique.

Waves Abbey Road Reverb Plates

Modélisation : émulation fidèle des plaques EMT 140 des Abbey Road Studios.
Caractéristiques principales : choix de plusieurs plaques avec différents comportements.
Applications : parfaites pour recréer l’ambiance acoustique des classiques du rock et de la pop, notamment pour les guitares électriques et les voix.

Waves Abbey Road Chambers

Modélisation : reproduction des chambres d’écho mythiques d’Abbey Road. NB : on parle improprement d’écho, mais c’est bien de réverb qu’il s’agit.
Caractéristiques principales : simulations de positions de micro et de haut-parleurs.
Applications : pour obtenir des réverbes naturelles aux détails subtils.

UAD Capitol Chambers

Modélisation : émulation des célèbres echo chambers des Capitol Studios. NB : tout comme pour les autres chambers, on parle ici improprement d’écho, mais c’est bien de réverb qu’il s’agit.
Caractéristiques principales : choix des placements des micros et sources pour des variations de profondeur.
Applications : pour des ambiances riches et enveloppantes dans les styles jazz, soul et orchestral.

UAD EMT 140

Modélisation : recréation ultra précise des plaques EMT 140. NB : il s’agit là de la même réverb à plaques utilisée dans tous les grands studios depuis les années 60.
Caractéristiques principales : ajustement des paramètres de pré-délai, de longueur de réverb et choix du type de plaque.
Applications : adaptable à tous les types de mix, des voix aux percussions et tout spécialement aux guitares électriques.

Quelques conseils pour bien utiliser ces plugins de réverb

Choix de la réverb selon le style musical

Une plate EMT 140 fonctionne bien pour des ballades pop ou rock, notamment sur les guitares électriques et les voix. Ce sont des réverbs au son caractéristique, dont la brillance a toujours été recherchée par les ingés-son.

Les chambers recréent mieux des espaces de pièces plus ou moins grandes et aux couleurs plus ou moins sombres ou claires. Elles sont souvent employées pour des arrangements orchestraux ou sur tout un mix.
Mais bien entendu, tout est possible. Si vous les maitrisez bien, soyez créatifs, inventez votre propre son.

Que choisir : Waves ou UAD ?

Ces 4 plugins sont à peu près au même prix : aux alentours de 40 Euros chacun. Et dans certains cas, vous pouvez même les tester gratuitement.
Mon opinion : la qualité est au rendez-vous pour les 4. Renseignez-vous, lisez attentivement la présentation de chacun de ces produits. Et laissez vous aller à votre instinct.

Pour ma part j’ai très subjectivement choisi : Abbey Road pour les plates et Capitol pour les chambers. Mais dans l’idéal et vu le prix économique de ces plugins, pourquoi ne pas acheter les 4 ?
Allez voir de plus près :

Comment les utiliser ?

Je vous conseille de ne pas trop tripatouiller dans les réglages. Chacun de ces plugins vous proposent des presets très bien faits : vous avez le choix.

Utilisation subtile des send/returns : Les réverbs s’utilisent à 90% en sends vers des bus. En effet, le plus souvent 3 à 4 réverbs sont suffisantes pour votre mix : par exemple 2 chambers, dont 1 courte, 1 longue et 1 plate.
La cohérence d’un album est souvent plus importante que des variantes infinies dans les traitements. Un tel choix très strict peut même être un élément signature de votre son.

Combinaisons intelligentes : La cohérence d’un album est souvent plus importante que des variantes infinies dans les traitements. Un tel choix restreint et très strict de 3 réverbs peut même être un élément signature de votre son.

Pour Conclure

Les plugins Waves et UAD offrent des solutions complètes et fidèles pour recréer un peu de l’ambiance acoustique des studios mythiques d’Abbey Road et de Capitol.

En home studio, vous pouvez ainsi enrichir vos productions avec une palette sonore vintage, en retrouvant un peu de l’esprit analogique des années 60 et 70. Vous pouvez réchauffer vos pistes numériques avec ces excellentes émulations de réverbs analogiques mythiques.

Soyez créatifs, n’hésitez pas à partager vos expériences et à explorer les possibilités offertes par ces outils exceptionnels.

Pour aller plus loin et mieux comprendre

Dans mes formations, je vois tous les jours trop, beaucoup trop de ces très mauvaises pratiques qui barrent la route vers le son professionnel que nous souhaitons tous obtenir dans notre home studio. Voilà pourquoi dans cet article, je vous propose 7 très bonnes pratiques pour un son professionnel dans votre home studio. Retrouvez sur notre site la formation Home Studio.

1. A la prise !

Lorsque vous enregistrez un son, zéro égaliseur, zéro compresseur, zéro plugin, ce qu’il vous faut c’est le vrai son brut d’un très bon micro très bien placé. Aucune correction. Et c’est tout !

Pourquoi ? Parce qu’il est essentiel de capter toutes les fréquences, tout le rendu de votre bon micro de studio.

Vous n’avez pas de bon micro ? Alors commencez en priorité par en acheter un, un micro à grosse capsule : je vous conseille un Neumann ou un Rode. Mais de grâce, évitez tout le reste !

Et attention, méfiez-vous des vulgaires copies chinoises sur Ali Express. N’achetez jamais çà, vous le regretteriez amèrement.

Et apprenez les bons placements de micro !

2. Les égaliseurs ?

Dans 90% des pistes vous n’avez pas besoin de plus de 2 égalisations. Et même parfois aucune correction. Pourquoi ?

Si vos sons enregistrés sont de bonne qualité, généralement ils ne demandent pas plus qu’un petit coupe-graves ou sans doute une petite bosse de présence.

