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LEMUR : outil ultime pour contrôler tactilement votre musique en MIDI sur iPad

le logo de LEMUR bleu sur fond noir


Imaginez ! Grâce à LEMUR, votre iPad ou votre iPhone devient le cœur de votre setup musical, vous permettant de contrôler tactilement chaque paramètre de votre DAW ou de vos instruments avec une précision et une flexibilité inégalées. 

C’est précisément ce que propose LEMUR, un logiciel révolutionnaire développé par Midi Kinetics, qui a redéfini la manière dont les musiciens, producteurs et DJs interagissent avec leurs outils numériques.

À l’ère où les contrôleurs MIDI physiques, bien que robustes, peuvent s’avérer encombrants et limités en termes de personnalisation, LEMUR se présente comme une alternative tactile, intuitive et entièrement adaptable. Que vous soyez en studio, en répétition ou sur scène, ce logiciel transforme votre appareil iOS en une surface de contrôle MIDI sur mesure, capable de s’adapter à vos besoins les plus spécifiques.

Dans cet article, nous plongeons dans son histoire, de ses origines françaises à son évolution actuelle, en passant par ses fonctionnalités phares et ses applications pratiques en studio et en live.

Vous découvrirez comment le configurer et l'utiliser pour optimiser votre workflow, ainsi que des astuces pour tirer le meilleur parti de cet outil polyvalent.

Historique : La genèse française de LEMUR

Les débuts : JazzMutant et l’innovation tactile

Naissance en 2004 sous l’impulsion de JazzMutant, une start-up française fondée par Guillaume Wolff et Vincent Kasper. À l’époque, les contrôleurs MIDI étaient principalement des boîtiers physiques avec des boutons et des faders prédéfinis. JazzMutant a révolutionné ce concept en introduisant le Lemur Input Device, un contrôleur matériel doté d’un écran tactile multipoints et de capteurs de pression, offrant une liberté de personnalisation inédite.

Ce premier modèle hardware, bien que très coûteux et réservé à une niche de professionnels de haute volée, a rapidement séduit des artistes de renom comme Daft Punk ou Jean-Michel Jarre, qui l’ont intégré à leurs performances live. Son interface tactile et sa capacité à s’adapter à différents logiciels en ont fait un outil prisé des pionniers de la musique électronique.

Liine : Le pont entre JazzMutant et Midi Kinetics

L'origine :

Après la fermeture de JazzMutant (la société française à l'origine du contrôleur matériel LEMUR), une partie de l'équipe a créé Liine en 2011. Leur objectif était de transposer l'expérience tactile de LEMUR sur iPad, en capitalisant sur l'héritage du matériel original.

Développement de LEMUR pour iOS :

Liine a lancé la première version de LEMUR pour iPad en 2011, en collaboration avec les créateurs originaux. Cette version a conservé l'ADN du LEMUR hardware : une personnalisation poussée, multi-touch, et avec une intégration MIDI/OSC.

La transition vers Midi Kinetics :

En 2016, Liine a été rachetée par Midi Kinetics, une société américaine spécialisée dans les solutions de contrôle MIDI.

Midi Kinetics a repris le développement de l'appli, en ajoutant des fonctionnalités et en optimisant l'application pour les nouvelles versions d'iOS.

La démocratisation sur iOS

En 2011, LEMUR devient donc un logiciel accessible sur iPad et iPhone, abandonnant son format matériel pour une solution 100 % numérique.

Cette transition a permis de démocratiser l’outil, le rendant accessible à un public plus large tout en conservant sa puissance et sa flexibilité. Aujourd’hui, l'appli est utilisée par des milliers de musiciens à travers le monde, des producteurs en studio aux musiciens électro et DJs en tournée.

LEMUR aujourd’hui : Un contrôleur MIDI tactile nouvelle génération

Compatibilité et intégration

Disponible sur l’App Store, l'appli est compatible avec : 

iPad (iPadOS) et iPhone (iOS).
La compatibilité androïd est annoncée par Midi Kinetics pour 2025
Les principaux DAW : Ableton Live, Logic Pro, Bitwig, FL Studio, Cubase, etc.
Les protocoles MIDI et OSC (Open Sound Control), permettant une communication fluide avec une multitude d’instruments et de logiciels.

Les fonctionnalités clés

LEMUR se distingue par sa personnalisation poussée et son éditeur visuel intuitif. Voici ce qu’il propose :

Éditeur visuel et personnalisation

Glisser-déposer : Ajoutez des boutons, faders, pads, XY pads, et bien plus en quelques clics. 
Design sur mesure : Ajustez les couleurs, les tailles, et les comportements (ex : feedback visuel en temps réel). 
Multi-touch : Gérez plusieurs paramètres simultanément avec plusieurs doigts.

Templates et bibliothèques

Préréglages pour les DAW populaires (Ableton, Logic Pro, Serato, etc.). 
Partage communautaire : Import/export de templates créés par d’autres utilisateurs.

Connectivité flexible

Wi-Fi, Bluetooth MIDI, ou câble USB (via adaptateur Lightning/USB-C). 
Latence réduite en mode filaire pour une réactivité optimale. 
Fiabilité : En mode filaire (usb), la fiabilité du MIDI est totale, ce qui n'est pas le cas pour le wifi ou le bluetooth qui peuvent ne pas fonctionner dans certains endroits.

Prix et extensions

Version de base : Environ 25-30€ (tarif variable selon les mises à jour). 
Extensions payantes : Packs de templates ou fonctionnalités avancées.

Tuto : comment fonctionne LEMUR ?

Étape 1 : Installation et configuration

Téléchargez l'appli depuis l’App Store. 
Connectez votre appareil à votre DAW ou instrument MIDI : 
Via Wi-Fi : Idéal pour une utilisation sans fil (nécessite un réseau local stable). 
Via câble USB : Pour une latence minimale et une fiabilité à 100%. 
Paramétrez les entrées/sorties dans les préférences de votre DAW (ex : dans Ableton Live, allez dans Préférences > Link/MIDI).

Étape 2 : Création d’une interface personnalisée

Choisissez un template (ex : "Ableton Live Mixer") ou commencez avec une page blanche. 
Ajoutez des éléments : 
Boutons : Pour déclencher des clips ou des effets. 
Faders : Pour contrôler les volumes ou les paramètres d’effets. 
XY Pads : Pour moduler plusieurs paramètres simultanément (ex : filtre + réverb).

Mappez les commandes MIDI/OSC :
Utilisez le mode "Learn" pour assigner automatiquement un élément à un paramètre MIDI (ex : CC#1 pour le volume d’une piste).
Pour l’OSC, configurez manuellement les adresses (ex : /live/track/volume). 
NB : Je déconseille l'utilisation en OSC car elle est vraiment plus compliquée qu'en MIDI.

Lemur-les objets principaux : pad, bouton rotatif, fader, multislider

Les principaux objets de Lemur

Étape 3 : Utilisation en temps réel

Mode Performance : Verrouillez l’interface pour éviter les modifications accidentelles pendant un live. 
Feedback visuel : Les éléments s’illuminent ou changent de couleur en fonction des actions (ex : un pad clignote quand un sample est déclenché).

LEMUR en studio et en live : Cas pratiques

Mon utilisation de Lemur :

Depuis 2012, pour mon activité de musicien, j'ai construit énormément d'interfaces sur cette appli en partant de zéro, principalement pour le live et pour des ateliers :
- Des interfaces pour des ateliers de musique à l'école
- Des consoles d'enregistrement pour le live
- Une console de spatialisation électroacoustique en concert :  

Lemur- interface principale pour acousmonium octophonique Ableton Live
Lemur- interface quadriphonique pour acousmonium octophonique Ableton Live

- Mon dispositif perso pour mes performances de Live Electronics :

Lemur-interface 1 pour live electronics
Lemur-interface 2 pour live electronics

Comparaison avec les autres contrôleurs MIDI

critère

LEMUR

TouchOSC

Ableton Push

plateforme

ios ( et androïd)

ios et androïd

hardware

personnalisation

très élevée

élevée

limitée

prix

30 €

10/20 €

600/800 €

multitouch

oui

oui

non

intégration

universelle

universelle

uniquement Ableton

Les Avantages de LEMUR :

En situation live : vous pouvez piloter absolument tout votre set sans jamais avoir à toucher votre ordinateur, sans jamais utiliser votre souris. Tout en tactile sur 1 ou plusieurs ipads. 
Convivialité : Créez des interfaces tactiles 100 % personnalisées sans avoir besoin de coder. 
Une fiabilité maximale : directement par usbc sans avoir besoin d'interface. 
Un prix très abordable comparé aux contrôleurs midi matériels. 
Une Communauté active avec partage de templates. 
Usage avancé : après avoir bien pratiqué, vous pouvez très facilement coder des comportements sophistiqués, sans limites et sans être codeur au départ.

