Contact Formateur-expert en technologies audio, vidéo et multimédia pour le web et la musique. Compositeur, performer, producteur, fondateur de Plan Sonore, Audio Formations et Audiorama, il écrit et crée les contenus du blog, du podcast et des formations.
Audio & Multimedia Expert of the Year 2023 - France (AI Business Awards)
Booster le trafic de sa chaîne YouTube, tout le monde en rêve et tout le monde en parle. Mais comment faire, par quel bout prendre le problème ? Il n'y a pas une seule solution, une seule opération pour y arriver, il y en a plusieurs. Mais connaissez-vous celle-là ? Et si oui, êtes-vous capable de l'effectuer ?
Vous êtes professeur de musique ou intervenant·e en Alsace, en Région Grand Est ou Franche-Comté.
Vous voulez élargir l'horizon de votre enseignement musical, de vos interventions en pratique ou éveil musical, décupler l'engagement de vos élèves et notamment des plus jeunes.
C'est le moment de vous initier ou vous perfectionner sur ces nouveaux outils pédagogiques et créatifs. Très ludiques et tactiles, ils viendront renforcer vos cours d'instruments, de FM et d'éveil musical.
Vous pourrez ainsi rénover votre enseignement ou votre éducation musicale avec de nouvelles technologies et pédagogies.
Voici un stage-type que j'anime couramment pour les professeurs de musique depuis quelques années en partenariat avec l'Ariam IDF et l'Adiam 67. On peut bien évidemment l'adapter aux besoins de votre structure et de votre réseau d'enseignants et d'intervenants.
Le format de ce stage est en blended learning, donc en partie à distance et en présentiel. Ceci permet de réduire les temps où vous êtes mobilisés tous ensemble. Ainsi votre planning de cours ne sera que très faiblement impacté.
Qu'est-ce que le blended learning ?
Le blended learning, ou l'apprentissage mixte en français, est une méthode d'enseignement qui combine des éléments d'apprentissage en ligne et en présentiel. Cette méthode vise à optimiser l'efficacité de l'apprentissage en utilisant les avantages des deux modalités d'enseignement.
En raison des mesures sanitaires en vigueur en 2021, ce stage peut aussi se faire entièrement à distance sur la plateforme LMS d'Audio Formations.
Nous connaissons tous la réalité du planning d'un professeur de musique. Voilà pourquoi ce stage s'adapte au mieux avec cette réalité de terrain.
Utiliser les tablettes et les smartphones en enseignement et en éducation musicale
Stage de formation professionnelle continue pour les professeurs de musique - prise en charge possible dans le cadre réglementaire(employeur, Opcos).
Participants : Professeurs de musique - FM, éveil musical, instrument, chant, musiciens intervenants en milieu scolaire.
Objectifs : Utiliser les tablettes et les smartphones dans différents contextes pédagogiques (éveil musical et sonore, FM, cours d'instruments, ateliers de pratiques collectives).
Intervenant : Bruno de Chénerilles.
Dates/horaires : 16h en tout : 4h à distance chez vous, en ligne + 2 journées présentielles : dates à définir avec vous
Lieu : à convenir avec vous. Les journées présentielles peuvent se dérouler dans votre école de musique.
Entièrement à distance : en raison des mesures sanitaires en vigueur en 2021, ce stage peut aussi se faire entièrement à distance sur la plateforme LMS d'Audio Formations. Dans ce cas le contenu est élargi à l'ensemble des nouvelles technologies pour l'enseignement musical (voir ci-dessous)
Maitriser Les technologies numériques en enseignement musicalPour tous les profs de musique et les musiciens-intervenantsLes leçons ... Lire la suite
Si vous êtes professeur de musique et intéressé·e par l'organisation d'une formation de ce type dans votre école de musique ou tout autre projet de formation, individuel ou collectif, même dans une autre région que Grand-Est.
Faites-nous part de vos projets en matière de nouvelles technologies au service du professeur de musique. Nous sommes intéressés par toute forme d'échange, partage et collaboration en la matière. Nous pouvons vous aider à construire votre projet.
Vous pouvez aussi consulter ci-dessous le projet-pilote Une Ecole de Musique au 21ème siècle -2018/21 - En partenariat avec les professeurs de musique de l'Ecole de Musique de Koenigshoffen à Strasbourg
Audio Formations est un organisme de formation professionnelle, certifié Qualiopi. Il est habilité à effectuer des formations dans le cadre réglementaire de la formation professionnelle.