Et les instruments virtuels que vous choisissez ont un son de qualité, donc c’est pareil. Ne croyez pas que vous devez absolument utiliser toutes les bandes de fréquence possibles sur votre égaliseurs.

Et en plus, à chaque fois que vous allumez un réglage, vous consommez du processeur, ce qui est vital dans votre home studio.

Si vos sons sont de bonne qualité, pourquoi les égaliser ?

Et si vos sons ne sont pas de bonne qualité ? Et bien jetez-les à la corbeille et recommencez ! Attention, parfois l’acoustique de votre local, de votre home studio peut elle aussi être responsable de la mauvaise qualité de vos prises de son.

N’utilisez que des sons qui sont au top !

3. Les compresseurs ?

Pour compresser quoi ? Utiliser des compresseurs est souvent très compliqué, d’ailleurs savez-vous ce que fait exactement un compresseur ? Comment il fonctionne ? Et quel compresseur utiliser, quand et où ?

Je suis quasi certain que vous ne savez pas grand chose en cette matière.

Alors compressez le moins possible : jamais de compression à la prise, vous pouvez utiliser des presets de compression, mais compressez toujours légèrement, jamais à donf !

Pourquoi ? Si vous compressez trop, vous allez écraser, voire même bousiller votre son, réduire sa dynamique et enfreindre les standards des plateformes et des supports physiques.

Savez-vous aussi qu’il existe d’autres moyens de rectifier la dynamique de vos pistes tout en préservant la qualité du son ? On peut appeler çà la compression sans compresseurs et çà s’apprend …

4. Réchauffer votre son ?

Un des seuls reproches qu’on peut faire au son numérique, c’est qu’il est assez clinique, un peu froid, un peu trop clean. C’est assez vrai quand on le compare au bon vieux son analogique des bandes magnétiques et des lampes.

Alors comment réchauffer le son numérique ? On peut utiliser des consoles de mixage cultes, des pré-amplis à lampes hors de prix, des micros de studio à lampes. Çà peut coûter très, très cher !

Par ailleurs, ce qu’on veut, dans son home studio, c’est pouvoir mixer dans son ordinateur, sur son logiciel audio. Mixer dans la boîte, comme on dit souvent.

Et bien on fait depuis plusieurs années des émulations de pré-amplis à lampes, de bande magnétique analogique, et ils sont de plus en plus efficaces et assez faciles à utiliser.

Les grandes marques de plugins font maintenant de très belles choses qui permettent de réchauffer et de bonifier le son numérique.

5. Aérer votre mix !

Aérer, créer de l’espace autour de vos sons, dans votre mix. C’est le fin du fin, ce que peu de home-studistes amateurs savent faire vraiment.

Sauriez-vous expliquer ce que c’est que l’écoute stéréophonique ? Comment cela fonctionne ? Et comment recréer artificiellement un espace stéréo dans votre mix ? Et oui, ce n’est pas seulement panpoter des sons à droite, à gauche et au centre.

C’est bien plus que cela ! Savez-vous utiliser la profondeur ? Créer cette dimension dans votre mix ?

Alors si vous n’avez pas appris à faire tout çà, pas la peine d’essayer le mixage en binaural ou en dolby atmos.

Vous allez d’abord devoir apprendre à faire votre espace stéréo à la base avec des réverbs et des delays.

6. Mastériser c’est compliqué ?

Pas tant que çà. Bien sûr, il faut savoir le faire car cela demande quelques précautions. La plupart du temps cela consiste principalement à résoudre les éventuels conflits de fréquences et à redonner un peu plus de peps à votre mix dans les limites des préconisations des différents supports de diffusion.

Encore faut-il savoir déceler les problèmes, comment les résoudre et avoir toutes les bonnes informations.

Mais en général et à condition d’avoir une bonne base, c’est à dire un bon mix, c’est tout à fait faisable en home studio.

Ah j’oubliais : il faut aussi une bonne écoute de studio pour faire un bon mastering et c’est en général ce qui fait défaut dans la plupart des home studios. Sans compter des oreilles éduquées et affinées, çà aussi, çà ne court pas les rues.

7. Alors Combien de plugins ?

Pour bien produire un titre dans votre home studio, il ne faut pas plus de 10 plugins différents dans votre projet.

Sur les pistes : un égaliseur, un préampli-compresseur, un délay, départ vers 2 réverbs, 2 bus de réverbs (une courte , une longue)

Sur la sortie master, un maximizer, un égaliseur multibandes ou un correcteur de , un plugin de mesure.

Vous avez compté ? Entre 8 et 10, pas plus. Evidemment si vous avez 24 pistes, il en faudra un peu plus, mais en utilisant les sends et les groupes, vous allez économiser du processeur à tire larigot.

Avez-vous besoin de plus ? Je ne crois pas. C’est la méthode de production professionnelle qui tue : Less is More, en ne surtraitant jamais systématiquement les sons.

Pour conclure

Dans votre home studio, simplifier les processus techniques, élaguer, supprimer beaucoup de plugins vous permet de retrouver un son plus naturel, des mixes plus respectueux des sons et de nos oreilles.

C’est çà la méthode Less is More, celle qu’utilisent tous les créateurs, les meilleurs des meilleurs. Comme disait Antoine de Saint-Exupéry : «  L’oeuvre est terminée lorsqu’il ne reste plus rien à enlever. »

Pour aller plus loin :

C’est aussi cette méthode que j’enseigne dans toutes mes formations audio et vidéo qui concernent le home studio, le podcast et la vidéo :