Astuces et bonnes pratiques

Réduire la latence : Privilégiez un câble USB plutôt que le Wi-Fi. C'est aussi plus sécure, car le Wi-Fi peut être très instable. 
Désactivez les effets visuels superflus. 
Organisez vos interfaces : Utilisez des onglets pour séparer les sections (ex : "Mix", "Effets"). Codez par couleurs pour une identification rapide. 
Sauvegardez vos projets : Exportez régulièrement vos interfaces sur votre ordi ou sur un cloud. Ça ne prend vraiment pas beaucoup de place. 
Combiner avec d’autres apps : Utilisez Audiobus ou AUM pour chaîner plusieurs applications iOS. 
Astuce : sur scène, utilisez un support pour iPad (ex : stand K&M) pour améliorer l'accès aux commandes et votre mobilité sur scène.

pour les musiciens - Live electronics with Lemur and Ableton Live

Conclusion :  un incontournable pour les musiciens modernes

LEMUR s’impose comme l’outil ultime pour les musiciens, producteurs, DJs et performeurs cherchant à personnaliser leur expérience MIDI avec une flexibilité et une précision inégalées. Que vous soyez en studio ou sur scène, son interface tactile et ses fonctionnalités avancées en font un compagnon idéal pour repousser les limites de votre créativité.

Si vous utilisez Ableton Live sur scène, c'est un must have. Vous savez toutes et tous que le temps musical en live exige des actions précises et très rapides. Voilà pourquoi utiliser l'écran, la souris ou le touch pad de votre ordinateur est une contrainte anti-musicale : des secondes ou même des fractions de secondes impossibles à gérer.

Toutes les commandes dont vous avez besoin dans votre set peuvent être accessibles tactilement, instantanément et musicalement grâce à LEMUR sur votre iPad.

Prêt à essayer ?

Visitez le site web du développeur : https://www.midikinetics.com/lemur/
Téléchargez l'appli sur l’App Store et explorez ses possibilités.
Partagez vos créations avec la communauté en utilisant #MadeWithLEMUR.

Pour aller plus loin

Si vous désirez atteindre le niveau pro dans votre home studio ou bien démarrer de zéro, une formation en ligne accompagnée et coachée vous fera gagner beaucoup de temps, des mois, voire des années : 

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Sondage : lancer votre podcast ?

sondage : qu'est-ce qui vous freine à lancer votre podcast ? technique, temps, sujet, autre ?

Vous avez déjà pensé à lancer votre podcast.. mais vous n’avez jamais sauté le pas ? 

Aujourd’hui, je veux comprendre ce qui vous bloque pour créer et gérer votre propre chaîne de podcasts audio. Manque de temps ? Peur de la technique ? Pas sûr d’avoir un sujet qui intéresse ? 

Dites-moi tout dans ce mini sondage (5 mn max) 

Ca me permettra de vous proposer des événements, des contenus pour vous aider. 
Et en échange de votre temps, je vous enverrai mon guide gratuit : 
« Pourquoi lancer votre podcast maintenant ? 7 bonnes raisons qui balayent toutes les excuses »

Merci d'avance pour votre contribution !

Podcast binaural : plongez vos auditeurs dans une nouvelle dimension sonore

binaural, Industrie du podcast - une femme écoute au casque dans la rue - Festival Entendez-Voir 2023

Imaginez un podcast où vous entendez les pas du personnage passer à gauche, une porte s’ouvrir derrière vous, une voix qui murmure à votre oreille droite. Vous n’êtes plus simple auditeur, vous êtes au cœur de l’action. Bienvenue dans le monde de l’audio immersif, dans l'écoute binaurale. 

Vous pouvez aussi écouter cet article ici :

Longtemps réservé au cinéma ou au jeu vidéo, l’audio spatial devient aujourd’hui accessible aux podcasteurs. Et la technique la plus pertinente et universelle pour cela, c’est le binaural. Léger, efficace, naturel à l’écoute et compatible avec toutes les plateformes.

Dans cet article, on va découvrir ce qu’est le son binaural, pourquoi et comment l’utiliser dans vos podcasts, et avec quels outils techniques vous pouvez déjà commencer.

Pourquoi utiliser l’audio binaural dans un podcast ?

Une expérience d’écoute transformée

Le son binaural reproduit fidèlement la manière dont nous entendons naturellement, grâce à nos deux oreilles. Il donne une sensation de relief, de profondeur et de positionnement des sons dans l’espace, spécialement quand on écoute au casque (ce qui est le cas de la plupart des auditeurs de podcasts).

Le résultat ? Une immersion totale. Vos auditeurs ressentent les événements comme s’ils y étaient. Une ambiance de rue, un espace clos, un personnage qui entre et sort du champ sonore : tout devient vivant, sensoriel.

Se différencier et renforcer la narration

Dans un paysage saturé de podcasts classiques, proposer un contenu binaural, c’est marquer les esprits. L’effet de surprise et de qualité audio provoque une fidélisation naturelle de votre audience.

Pour la fiction audio, le documentaire sonore, le podcast immersif ou le podcast artistique, le binaural est un outil narratif puissant. Il permet d’explorer de nouvelles formes de récits.

Le son binaural : c’est quoi exactement ?

Le binaural reproduit le fonctionnement de notre audition humaine : deux oreilles, séparées par une tête.

Quand un son vient de gauche, il arrive à l’oreille gauche avant l’oreille droite, avec une légère atténuation. Cette différence de temps, ce décalage crée une information de direction. C'est la stéréo de temps.

Nous sommes habitués à écouter tous les styles de musique dans cette réduction stéréophonique naturelle ou artificielle (reconstituée en multipistes) sur une paire de haut-parleurs ou sur un casque d'écoute.

Mais cette prise de son stéréo ne rend pas compte ni du champ arrière ni de la hauteur que nos oreilles sont elles capables de reconnaitre. L'utilisation de 2 micros omnidirectionnels, disposés comme les oreilles sur notre tête, permet de retranscrire le son dans toutes ses 3 dimensions : avant, arrière et hauteur.

C'est le son binaural, parfois appelé aussi son 3D.

le son binaural en immersion

Le binaural est capté grâce à :

  • un micro binaural (parfois intégré dans une tête artificielle, le plus souvent dans des écouteurs intra-auriculaires)
  • ou encore simulé en post-production via des plugins qui recréent la spatialisation en 3D.

L’avantage majeur du binaural : il se restitue parfaitement en stéréo sur un simple casque audio. Aucun besoin d’installation spéciale côté auditeur. C’est ce qui en fait le format idéal pour le podcast immersif.

Ecoutez au casque cette fameuse démonstration de captation binaurale :

Comment produire un podcast en binaural ?

ÉTAPE 1 : Enregistrement binaural

Solution simple : des micros binauraux prêts à l’emploi

  • 3Dio Free Space : deux capsules omnidirectionnelles montées dans des oreilles en silicone, excellent pour les ambiances naturelles et les voix.
  • Roland CS-10EM Binaural 3D micro, écouteurs intra-auriculaires, bonne qualité et prix modeste
  • Zoom H3-VR : enregistreur ambisonique compact, permet une conversion facile en binaural via logiciel.
  • Soundman OKM 1 ou 2 : meilleure alternative au Roland CS-10EM, un peu plus cher, interface smartphone

Ces outils permettent de capturer une ambiance ou un dialogue avec un positionnement naturel des sources dans un espace en 3D.

Je vous recommande les micros Roland ou Soundman :

Astuce : soyez attentif à votre positionnement !

Le son binaural repose sur la spatialisation réelle de la scène. Un personnage à droite doit se tenir à droite du micro. Cela demande une mise en scène sonore réfléchie ou bien de se positionner astucieusement dans un paysage sonore pour mettre en valeur les positions des sources sonores dans l'espace.