Nos formations en techniques audio et numériques sont destinées en priorité aux musiciens, professeurs de musique et musiciens-intervenants.
Bruno de Chénerilles en est le formateur principal.
Bruno de Chénerilles
Formateur-expert en nouvelles technologies de la musique et du son. Compositeur, performeur, producteur musical depuis plus de 40 ans. Il enseigne à l'université et en formation continue depuis plus de 30 ans.
Directeur et Fondateur d'Audio Formations depuis 2004. Responsable du blog Plan Sonore depuis 2017.
Une application formidable pour jouer avec les sons ! Fonofone est le résultat de plusieurs années de recherche du compositeur Yves Daoust et de son équipe du Cosimu à Montréal. Une ouverture de plein-pied dans la musiqueélectroacoustique pour une pédagogie musicale ouverte à tous et facile à mettre en oeuvre. Cet outil exceptionnel est déjà utilisé dans des ateliers et des projets pédagogiques dans les écoles canadiennes.
Plutôt qu'un long texte de présentation, je vous propose de visionner plusieurs vidéos de présentation qui vous permettront de percevoir immédiatement tout le potentiel pédagogique de cette appli pour ipad.
L'équipe du Cosimu et les enfants vous présentent eux-même fonofone et son guide pédagogique maestro :
Musique electroacoustique en labo et en concert
Décidément, les universités montréalaises sont vraiment à la pointe de la recherche et de la pratique en éducation musicale.
J'avais déjà pu le constater il y a quelques années lors d'un voyage à Montréal, qui m'avait permis de présenter mes propres expérimentations en la matière, dans un colloque et des master classes dans les départements de musique électroacoustique des différentes universités (Uquam, McGill, Concordia, U. de Montréal).
Une grande particularité de l'appli est de proposer de jouer en live la musique électroacoustique, alors que celle-ci est beaucoup plus souvent une musique de studio.
Il faut y voir là une fusion en quelque sorte, de 2 tendances : le live electronics très présent en Amérique du Nord, mais aussi celle plus élitiste de la tradition boulezienne des pièces pour instruments et électronique.
Pour en savoir plus sur le Fonofone, connectez-vous directement au site web : https://fonofone.org/
C'est l’organisme Cosimu qui a pour mission d’initier les jeunes à la création musicale grâce au FonoFone, l'application de musique electroacoustique pour la tablette iPad, développée par Alexandre Burton et Yves Daoust.
Cet organisme est très actif au Canada et propose notamment des ateliers de musique electroacoustique sur Fonofone clé en main et des formations aux enseignants des écoles à Montréal et à Québec.
Strasbourg - Electro sur ipads à l'école
Si vous êtes professeur de musique, musicien-intervenant ou enseignant, intéressé par la musique électroacoustique, vous pouvez me contacter.
Audio Formations vous propose régulièrement des formations à Strasbourg, ainsi qu'en formation à distance pour vous initier aux nouvelles technologies en éducation musicale : bruno@plansonore.fr
Comment l’apprentissage de la musique agit-il sur notre cerveau ? Quels effets a-t-il sur la curiosité, l’attention et la mémorisation ? Quel impact sur la lecture ou le raisonnement mathématique ? Dans le monde, quelques chercheurs en neurosciences sont spécialisés dans ce domaine, dont Isabelle Peretz au Canada.
Faut-il, pour apprendre et faire des progrès, qu’un enfant ait l’oreille musicale ? Et s’il chante faux ? Que penser par ailleurs des adultes qui décident de s’y mettre sur le tard ? Y a-t-il un âge pour apprendre la musique ?
Après mon article sur le livre passionnant Les bienfaits de la musique sur le cerveau, je suis tombé sur un autre livre, écrit récemment par Isabelle Peretz, une scientifique canadienne de premier plan, chercheuse en neurosciences. Sa spécialité : la neurocognition de la musique.
Musique : un potentiel incroyable sur le cerveau
Voilà qui confirme l’importance de l’éducation musicale sur le développement du cerveau humain : celui de nos enfants, mais aussi celui de toutes les personnes qui pratiquent ou apprennent la musique. Et la bonne nouvelle : à tout âge, l’apprentissage de la musique est possible et souhaitable pour remettre en forme le cerveau et développer ses capacités.
Selon les neurosciences, c’est la seule activité humaine qui a ce potentiel incroyable sur le cerveau. Vous vous sentez immédiatement concerné·e si vous enseignez ou si vous apprenez déjà la musique. Mais cela veut dire aussi que c’est une information capitale pour le développement personnel de tout un chacun et quelque soit votre âge !
Aujourd’hui, les enseignants et les responsables des systèmes scolaires s’interrogent, et interrogent les experts en neurosciences. Encore tout récemment, la Suisse misait sur une éducation musicale de qualité en l’inscrivant dans sa Constitution. Quels sont les fondements neuroscientifiques de cet intérêt pour l’éducation musicale ?
Les neurosciences le prouvent enfin
Fruit de plus de trente ans de recherches neurobiologiques sur la musique en lien avec l’éducation, ce livre nous dit tout sur la manière dont la musique transforme notre cerveau… pour notre plus grand bien !
Par l’une des plus grandes spécialistes, les neurosciences de la musique à la portée de tous, parents comme enseignants !
Isabelle Peretz est titulaire d’une chaire de recherche en neurocognition de la musique à l’Université de Montréal. Au cours des trois dernières décennies, elle a fait de Montréal la capitale mondiale de l’étude du cerveau musical. Membre de la Société royale du Canada, elle a obtenu de nombreux prix d’excellence pour ses travaux. Elle dirige depuis 2005 le Laboratoire international de recherche sur le cerveau, la musique et le son (BRAMS), spécialisé en neurosciences et musique, qu’elle a également fondé.
Je vous conseille vivement de lire ce livre : Apprendre la musique – Isabelle Peretz – Editions Odile Jacob. Il est disponible partout dans toutes les bonnes librairies et sur Amazon, en livre papier ou numérique : Kindle, iBooks, pdf.
Un ouvrage scientifique très important paru en 2018 nous renseigne sur les bienfaits de la musique sur le cerveau.
Résumant les avancées récentes des neurosciences, ces 13 articles de scientifiques refondent véritablement l'importance de l'écoute et de la pratique musicale.
Emmanuel Bigand a dirigé cet ouvrage. Il est enseignant-chercheur, membre senior de l'Institut Universitaire de France depuis 2007, titulaire de la chaire Musique Cognition Cerveau.
Personne n’est insensible au pouvoir de la musique. Nous passons en moyenne plus d’une heure par jour à en écouter. Car notre cerveau établit un pont entre son et émotion.
2. La musique : un langage universel ?
La musique et le langage sont des traits humains universels. Toutes les cultures produisent de la musique et y sont sensibles.
3. Vous avez l’oreille musicale !
L’importance des activités musicales dans les civilisations humaines témoigne d’un paradoxe : La musique n’a pas de fonction biologique précise et ses éléments de base ne se réfèrent à aucun objet ou évènement réel. Pourtant, elle a des effets considérables sur l’être humain et sur son cerveau.
4. Les émotions musicales
Qui n’a pas ressenti des frissons en écoutant le Requiem de Mozart ou une de ses musiques préférées ? La musique exerce un effet profond sur l’être humain bien au delà des sphères restreintes des mélomanes cultivés.
5. La musique adoucit les moeurs
Sans stress, la vie serait une sinécure. Malheureusement le stress est omni- présent. Vous vous souvenez sans doute d’une réunion de travail qui s’est mal terminée. Après cette journée de travail difficile, vous n’avez pu oublier vos soucis. Puis vous avez mis un morceau de musique. Progressivement, vous vous êtes détendu et une sensation de bien-être vous a envahi.
6. La musique qui panse les neurones
La musique change de statut. Si elle reste un moyen sans égal d’éprouver des émotions intenses, elle est de plus en plus étudiée comme un remède potentiel pour diverses maladies.
7. La musique rend-elle intelligent ?
La musique améliore-t-elle les capacités cognitives ? Aujourd’hui, les sciences cognitives donnent une réponse claire : Oui !
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8. Pratique musicale et plasticité du cerveau
Pendant longtemps les neurobiologistes ont cru - à tort - que les connexions neuronales se stabilisaient au cours de l’enfance et qu’après elles ne bougeaient plus. Et puis ils ont découvert la plasticité cérébrale.