ÉTAPE 2 : Montage et nettoyage

Le montage peut se faire dans n’importe quel logiciel audio (Reaper, Audacity, Adobe Audition, etc.). Il faut simplement veiller à conserver la stéréo intacte, sans dénaturer la spatialisation.

  • Supprimez les bruits parasites avec douceur (souffle, clics…)
  • Ne collez pas les sons : laissez respirer l’espace

ÉTAPE 3 : Spatialisation complémentaire (si besoin)

Vous pouvez aussi ajouter des sons mono (ex : bruitages ou instruments) sur une piste et les positionner dans l'espace via un plugin binaural :

  • DearVR Micro (gratuit)
  • Waves Nx Binaural
  • IEM Binaural Panner (Reaper, gratuit)

Ces outils permettent de placer le son d'une piste dans une sphère 3D autour de l’auditeur.

ÉTAPE 4 : Export et diffusion

Exportez votre épisode final en stéréo 44.1 kHz / 16 bits (format MP3, Flac ou WAV). Ce fichier peut être diffusé sans problème sur toutes les plateformes : Apple Podcasts, Spotify, Deezer, YouTube, etc. 

2 vidéos courtes de démo binaurale à écouter au casque : 

Quelles plateformes diffusent le binaural ?

Toutes les plateformes acceptant la stéréo permettent de diffuser du son binaural. En effet, le fichier binaural est au format stéréo. Le rendu sera optimisé pour une écoute au casque, mais reste agréable même sur enceintes.

  • Apple Podcasts : compatible binaural stéréo (et Dolby Atmos pour les formats plus avancés)
  • Spotify
  • Deezer
  • YouTube : attention à la compression, mais ça reste écoutable

Conseil : indiquez dans le titre ou la description de l’épisode « à écouter au casque » pour prévenir l’auditeur et optimiser l’expérience d'écoute en 3D.

Exemples inspirants de podcasts binauraux

En conclusion : à vos oreilles, prêts, spatialisez !

Le son binaural est une porte d’entrée accessible et puissante vers l’audio immersif. Sans avoir besoin de matériel coûteux ni de formation en design sonore, vous pouvez créer des podcasts qui captivent et marquent vos auditeurs.

En 2025, proposer une expérience sonore originale est un véritable avantage concurrentiel. Le binaural est une piste créative, poétique, narrative à explorer. Pourquoi ne pas l’essayer dans votre prochain épisode ?

Votre checklist binaurale

  1. Choisir un micro binaural ou simuler la spatialisation
  2. Créer une mise en scène sonore réaliste
  3. Monter avec soin sans casser la stéréo
  4. Spatialiser les effets et bruitages si besoin
  5. Exporter en stéréo, diffuser sur toutes les plateformes
  6. Mentionner l’écoute au casque dans la description

Vous voulez aller plus loin ?

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C'est possible !

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Plugins VST IA : Révolution en home studio ou mirage technologique ?

plugins VST IA et musique : un studio musical avec des claviers et une image symbolisant l'intelligence artificielle

L’intelligence artificielle s’invite de plus en plus dans la production musicale, notamment via une nouvelle génération de plugins VST IA.
Création de mélodies, mixage intelligent, mastering automatisé… Ces outils basés sur l’IA promettent de transformer la manière de produire de la musique en home studio

Vous pouvez aussi écouter une conversation au sujet de cet article :

Quels sont les meilleurs plugins VST IA en 2025 ? Sont-ils vraiment utiles ou juste des gadgets high-tech ? Dans cet article, je vous propose un tour d’horizon des possibilités et des limites de la création musicale assistée par IA.

Qu’est-ce qu’un plugin VST IA en musique ?

Tous les plugins qui utilisent l’automatisation ne relèvent pas de l’IA. On parle ici de ceux qui intègrent : 

  • du machine learning (apprentissage sur des datasets musicaux),
  • des réseaux de neurones pour reconnaître des motifs, styles ou fréquences,
  • ou des systèmes d’analyse temps réel qui s’adaptent à l’utilisateur.

Ils se divisent généralement en deux catégories :

  • Les Plugins génératifs : ils créent de la musique (mélodies, beats, harmonies) de manière autonome ou semi-assistée.
  • Les Plugins de traitement intelligent : ils analysent un signal audio pour proposer un traitement adapté (EQ, comp, spatialisation…).

Les plugins génératifs : créer avec l’IA

Ces outils vont plus loin que les classiques arpégiateurs ou générateurs MIDI. Ils s’appuient sur des algorithmes d’analyse stylistique et parfois sur de vastes bibliothèques d’œuvres pour générer des idées musicales cohérentes.

Exemples concrets

  • Orb Composer (Hexachords) : génère des progressions harmoniques et des orchestrations dans différents styles.
  • Emergent Drums (Audialab) : crée des sons de batterie inédits grâce à un modèle génératif.
  • Amper Music / AIVA : plateformes complètes de composition musicale par IA.
  • Magenta Studio (Ableton Live - Google) : plugin Ableton pour générer et transformer du MIDI de manière “créative”.
Magenta Studio : plugin vst ia Ableton avec IA basé sur l'IA de Google

Les avantages

  • Ils génèrent des idées rapidement, utile pour surmonter la page blanche.
  • Ils permettent de tester des styles, des combinaisons inhabituelles.
  • Ce sont de bons compagnons pour l’expérimentation.

Les limites

  • Les résultats sont parfois génériques ou manquent de relief.
  • Ils sont moins pertinents pour des musiques très expressives ou “humaines”.
  • Le risque : perdre sa touche personnelle en s’en remettant trop à l’algorithme.

Les plugins de traitement intelligent : IA au service du mix

Dans cette catégorie, l’IA ne compose pas, mais elle analyse le signal audio pour proposer un traitement optimal. Elle peut aussi apprendre de votre workflow.

Exemples notables

  • iZotope Neutron / Ozone : proposent des mix ou des masters “automatiques” selon le style détecté.
  • Sonible smart:EQ / smart:comp : égalisation et compression basées sur l’analyse fréquentielle et dynamique du signal.
  • Gullfoss (Soundtheory) : ajuste automatiquement l’équilibre tonal.
  • Soothe 2 (Oeksound) : supprime les résonances agressives de manière contextuelle.
  • Waves Curve Equator : égaliseur intelligent qui apprend des courbes fréquentielles professionnelles.
  • Curves AQ : modélise les courbes d’EQ de morceaux de référence pour les appliquer à votre mix.
  • IDX Intelligent Dynamics : compresseur IA qui ajuste son comportement selon le contenu audio et le style ciblé.

Ces outils repoussent les limites du mixage automatisé, avec une analyse plus fine et un apprentissage basé sur des références stylistiques concrètes.

Waves Curves Equator : un plugin VST IA pour gérer le mixage et le mastering

Les bénéfices

  • Un bon usage de ces plugins peut faire gagner un temps considérable, notamment pour les tâches répétitives.
  • Ils peuvent dans une certaine mesure permettre aux débutants d’atteindre un résultat pro plus vite.
  • Leurs presets intelligents peuvent être un très bon point de départ pour un mix et même pour le mastering.

Les risques

  • Si l’automatisation est excessive, on peut perdre le contrôle ou la finesse dans les traitements.
  • Certains plugins “apprennent mal” selon le genre musical (tout n’est pas encore bien développé dans ce domaine).
  • Tendance à la standardisation sonore puisqu’on fonctionne principalement à partir de modèles

L’impact des plugins VST IA sur la pratique en home studio

L’arrivée de l’IA dans les plugins redéfinira sans doute les contours du métier de producteur :

  • On peut parler en quelque sorte d’un rôle de curateur qui devient plus central : le producteur ou l’ingénieur du son se charge de trier, affiner, orienter les propositions de l’IA.
  • L’apprentissage de l’oreille reste indispensable : l’IA propose, mais c’est toujours l’humain qui valide.
  • Ces outils démocratisent l’accès à des sons pros, mais peuvent aussi créer une illusion de compétence chez les novices.

Le home studio deviendra certainement à terme un laboratoire collaboratif homme-machine, où le style de l’artiste est aussi défini par ses choix… que par ses refus.

Vers une musique “assistée” ? Un débat éthique et artistique

Des questions plus globales émergent :

  • À qui appartient une œuvre générée par IA ?
  • Peut-on parler de création si l’algorithme a généré 90 % du contenu ?
  • L’IA peut-elle déjà imiter la “signature sonore” d’un artiste ?