9. La musique contemporaine stimule-t-elle l’intelligence de demain ?
Pour la plupart d’entre nous, la musique est un magnifique divertissement qui agrémente nos activités quotidiennes et nos relations sociales. Se réduit-elle pour autant à cela ?
10. La musique contre les troubles de la mémoire
La musique renforce la mémoire et les réserves cognitives, précieuses pour lutter contre les effets du vieillissement normal. On a même découvert que des personnes atteintes de la maladie d’Alzheimer peuvent encore mémoriser de nouvelles mélodies.
11. Du rythme pour marcher à nouveau
Continuer à marcher en dépit de la maladie de Parkinson, après un accident vasculaire cérébral ou malgré le vieillissement : la musique le permet quand on l’adapte à la personne concernée.
12. Stimuler le langage par la musique
La musique - et en particulier le rythme - redonne parfois la parole à ceux qui l’ont perdue. Elle semble aussi améliorer certains troubles du cerveau associés à la dyslexie, ainsi que les compétences linguistiques des enfants sourds.
13. Soigner avec les émotions musicales
Les émotions musicales résistent aux troubles de la mémoire. Dès lors, les neuroscientifiques cherchent à en décoder les mécanismes afin de les utiliser pour prendre en charge les malades atteints de pathologies neurologiques ou psychiatriques.
[musique et cerveau] l'interview vidéo d'Emmanuel Bigand
En conclusion
Si vous êtes musicien, professeur de musique, musicien-intervenant ou encore enseignant, éducateur, coach, formateur ou tout simplement parent, je vous conseille fortement de lire ce livre pour en savoir plus sur votre musique et votre cerveau.
On le trouve dans toutes les bonnes librairies ou sur Amazon en livre papier ou en format kindle.
Emmanuel Bigand - Les bienfaits de la musique sur le cerveau
Bien plus qu'un micro usb pour enregistrer votre voix parlée, le Mikme est aussi un excellent micro de studio, un enregistreur numérique autonome et un micro sans fil pour enregistrer en vidéo sur ipad ou iphone. Pour tous ces usages, le Mikme excelle avec une qualité de son professionnelle et rivalise avec le haut de gamme.
Enregistrer en mobilité
Un concept révolutionnaire, celui par excellence de l'enregistrement numérique en mobilité. Ce petit cube noir est très discret, léger . On peut le poser partout : sur une table, sur un pied photo ou un pied de micro.
Le transporter dans sa poche. Une fois sa batterie chargée, il fonctionne en autonomie pendant environ 5h.
Si vous enregistrez des vidéos avec votre iphone ou avec votre ipad, c'est le compagnon rêvé pour une qualité de son professionnelle. Avec son app gratuite, vous allez le coupler très simplement par bluetooth avec votre iphone ou votre ipad (bientôt disponible aussi sur androïd), donc sans fil et pouvoir ainsi le placer où vous voulez pour avoir un son impeccable et faire tous les réglages à distance.
Vous pouvez aussi enregistrer successivement plusieurs pistes : pour un musicien, c'est la plus petite configuration multipistes, un tout petit studio de maquettes dans la poche pour composer, noter vos idées n'importe où.
Les différents réglages se font très simplement avec un unique bouton qui change de couleur selon la fonction recherchée.
Une fois qu'on a assimilé le code à 5 couleurs, c'est très simple et très design. Les seuls qui seront déroutés sont toutes les personnes déjà expérimentées an audio, qui au début regretteront l'absence de vu-mètre et de boutons rotatifs, mais on s'y fait très vite.
Enregistrer au studio
Il fonctionne aussi en micro usb. Vous n'avez donc pas besoin d'interface particulière pour enregistrer dans votre logiciel audio ou video. Très pratique pour enregistrer vos podcasts, vos cours ou vos vidéos. Là encore la qualité est au rendez-vous : vous enregistrez le son en haute définition avec le même rapport signal sur bruit qu'un micro de studio connecté à une interface audio pro.
La partie capteur du Mikme est une excellente capsule à large membrane. Ce choix technologique des ingénieurs qui l'ont développé à Vienne garantit une qualité équivalente aux meilleurs micros de studio.
En même temps, on a écarté là toute velléité de stéréophonie. Et c'est tout à fait judicieux : mieux vaut un excellent enregistrement mono, qu'une stéréo approximative.