Dans un monde où les outils sont de plus en plus intelligents, le défi devient de rester soi-même. L’authenticité ne viendra plus seulement des notes jouées, mais des intentions assumées face à l’outil.

pas de plugin VST IA : une musicienne expérimente sur synthétiseur analogiques - valeurs fondatrices de la musique

Pour conclure sur les plugins VST IA

L’IA dans les plugins VST n’est ni une baguette magique, ni un simple gadget. Elle est un levier puissant, à condition d’en comprendre les mécanismes et d’en maîtriser l’usage. En home studio, tout comme en studio pro, ces outils peuvent catalyser l’inspiration ou automatiser la finition… mais jamais remplacer le regard, l’écoute et le goût du musicien. 

L’avis de Plan Sonore

L’IA ne remplacera jamais le véritable artiste, le créateur imaginatif, mais elle changera sa manière de créer. Chez Plan Sonore, on y voit un champ d’expérimentation stimulant – à condition de garder la main sur les faders…, ainsi que la tête et les oreilles dans la musique.

Pour ma part, je vous conseille vivement les 3 plugins Waves : Curves Equator, Curve AQ et IDX Intelligent Dynamics qui pourraient bien révolutionner votre workflow de mixage et de mastering. C'est déjà mon cas et celui de bien d'autres ingés-son et producteurs. Attention : à manier avec des pincettes ...

Le danger de l’IA, c’est qu’elle soit utilisée pour remplacer les compétences professionnelles, techniques et artistiques du musicien, du producteur, de l’ingénieur du son. C’est une illusion, car l’IA ne peut absolument pas le faire.

Quand on parle de ces compétences, il faut les acquérir avec des connaissances théoriques en acoustique, en techniques audio et en théorie musicale. Et plus que jamais une solide formation et une bonne expérience seront toujours à la base de la progression et de la réussite professionnelle dans le domaine de la production musicale.

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FAQ – Plugins IA et production musicale

Quels sont les meilleurs plugins VST avec intelligence artificielle en 2025 ?

Les plus populaires pour le traitement du son : iZotope Neutron, Ozone,Sonible smart:EQ, Gullfoss, Soothe 2, Waves Curve Equator, Curves AQ,IDX Intelligent Dynamics, ainsi que des générateurs comme Orb Composer ou Emergent Drums.

Les plugins IA remplacent-ils le mixage manuel ?

Non, ils assistent le mixeur. L’IA peut proposer des réglages pertinents, mais un bon mix reste affaire d’oreille, de contexte artistique et de décisions humaines. Ces plugins sont surtout desaccélérateurs.

Est-ce que l’IA peut vraiment aider à composer de la musique ?

Oui. Les plugins de composition assistée par IA peuvent générer des mélodies, harmonies ou rythmes selon un style donné. Ils sont utiles pour démarrer une idée ou explorer de nouveaux genres musicaux.

Quels sont les avantages de l’IA en home studio ?

Gain de temps, accès à des traitements pro sans expertise avancée, génération d’idées, et automatisation de tâches répétitives. C’est un atout pour les créateurs en solo ou les débutants.

Les plugins IA sont-ils adaptés à tous les styles de musique ?

Pas toujours. Certains outils sont entraînés sur des styles mainstream (pop, EDM), et peuvent être moins efficaces pour du jazz, du classique ou de l’expérimental. Il est donc important de tester leur pertinence selon le genre musical.

Pourquoi se former au podcast est devenu essentiel pour les créateurs de contenu

une femme souriante enregistre son podcast au micro pour le concours de podcast Strasbourg 2025

Dans un monde où la création de contenu numérique occupe une place centrale, le podcast s'impose comme un media incontournable. Se former au podcast est devenu une étape cruciale pour ceux qui souhaitent optimiser leur stratégie de contenu.
En effet, elle permet de développer des compétences en podcasting et d'atteindre efficacement son audience cible. Comprendre le potentiel de cet outil renforce non seulement la marque, mais crée aussi une relation proche et fidèle avec l'audience.

Vous pouvez aussi écouter une conversation à propos de cet article :

Le podcast, un moyen de communication efficace

Le podcast a émergé comme un canal privilégié pour toucher divers publics. Avec la possibilité d'écouter à tout moment, il offre une flexibilité que d'autres formats peinent à égaler. Les professionnels du contenu tirent profit de ce média dynamique pour transmettre leurs messages de manière plus intime.

De plus, le caractère auditif du podcast améliore la mémorisation des informations par les auditeurs. Cette caractéristique unique stimule une immersion totale, permettant ainsi à chaque épisode de laisser une empreinte durable dans l'esprit de l'audience. Les possibilités offertes par le podcast sont immenses, allant de la narration d'histoires inspirantes à la diffusion d’informations pertinentes.

Les avantages du podcast pour le renforcement de la marque

Adopter le podcast comme moyen de communication facilite le renforcement de la marque. Une voix humaine et authentique aide à établir une connexion plus profonde avec les auditeurs. Cela bâtit une fidélité précieuse envers la marque. Chaque podcast peut être conçu pour refléter la personnalité et les valeurs de l’entreprise ou du créateur.

En intégrant une formation au podcast, les créateurs peuvent perfectionner leur art et produire des contenus qui résonnent avec leur public cible. Cette démarche assure que chaque aspect du podcast, de la musique d'introduction à la conclusion, est aligné sur la stratégie de contenu globale. Ainsi, cela véhicule efficacement l'image souhaitée de la marque auprès de l'audience.

Pourquoi se former au podcast

Créer une stratégie de contenu audio réussie

Pour maximiser l'impact de vos podcasts, il est crucial de concevoir une stratégie de contenu solide. Celle-ci doit tenir compte des préférences de votre audience cible, tout en restant cohérente avec vos objectifs marketing. La création de contenu audio nécessite une planification minutieuse pour garantir que chaque épisode apporte une valeur ajoutée.

L'un des premiers pas vers une stratégie efficace est la définition claire des thématiques qui captiveront votre public. Des discussions approfondies sur des sujets actuels ou d'expertise peuvent attirer un auditoire fidèle et engagé. En diversifiant les sujets abordés, vous montrez que votre marque possède une réflexion riche et actuelle.

Développer des compétences en podcasting

Maîtriser les aspects techniques du podcasting est indispensable pour produire des programmes de qualité professionnelle. Cela inclut la compréhension des équipements nécessaires comme les microphones, les logiciels de montage et les plateformes de diffusion.

Grâce à une formation au podcast, ces compétences essentielles peuvent être acquises et affinées en un temps record.

Concevoir un podcast sans méthode peut prendre des mois, mais se former tout en franchissant les différentes étapes garantit de mettre en ligne sa chaine de podcasts en moins de 100h de travail.

Outre la technique, savoir structurer un podcast est également fondamental. Une introduction engageante, suivie d'un corps principal bien organisé et d'une conclusion impactante sont les piliers d’un épisode réussi. Une formation spécialisée peut aider à faire face aux défis potentiels de la narration et du storytelling, éléments clés pour retenir l’attention des auditeurs.

Les opportunités offertes par la formation au podcast

Se former au podcast ne se limite pas à l’apprentissage des outils techniques. C’est aussi une occasion de découvrir comment créer du contenu captivant et pertinent. C’est notamment l’objectif visé par les formations proposées par Plan Sonore, qui couvre divers aspects allant de la réalisation vidéo à la production musicale.

En investissant dans une formation adéquate, vous ouvrez la porte à de nombreuses opportunités de partage. Vous pourrez explorer plusieurs styles narratifs, expérimenter avec différents formats d’épisodes, et collaborer avec d’autres créateurs pour enrichir votre contenu. Ces compétences nouvellement acquises augmentent considérablement les chances de succès de vos initiatives audio.

Améliorer l'engagement avec l'audience cible

Un autre avantage majeur du podcast est sa capacité à favoriser une relation de proximité avec l’audience. Ce format offre aux auditeurs un sentiment de compagnonnage. L’écoute régulière de vos épisodes forge un lien fort basé sur la confiance et l’intimité. Cette relation unique est propice à la création d’une communauté engagée autour de votre contenu.