Rajoutons aussi que 95% des configurations d'enregistrement se font en mono. Les seuls usages qui justifient la stéréophonie sont le paysage sonore (field recording) et l'enregistrement de musique de chambre ou de grand orchestre. Là seulement un enregistreur stéréo du type Zoom ou plus professionnel encore surpassera le Mikme.
Mais si vous souhaitez faire des enregistrements stéréo professionnels, sachez que vous pouvez utiliser un 2ème Mikme et construire ainsi des couples stéréo classiques (xy, ab, ortf) car le Mikme est un micro cardioïde (directionnel).
Test comparatif : Neumann TLM103 contre Mikme
Nous l'avons osé : mettre en situation de test le TLM103 qui dispose de la capsule Neumann légendaire et cette nouvelle petite boite noire.
Le test portait sur l'enregistrement d'une guitare acoustique en simultané sur les 2 configurations de micro dans le logiciel Cubase. Côte à côte, les 2 micros sont face à la guitare (40 cm environ) et nous rentrons dans Cubase où nous enregistrons les 2 pistes simultanément en 24bits/ 48Khz. Ecoutez le résultat !
Neumann TLM103 > interface audio Motu Traveler - coût de la configuration : 1000€ + 600€ = 1600€
Mikme connecté directement en usb - coût : 389€
Vous avez bien écouté ? Qu'en pensez-vous ? Mikme est à la hauteur, c'est le moins qu'on puisse dire.
Mikme est équipé en interne d'une suspension aussi efficace que celle qu'il faut rajouter au Neumann pour éviter les bruits venant du sol. Aucune correction n'a été effectuée sur ces 2 prises, si ce n'est un filtre coupe-grave à 80hz, nécessaire en général avec ce genre de micros à large membrane.
En extérieur, il faudra rajouter une bonnette anti-vent comme pour tous les micros. L'équipe Mikme conseille le Movo WS-R30 Professional Furry Windscreen ou bien le Rycote Mini Windjammer ou tout autre bonnette prévue pour le Zoom H4 (20 à 30€).
En pleine évolution
Ce produit a été conçu par des ingénieurs ayant une grosse expérience professionnelle chez Sennheiser et AKG. Ils ont fonctionné en startup pour développer Mikme. Une levée de fond fantastique avec un énorme financement participatif sur Indiegogo.
Séduit par l'ambition du produit, j'ai personnellement tenté l'aventure en le précommandant à un tarif très intéressant. Dans ces cas-là, il faut être patient et c'est bien normal : l'équipe Mikme a mis plus de 2 ans pour sortir le produit qui est encore aujourd'hui en constante évolution.
Notamment la compatibilité androïd est annoncée : tout le marché de la mobilité (smartphones, tablettes) sera ainsi couvert.
Les points forts du Mikme
Mikme est un enregistreur audio de très grande qualité, mobile, autonome et polyvalent, pour l'instant compatible MacosX, Windows et iOs. Il est tout particulièrement recommandé pour tous ceux qui pratiquent :
le podcast audio
la vidéo sur le web
les cours en Elearning
le home studio
et même le studio professionnel
depuis juillet 2018, un kit très complet d'accessoires est proposé pour le Mikme.
Les améliorations possibles
la compatibilité androïd (déjà prévue par l'équipe de développement)
une version moins chère (elle existe maintenant)
une commande de niveau d'enregistrement plus pratique en mode micro usb
un manuel regroupant toutes les fonctions et manipulations ne serait pas de trop, en plus du Help Center en ligne.
En conclusion
Mikme est vendu 389 € (prix Thomann). Cela peut paraître cher, mais c'est très peu pour tout ce que fait avec brio l'appareil et il est vrai que beaucoup d'utilisateurs pourront couvrir très largement leurs besoins en économisant sur des appareils supplémentaires.
C'est donc un investissement très rentable pour tous ceux qui veulent avoir un son de qualité pro en toute simplicité, en mobilité ou en studio. Ce micro-enregistreur très innovant est sans doute le tout premier des outils audio du futur.
Comme d'habitude, je tiens à vous préciser que cet article n'est en aucun cas une publicité. Si je vous conseille cet appareil, c'est après l'avoir testé et même adopté pour enregistrer tous mes cours, mes vidéos et même des instruments acoustiques en studio.