Pour tirer parti de ce potentiel, les créateurs doivent apprendre à interagir directement avec leur audience. Répondre aux commentaires, solliciter et intégrer les retours des auditeurs sont des pratiques clés. Elles permettent d’adapter le contenu aux besoins et attentes évolutives du public, renforçant ainsi l’implication de l’audience.

Pourquoi se former au podcast

Augmenter l'accessibilité et l'inclusivité

Le podcast est également reconnu pour son accessibilité accrue, notamment pour les personnes déficientes visuelles. Contrairement à d'autres formats de contenu, l'audio permet de consommer de l'information sans avoir besoin de support visuel. Les formations telles que celles offertes par Plan Sonore mettent un point d’honneur à rendre le podcasting accessible à tous.

Cela signifie qu'en tant que créateur, vous pouvez atteindre un public plus large, incluant des segments souvent négligés par d'autres formes de médias. Cette accessibilité renforce la portée de votre message et démontre l'engagement social de votre marque envers une consommation inclusive du contenu médiatique.

Bien plus encore : la réalisation de podcasts devient accessible également aux déficients visuels grâce à une formation accessible à 100% aux déficients visuels.

Pour aller plus loin

Audio Formations et Plan Sonore proposent une formation en ligne de 60h pour vous accompagner efficacement pas à pas, étape par étape dans la réalisation de votre projet de podcasts.

Votre chaîne de podcasts de qualité professionnelle sera en ligne en 1 mois seulement, quelque soit votre niveau de compétences préalables.

Formateurs, web-entrepreneurs, communicants, musiciens, enseignants, toutes et tous, quelque soit votre ... Lire la suite

Prix du Podcast – Strasbourg 2025

une femme souriante enregistre son podcast au micro pour le concours de podcast Strasbourg 2025
Le festival Entendez Voir

Le Festival Entendez Voir

logo Plan Sonore - Prix du Podcast 2024

 et Plan Sonore 

présentent 

Les Prix du Podcast - Strasbourg 2025

Prix du podcast 2024 - un micro voix

5ème concours de podcasts 

entre non-voyants, malvoyants et voyants 

Les Prix du Podcast - Strasbourg 2025, c'est un grand concours de podcasts audio francophones entre malvoyants, non-voyants et voyants, proposé par l'association Vue (d)Ensemble et Plan Sonore dans le cadre de la 7ème édition du Festival Entendez-Voir !
du 24 au 29 juin 2025 à Strasbourg.

Ecoutez le résumé de la page en audio :

Stimuler la création pour tous

L'objectif de ces Prix du Podcast est de stimuler la création de podcasts auprès de tous : non-voyants, malvoyants, voyants, amateurs ou professionnels, podcasteurs, débutants comme confirmés…

L'accès au concours est en ligne : vous avez la possibilité de participer à distance, si vous résidez dans une autre ville ou partout en francophonie.

Racontez-nous une histoire, faites une interview, un portrait, traitez de votre sujet favori, documentaire ou fiction, c'est comme vous voulez ! Nous attendons de la personnalité, de l'originalité et du sens.

Tout le monde peut concourir

En envoyant un seul podcast de 6mn maxi en mp3, que vous avez déjà réalisé ou bien un épisode original que vous entreprendrez pour l'occasion.

En vous inscrivant dans une seule de ces 3 catégories, celle qui vous correspond le mieux :

Débutant

Si vous n'avez jamais publié de podcast, votre smartphone peut suffire pour vous enregistrer

Expérimenté

Si vous avez déjà publié des podcasts, vous êtes un individu ou une association et vous les réalisez vous-même

Pro

Si vous avez un studio ou vous faites appel à un studio ou à une agence pour réaliser vos podcasts. C'est vous et pas votre prestataire qui concourt

Tout le monde peut gagner

Dans chacune de ces catégories, 6 podcasts seront pré-sélectionnés de manière anonyme, puis ce sont 3 podcasts qui seront désignés gagnants par le jury dans chacune de ces catégories, soit 9 gagnants au total.

Vous pouvez gagner des formations, des abonnements à Podcastics pour publier votre podcast, du matériel audio pour avancer dans la réalisation et la publication de vos podcasts, des abonnements à Podcast Magazine ... 
En bref : une tonne de récompenses vous attend !

Le Règlement

Pour tous les détails sur les attendus, les catégories et la liste des récompenses pour les Prix du Podcast - Strasbourg 2025, téléchargez et lisez attentivement le Règlement du Concours 

NB : Nous vous recommandons fortement de lire le Règlement du Concours avant d'envoyer votre candidature.

Pour participer aux Prix du Podcast 2025

Votre podcast doit être prêt  avant le 31 mai 2025.

Vous pouvez vous inscrire du 5 avril au 30 mai et l'envoyer jusqu'à cette date à minuit.

1. Créez votre identifiant pour le concours

Il garantit votre anonymat jusqu'à la remise des Prix du Podcast 2025. Il doit être composé strictement de la manière suivante : votre date de naissance suivie de votre code postal, tout en chiffres au format :
jjmmaaaa-xxxxx , avec un seul tiret du milieu.

Exemple : je suis né le 12 avril 2001 et mon code postal est 75019. Mon identifiant serait 12042001-75019.
Notez bien votre identifiant, il vous servira aussi pour nommer votre fichier-son.

Attention, tout identifiant qui ne respecte pas cette codification invalidera votre candidature.
En effet, jusqu'à la proclamation des résultats, votre candidature restera anonyme et votre identifiant sera le seul moyen pour nous de vous récompenser.

2. Vous pouvez vous inscrire du 5 Avril au 30 mai 2025 à minuit

flashez ce qrcode pour accéder à votre inscription

Votre inscription :

Flashez ce QR Code ou cliquez-le pour accéder à votre bulletin d'inscription

NB : En validant votre inscription, vous certifiez avoir lu attentivement

le Règlement du Concours.

3. Envoyez votre fichier-son à partir du 5 Avril 2025 et avant le 30 Mai à minuit

Très important ! Nommez votre fichier mp3 uniquement avec votre identifiant. Aucun autre format ne sera accepté. Ce serait donc pour l'exemple ci-dessus : 12042001-75019.mp3
Attention, là encore une mauvaise identification annulera d'office votre candidature.
NB : Aucun fichier audio de plus de 6mn ne pourra être pris en compte pour le concours.

Puis envoyez votre mp3 en pièce jointe (depuis l'adresse email que vous avez utilisé pour vous inscrire) à  bruno@plansonore.fr

Confidentialité

Vos données restent confidentielles et sont protégées. Elles ne servent qu'au concours Prix du Podcast et à vous abonner à la newsletter mensuelle de Plan Sonore afin de rester informé·e. 
Si vous le désirez, vous pourrez les supprimer plus tard, mais surtout pas avant le 30 aout 2025, car nous aurons besoin de communiquer avec vous après le festival pour la proclamation des résultats et l'envoi des récompenses.

Si vous avez des questions concernant les Prix du Podcast, n'hésitez pas à contacter Bruno de Chénerilles par email : bruno@plansonore.fr

Questions fréquentes

Je débute, sur quoi va-t-on me juger ?

Quand dois-je m'inscrire ?

Et si mon podcast est plus long que 6 mn ?

Je ne pourrais pas venir à Strasbourg pour la remise des Prix du Podcast ...

Quelles sont les récompenses du concours ?

Je n'ai pas encore de matériel audio, comment faire ?

L'habillage de mon podcast sera-t-il jugé ?

Pourquoi les podcasts de marque ne sont pas autorisés ?

Pourquoi les émissions de radio ne peuvent pas concourir ?

Est-ce que je peux concourir avec plusieurs épisodes ?

Les Prix du Podcast de Strasbourg ne pourraient exister sans le concours de nos partenaires

Logo Podcastics - Prix du Podcast
Prix du Podcast - logo Podcast Magazine
logo du festival Entendez Voir
Prix du Podcast logo Audio Formations

Le festival Entendez-Voir ! est un événement soutenu par

logo Drac Alsace - Préfet de la Région Grand-Est -  Prix du Podcast 2024
logo de la Région Grand-Est - Prix du podcast 2024
Prix du Podcast  2024 - Logo Collectivité Européenne d'Alsace
logo de la Ville de Strasbourg - Eurométrople - Les Prix du Podcast 2024
Prix du Podcast logo Arte

2024 – Les chiffres du podcast natif en France

2024 - les chiffres du podcast natif en France

Chaque année, le Paris Podcast Festival commande à Havas/CSA un sondage sur l'état du podcast natif en France. Cette étude existe annuellement depuis 2018 et permet donc d'inclure à la fois les chiffres de l'année en cours, mais aussi l'évolution du podcast natif français au fil des dernières années. 

Vous pouvez aussi écouter cet article :

Les grandes lignes du sondage Havas/CSA 2024

Comme chaque année, Plan Sonore publie ces chiffres du podcast natif en France, si importants pour toutes celles et ceux qui ont besoin de communiquer sur le web, qu’ils·elles soient dans la musique, la vidéo, le marketing, la communication.

D’année en année, ce sondage Havas/CSA nous prouve que la France est devenue un pays de podcast. Contrairement à l’idée fort répandue même dans les milieux de la com et du marketing qui prônent encore la vidéo comme moyen principal de communication.

Le ras le bol des vidéos courtes, des réseaux sociaux, de toute cette agitation futile et très souvent toxique dirige de plus en plus de personnes en quête de sens et de découverte vers l’univers des podcasts natifs.

Méthodologie

    • 1016 participants âgés de 18 à 64 ans (échantillon représentatif, quotas par sexe, âge, CSP, région, taille d’agglomération).

    • Enquête réalisée en ligne du 19 au 28 août 2024.

    • 288 auditeurs hebdomadaires de podcasts natifs inclus.

En 2024 le podcast natif progresse encore !

    • Augmentation continue : 42 % d’auditeurs hebdomadaires en 2024 contre 37 % en 2023.

    • Fréquence élevée : 41 % des auditeurs hebdomadaires écoutent des podcasts 3 à 5 fois par semaine ou tous les jours.

Raisons principales pour ne pas écouter de podcasts

    • 58 % déclarent ne pas savoir ce qu’est le podcast natif.

    • 26 % n’y pensent pas.

Des pratiques d’écoute stables

    • 62 % écoutent des podcasts de moins de 15 minutes.

    • L’écoute a lieu aussi bien à domicile (91 %) qu’en mobilité (86 %).

Habitudes d’écoute

    • Activités simultanées fréquentes : navigation sur internet (42 %), cuisine (40 %), tâches ménagères (34 %).

    • Les auditeurs découvrent régulièrement de nouveaux podcasts (69 %).

Formats et thématiques préférées du podcast natif en France

    • Formats privilégiés : documentaires (87 %), histoires vraies (84 %), témoignages personnels (81 %).

    • Thématiques populaires : culture générale (80 %), voyages (75 %), santé (75 %).

Le podcast natif, des auditeurs qui ont soif de découverte

    • Profil : jeunes (moyenne de 38 ans), urbains, hyper connectés, engagés (72 % font des dons à des associations).

    • 89 % estiment que les podcasts sont un bon moyen de communication pour les marques.

Impact sociétal et personnel de l’écoute des podcasts natifs

    • 87 % déclarent que les podcasts éclairent sur des sujets de société.

    • 77 % affirment que cela a fait évoluer leur comportement.

Découverte et confiance dans les podcasts

    • Découverte via applications, réseaux sociaux ou recommandations proches.

    • Critères de confiance : intervention d’experts (45 %), profondeur des sujets (45 %), indépendance des podcasteurs (37 %).

Un fort potentiel de développement pour les marques

    • 85 % d’auditeurs sont intéressés par les podcasts de marque.

    • 89 % estiment que le podcast est un bon moyen de communication pour les marques.

Pour conclure

Vous avez compris pourquoi les podcasts natifs gagnent en popularité ? Ce sondage vous renseigne sur les habitudes des auditeurs français de podcasts en 2024, l’impact des podcasts natifs sur les comportements sociaux et les meilleures thématiques pour les podcasts natifs en 2024.

Il démontre aussi le rôle grandissant des marques dans le développement des podcasts natifs.

Pour aller plus loin

Si vous souhaitez approfondir, téléchargez le rapport complet publié par le Paris Podcast Festival en octobre 2024 en cliquant sur l’image ci-dessous :

2024 - les francais et francaises et le podcast natif

Vous avez un projet, un désir de podcast ?

Savez-vous que vous pouvez créer votre chaine de podcast et la publier, de A à Z en 1 mois, même si vous êtes un ou une total·e débutant·e ?

Bruno de Chénerilles peut vous accompagner tout au long de votre parcours vers la réussite de votre futur podcast :

podcast audio touch

PodcastAudioTouch – formation podcast audio : réaliser et diffuser de A à Z

Formateurs, web-entrepreneurs, communicants, musiciens, enseignants, toutes et tous, quelque soit votre activité... Lire la suite

Home studio : pitié pour vos pistes !

home studio : une multitude plugins vst

Dans leur home studio, la plupart des amateurs pensent que plein de plugins d'effets sur leurs pistes vont améliorer leurs sons. C'est faux, archi faux ! Si vous êtes dans ce cas-là, arrêtez immédiatement de maltraiter vos pistes. Pitié pour vos pistes ! Apprenez les bonnes pratiques pour un son professionnel.

Vous pouvez aussi écouter cet article :

Dans mes formations, je vois tous les jours trop, beaucoup trop de ces très mauvaises pratiques qui barrent la route vers le son professionnel que nous souhaitons tous obtenir dans notre home studio. Voilà pourquoi dans cet article, je vous propose 7 très bonnes pratiques pour un son professionnel dans votre home studio. Retrouvez sur notre site la formation Home Studio.

1. A la prise !

Lorsque vous enregistrez un son, zéro égaliseur, zéro compresseur, zéro plugin, ce qu’il vous faut c’est le vrai son brut d’un très bon micro très bien placé. Aucune correction. Et c’est tout !

Pourquoi ? Parce qu’il est essentiel de capter toutes les fréquences, tout le rendu de votre bon micro de studio.

Vous n’avez pas de bon micro ? Alors commencez en priorité par en acheter un, un micro à grosse capsule : je vous conseille un Neumann ou un Rode. Mais de grâce, évitez tout le reste !

Et attention, méfiez-vous des vulgaires copies chinoises sur Ali Express. N’achetez jamais çà, vous le regretteriez amèrement.

Et apprenez les bons placements de micro !

2. Les égaliseurs ?

Dans 90% des pistes vous n’avez pas besoin de plus de 2 égalisations. Et même parfois aucune correction. Pourquoi ?

Si vos sons enregistrés sont de bonne qualité, généralement ils ne demandent pas plus qu’un petit coupe-graves ou sans doute une petite bosse de présence.

Et les instruments virtuels que vous choisissez ont un son de qualité, donc c’est pareil. Ne croyez pas que vous devez absolument utiliser toutes les bandes de fréquence possibles sur votre égaliseurs.

Et en plus, à chaque fois que vous allumez un réglage, vous consommez du processeur, ce qui est vital dans votre home studio.

Si vos sons sont de bonne qualité, pourquoi les égaliser ?

Et si vos sons ne sont pas de bonne qualité ? Et bien jetez-les à la corbeille et recommencez ! Attention, parfois l’acoustique de votre local, de votre home studio peut elle aussi être responsable de la mauvaise qualité de vos prises de son.

N’utilisez que des sons qui sont au top !

home studio : un plugin de compression

3. Les compresseurs ?

Pour compresser quoi ? Utiliser des compresseurs est souvent très compliqué, d’ailleurs savez-vous ce que fait exactement un compresseur ? Comment il fonctionne ? Et quel compresseur utiliser, quand et où ?

Je suis quasi certain que vous ne savez pas grand chose en cette matière.

Alors compressez le moins possible : jamais de compression à la prise, vous pouvez utiliser des presets de compression, mais compressez toujours légèrement, jamais à donf !

Pourquoi ? Si vous compressez trop, vous allez écraser, voire même bousiller votre son, réduire sa dynamique et enfreindre les standards des plateformes et des supports physiques.

Savez-vous aussi qu’il existe d’autres moyens de rectifier la dynamique de vos pistes tout en préservant la qualité du son ? On peut appeler çà la compression sans compresseurs et çà s’apprend …

4. Réchauffer votre son ?

Un des seuls reproches qu’on peut faire au son numérique, c’est qu’il est assez clinique, un peu froid, un peu trop clean. C’est assez vrai quand on le compare au bon vieux son analogique des bandes magnétiques et des lampes.

Alors comment réchauffer le son numérique ? On peut utiliser des consoles de mixage cultes, des pré-amplis à lampes hors de prix, des micros de studio à lampes. Çà peut coûter très, très cher !

Par ailleurs, ce qu’on veut, dans son home studio, c’est pouvoir mixer dans son ordinateur, sur son logiciel audio. Mixer dans la boîte, comme on dit souvent.

Et bien on fait depuis plusieurs années des émulations de pré-amplis à lampes, de bande magnétique analogique, et ils sont de plus en plus efficaces et assez faciles à utiliser.

Les grandes marques de plugins font maintenant de très belles choses qui permettent de réchauffer et de bonifier le son numérique.

home studio : un amoncellement de plugins

5. Aérer votre mix !

Aérer, créer de l’espace autour de vos sons, dans votre mix. C’est le fin du fin, ce que peu de home-studistes amateurs savent faire vraiment.

Sauriez-vous expliquer ce que c’est que l’écoute stéréophonique ? Comment cela fonctionne ? Et comment recréer artificiellement un espace stéréo dans votre mix ? Et oui, ce n’est pas seulement panpoter des sons à droite, à gauche et au centre.

C’est bien plus que cela ! Savez-vous utiliser la profondeur ? Créer cette dimension dans votre mix ?

Alors si vous n’avez pas appris à faire tout çà, pas la peine d’essayer le mixage en binaural ou en dolby atmos.

Vous allez d’abord devoir apprendre à faire votre espace stéréo à la base avec des réverbs et des delays.

6. Mastériser c’est compliqué ?

Pas tant que çà. Bien sûr, il faut savoir le faire car cela demande quelques précautions. La plupart du temps cela consiste principalement à résoudre les éventuels conflits de fréquences et à redonner un peu plus de peps à votre mix dans les limites des préconisations des différents supports de diffusion.

Encore faut-il savoir déceler les problèmes, comment les résoudre et avoir toutes les bonnes informations.

Mais en général et à condition d’avoir une bonne base, c’est à dire un bon mix, c’est tout à fait faisable en home studio.

Ah j’oubliais : il faut aussi une bonne écoute de studio pour faire un bon mastering et c’est en général ce qui fait défaut dans la plupart des home studios. Sans compter des oreilles éduquées et affinées, çà aussi, çà ne court pas les rues.

7. Alors Combien de plugins ?

Pour bien produire un titre dans votre home studio, il ne faut pas plus de 10 plugins différents dans votre projet.

Sur les pistes : un égaliseur, un préampli-compresseur, un délay, départ vers 2 réverbs, 2 bus de réverbs (une courte , une longue)

Sur la sortie master, un maximizer, un égaliseur multibandes ou un correcteur de , un plugin de mesure.

Vous avez compté ? Entre 8 et 10, pas plus. Evidemment si vous avez 24 pistes, il en faudra un peu plus, mais en utilisant les sends et les groupes, vous allez économiser du processeur à tire larigot.

Avez-vous besoin de plus ? Je ne crois pas. C’est la méthode de production professionnelle qui tue : Less is More, en ne surtraitant jamais systématiquement les sons.

home studio : less is more, des formes simples et épurées

Pour conclure

Dans votre home studio, simplifier les processus techniques, élaguer, supprimer beaucoup de plugins vous permet de retrouver un son plus naturel, des mixes plus respectueux des sons et de nos oreilles.

C’est çà la méthode Less is More, celle qu’utilisent tous les créateurs, les meilleurs des meilleurs. Comme disait Antoine de Saint-Exupéry : «  L’oeuvre est terminée lorsqu’il ne reste plus rien à enlever. »

Pour aller plus loin :

C’est aussi cette méthode que j’enseigne dans toutes mes formations audio et vidéo qui concernent le home studio, le podcast et la vidéo :

Vous êtes musicien, musicienne, compositeur, compositrice, professionnel(le) ou amateur ?  Maitriser votre Production Musicale en ... Lire la suite

Sondage de rentrée Plan Sonore : Participez et Gagnez !

répondez au sondage de rentrée et vous obtiendrez un cadeau

Sondage de rentrée : Participez et Gagnez ! 

répondrez au sondage de rentrée vous obtiendrez un cadeau

Prenez quelques minutes pour répondre à notre sondage en 10 questions et entrez dans le tirage au sort pour le gros lot exclusif. Participez : c’est simple, rapide et vous êtes gagnant·e ! 

Un grand merci d'avance pour votre intérêt. Car votre avis compte énormément ! 

Vos réponses vont nous inspirer durant toute cette nouvelle saison pour vous apporter des contenus utiles, ceux que vous attendez, ceux qui correspondent le plus à votre activité. 

A tous les coups, vous gagnez !

En répondant à notre sondage, vous pouvez gagner le gros lot de votre choix

1 Set de
2 micros-cravates sans fil Rode Wireless Go 2

Valeur : 245 €  et comprenant 2 micros, 2 émetteurs et un récepteur, spécialement conçus pour le podcast ou la vidéo

1 Micro statique Rode NT5 S

Valeur 199 € et spécialement conçu et performant pour la prise de son professionnelle de tous les instruments

Le grand gagnant sera tiré au sort à la clôture du sondage (début octobre) parmi tous les répondants.
Et il pourra choisir lui-même son gros lot

Mais en plus, tous les participants (y compris vous-même) gagneront :

le
Maxi Bundle de tous les Guides Techniques de Plan Sonore

Valeur inestimable - 9 guides indispensables : Le Guide des Micros 2024 + 9 Conseils pour Améliorer l'Acoustique de votre local + Règles d'Or de la Prise de Son + Table de Mixage pour Quoi Faire + Comment Choisir votre Casque + Pourquoi Créer votre Chaine de Podcast + Pourquoi le podcast fait fureur dans la Mode et le Luxe + Guide Financer vos Formations + Catalogue des Formations 2024 

Prêt·e à participer et à gagner ?

Les 7 Valeurs Fondatrices de la Musique

dans son home studio, une musicienne en train de composer et de créer des sons sur un synthé moog - valeurs fondatrices de la musique

La musique est un art complexe et riche, fondé sur des valeurs essentielles qui la rendent unique et universelle. À travers ces valeurs fondatrices de la musique, les musiciens peuvent développer leur art et toucher les âmes. 

Voici les sept valeurs fondatrices de la musique : l'oreille, l'instrument, le travail, l'invention, la polyvalence, l'expérimentation, et l'expérience.

Vous pouvez écouter cet article :

1. L’Oreille

L’Importance de l’Écoute

L’oreille est l’outil primordial de tout musicien. Avant même de toucher un instrument, l’écoute active permet de comprendre les nuances, les harmonies, et les rythmes. C’est en affinant son oreille que le musicien peut réellement interpréter et créer de la musique. L’écoute est aussi la première étape vers la création musicale, car elle permet de se nourrir de diverses influences.

Techniques pour Développer l’Oreille

Pour développer une oreille musicale, il est essentiel de pratiquer régulièrement des exercices d’écoute. L’entraînement auditif, comme le solfège, aide à identifier les intervalles, les accords, les progressions harmoniques et les sons eux-même.

De plus, écouter une variété de genres musicaux enrichit la palette auditive. Par exemple, le fait d’écouter du jazz, du classique, du rock, et des musiques du monde peut sensibiliser l’oreille à des structures et des sonorités diverses et variées.

Exemples Pratiques

Les musiciens professionnels comme Jacob Collier sont connus pour leur oreille exceptionnelle. Ils peuvent identifier et reproduire des accords complexes à l’oreille. Des applications comme « EarMaster » ou « Tenuto » peuvent aider les musiciens à améliorer leur reconnaissance auditive.

On peut noter aussi que nous ne sommes pas tous égaux à la naissance concernant les capacités auditives. Il n’y a pas 2 oreilles semblables et, sans vouloir décourager quiconque, ce sont les meilleures oreilles qui ont plus d’appétence musicale et de chances de réussite dans ce domaine.

l'oreille musicale - valeurs fondatrices de la musique

2. L’Instrument

Choisir et Maîtriser son Instrument

L’instrument est l’extension physique du musicien. Choisir le bon instrument est crucial, car il doit correspondre à la sensibilité et au style de l’artiste.

Par exemple, un musicien attiré par les mélodies douces et les harmoniques subtiles pourrait choisir la guitare acoustique, tandis qu’un autre attiré par les sons puissants et percussifs pourrait opter pour la batterie.

Maîtriser son instrument nécessite des années de pratique, mais c’est aussi une source immense de satisfaction. La maîtrise technique permet de s’exprimer librement et de communiquer des émotions profondes à travers la musique.

Entretien et Relation avec l’Instrument

Un bon musicien entretient et respecte son instrument. Cette relation presque symbiotique permet de créer une connexion profonde et d’extraire le meilleur son possible. Par exemple, un violoniste passera du temps à ajuster la tension des cordes et à nettoyer l’instrument après chaque utilisation. Cet entretien régulier prolonge la vie de l’instrument et maintient sa qualité sonore.

3. Le Travail

La Discipline du Travail

La pratique régulière et assidue est indispensable pour tout musicien. C’est par le travail que l’on améliore sa technique, sa précision et sa capacité d’interprétation. La discipline du travail forge le caractère et la résilience du musicien. C’est indéniablement une des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Méthodes de Travail Efficaces

Il est crucial de structurer ses sessions de pratique. Alterner entre technique, théorie, et jeu libre permet de progresser de manière équilibrée. Par exemple, un pianiste peut commencer par des gammes et des exercices techniques, puis travailler sur des pièces classiques, et enfin improviser ou jouer des morceaux qu’il aime. Les répétitions méthodiques et l’utilisation de métronomes ou de backing tracks peuvent grandement améliorer la qualité de la pratique.

Anecdotes et Exemples

Ludwig van Beethoven est un exemple classique de la valeur du travail. Malgré sa surdité progressive, il a continué à composer certaines de ses œuvres les plus célèbres grâce à une discipline de travail incroyable. Des musiciens contemporains comme John Mayer ou Yo-Yo Ma ont également parlé de leur régime de pratique rigoureux qui les a aidés à atteindre un haut niveau de maîtrise.

un pianiste travaille sur son instrumen,t - valeurs fondatrices de la musique

4. L’Invention

La Créativité en Musique

L’invention est au cœur de la musique. Composer, improviser, et réarranger des morceaux existants stimule la créativité. C’est par l’invention que le musicien trouve sa voix unique et se distingue. L’invention musicale peut prendre plusieurs formes, de l’écriture de nouvelles compositions à la création de nouveaux arrangements pour des morceaux existants.

En passant aussi par l’improvisation radicale, qu’on appelle souvent composition instantanée. Elle est considérée par ses pratiquants comme le summum de l’invention, l’art total de l’instant en quelque sorte.

Encourager l’Invention

Pour encourager l’invention, il est utile de sortir de sa zone de confort. Explorer de nouveaux genres, collaborer avec d’autres musiciens, et expérimenter avec différents instruments ou technologies peut ouvrir de nouvelles perspectives créatives.

Par exemple, un guitariste classique peut très bien expérimenter avec une pédale d’effets pour créer des sons inédits.

Exemples Inspirants

Des artistes comme David Bowie et Björk sont célèbres pour leur capacité à réinventer leur musique et à explorer de nouveaux territoires sonores. Ils ne se contentent pas de suivre les tendances, mais créent de nouvelles voies grâce à leur créativité sans bornes.

composition sur papier à musique - valeurs fondatrices de la musique

5. La Polyvalence

L’Art de la Polyvalence

Être polyvalent permet au musicien de s’adapter à divers contextes et styles musicaux. La polyvalence enrichit le bagage musical et offre plus d’opportunités professionnelles.

Par exemple, un musicien capable de jouer du jazz, du rock, et de la musique classique sera plus demandé pour des collaborations et des concerts variés.

Comment Devenir Polyvalent

Pour devenir polyvalent, il est important de diversifier ses compétences. Apprendre plusieurs instruments, s’initier à différents genres, et développer des compétences techniques en production musicale sont autant de moyens d’y parvenir.

Un bassiste pourrait par exemple apprendre à jouer de la guitare et des claviers, et s’intéresser à la composition et à l’arrangement.

Les multi-instrumentistes sont des musiciens à la puissance ++, tant ils deviennent capables d’appréhender la musique de manière transversale et universelle.

Témoignages et Exemples

Prince est un exemple emblématique de polyvalence musicale. Il jouait de nombreux (presque tous) instruments, composait, produisait, et performait avec une aisance incroyable. Sa capacité à traverser les genres et à maîtriser divers aspects de la musique a fait de lui une légende. Il cultivait indéniablement les 7 valeurs fondatrices de la musique.

6. L’Expérimentation

Oser l’Expérimentation

L’expérimentation est essentielle pour repousser les limites de la musique. C’est par l’audace et l’innovation que des styles musicaux nouveaux émergent et que la musique évolue. Par exemple, les Beatles ont révolutionné la musique pop en incorporant des techniques d’enregistrement novatrices et des influences diverses dans leurs albums.

Techniques d’Expérimentation

Utiliser des effets sonores, des techniques de jeu non conventionnelles, ou les technologies modernes de l’informatique musicale peut transformer radicalement la musique. L’expérimentation doit être encouragée à tous les niveaux de la pratique musicale.

Par exemple, un guitariste peut utiliser un EBow pour produire des sons soutenus et éthérés, ou un chanteur peut expérimenter avec l’autotune pour créer des effets vocaux inédits. Mais ce ne sont là que la partie visible de l’iceberg, car l’expérimentation sonore n’a pas de limites.

Innovations et Exemples

Des artistes comme Radiohead et Aphex Twin sont connus pour leurs approches expérimentales de la musique. Radiohead a intégré des éléments électroniques et des structures de chansons non conventionnelles dans leur musique, tandis qu’Aphex Twin a exploré des textures sonores et des rythmes complexes dans la musique électronique. Sans compter les grands innovateurs dans le jazz, la musique électroacoustique…

Pour élargir le tableau, la liberté et l’originalité devraient être également parmi les valeurs fondatrices de la musique cultivées en permanence par tous les musiciens, ce qui est loin d’être le cas.

femme expérimente sur synthétiseur - valeurs fondatrices de la musique

7. L’Expérience

L’Accumulation d’Expériences

L’expérience est la somme de toutes les pratiques, performances, et interactions musicales d’un musicien. Chaque expérience enrichit et affine sa compréhension de la musique.

Par exemple, jouer dans des environnements variés comme des petites salles, des festivals en plein air, ou des sessions d’enregistrement en studio permet d’acquérir des compétences précieuses et une compréhension plus profonde de la musique.

Partager et Transmettre l’Expérience

Les musiciens expérimentés ont la responsabilité de partager leurs connaissances. Enseigner, collaborer avec des artistes moins expérimentés, et participer à des projets communautaires permet de transmettre cet héritage musical des 7 valeurs fondatrices de la musique.

Par exemple, des artistes comme Herbie Hancock et Quincy Jones sont non seulement des musiciens accomplis mais aussi des mentors pour les jeunes générations de musiciens.

Anecdotes et Témoignages

Miles Davis, tout au long de sa carrière, a joué avec des musiciens de différentes générations, transmettant son savoir et s’inspirant des nouvelles idées. Cette interaction entre générations a permis l’évolution constante de son style musical.

Conclusion

Ces 7 valeurs fondatrices de la musique – l’oreille, l’instrument, le travail, l’invention, la polyvalence, l’expérimentation, et l’expérience – forment la base sur laquelle tout musicien peut construire son art. En les cultivant, on ne fait pas seulement progresser son propre parcours musical, mais on contribue également à l’évolution de la musique dans son ensemble. Que vous soyez débutant ou professionnel, ces valeurs sont des guides intemporels pour développer votre passion et votre carrière dans la musique.

En conclusion, la musique est bien plus qu’un simple agencement de sons. C’est une discipline qui exige une oreille fine et élargie, une relation intime avec son instrument, une éthique de travail rigoureuse, une créativité incessante, une polyvalence adaptative, une soif d’expérimentation et une richesse d’expériences.

En cultivant ces 7 valeurs fondatrices de la musique, chaque musicien peut non seulement améliorer ses compétences techniques mais aussi enrichir son expression artistique et contribuer à l’évolution perpétuelle de cet art universel.

Pour aller plus loin

Vous êtes musicien, musicienne, compositeur, compositrice, professionnel(le) ou amateur ?  Maitriser votre Production Musicale en ... Lire la suite

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