L’égaliseur ou equalizer est l’outil principal de l’ingé-son qui lui permet de sculpter le son pour retirer les fréquences gênantes ou désagréables et booster celles qui vont mettre en valeur le timbre de tel ou tel instrument. Ainsi chaque instrument prend sa place dans le mix, c’est-à-dire dans l’ensemble du spectre des fréquences.
Notre ami Olivier Bessaignet est ingénieur du son, formateur-expert en techniques de studio et il anime le blog Monter son Home Studio. Il répond à votre questionnement dans un excellent article sur l'egaliseur que je vous conseille fortement :
Comment repérer les bonnes fréquences pour chaque instrument ?
Comment maitriser les equalizers pour améliorer vos mixes ?
Et il vous offre un Ebook en téléchargement gratuit : les Presets d'Egaliseurs Pour lire l'article
2 nouveaux synthés Moog : le Model 15 et le Model D , tous les 2 sur iPad. 2 synthés légendaires pour une bouchée de pain ! Après les 2 apps fantastiques Animoog et Filtatron, nous voilà donc potentiellement en possession d’une collection de 4 synthés fabuleux pour notre iPad.
L ‘équation est très simple. Model 15 : 29,99 € + Minimoog Model D : 14,99 € + Animoog : 29,99 € + Filtatron : 7,99 € = 82,96 €
Trop cher pour 4 apps ? Certes, mais très économique pour 4 synthés professionnels époustouflants..
Vous préférez les synthés d’origine en bois et en métal, avec les superbes gros boutons Moog et en série limitée ? Comme je vous comprends. Mais sachez qu’il va vous falloir débourser 10 000 € pour un Model 15 et 3 750 € pour un Minimoog Model D.
Et avec çà vous n’aurez ni Animoog, ni Filtatron, ni toutes les fonctions additionnelles présentes sur les apps pour iPad. Et réfléchissez bien : le Model 15 pèse 23 kg et le Minimoog 15 kg. Il vous faudra bien faire attention à votre dos et affréter une voiture pour les déplacer.
Alors si vous êtes musicien et dingue de musique électronique, je vous conseille les 4 apps pour votre ipad. Vous ne serez pas déçu ! Le gros son Moog et plus… pour seulement 82,96 € et aucun poids supplémentaire pour votre ipad …
Je sens venir votre objection : vous n’avez pas d’iPad. Pas encore ? Et bien c’est le moment, le nouvel ipad de base est en vente à 359 € . Et si vous êtes étudiant ou prof ou si vous prenez ou vous donnez des cours dans une école de musique, vous n’aurez aucun mal à obtenir le tarif éducation : 338 €
Faites le calcul vous-même !
Commençons par un petit tour rapide de ces 4 merveilles :
Animoog
Le tout premier Moog créé spécialement pour l’iPad est un coup de maître dont Bob lui-même, le défunt et génial fondateur de la marque aurait été fier (paix à son âme). Synthé polyphonique avec une librairie de sons complètement dingue et extensible.
La particularité d’Animoog est son clavier très particulier, qui vous permet de l’accorder dans la tonalité et la gamme que vous voulez en supprimant les touches que vous voulez exclure de votre gamme.
Une idée fabuleuse pour improviser librement, surtout si vous n’êtes pas un pianiste aguerri (comme moi).
Et j’ai pu constater que même les excellents pianistes se régalent sur Animoog grâce à cette fonction libératrice. Et sur ce clavier sensible verticalement et horizontalement, les possibilités d’expression en glissando sont énormes.
Mais lisez donc mon article détaillé sur Animoog : https://plansonore.fr/animoog-le-synthe-pour-ipad/. Avec sons, images, vidéo, j’y aborde aussi les extensions possibles et une utilisation très pertinente en éveil et formation musicale.
Filtatron
Là aussi, un petit coup de génie : un sampler « hot rod » avec l’excellent filtre résonant Ladder Filter et des effets de la marque.
Vous pouvez très simplement capter des sons au micro ou dans tout fichier audio stocké dans Music sur votre iPad.
Les superposer, mettre en boucle et les transformer. Une sorte de super looper pour la musique électro. A ne pas mettre entre toutes les mains …
Un article à écrire bientôt pour approfondir cette app assez magique, mais qui ne se laisse pas apprivoiser si facilement.
Model 15
Cette recréation sur iPad du synthé modulaire Model 15 enchantera les amateurs de grosses boites analogiques. Tout y est et Moog Music a même rajouté des fonctions qui n’existaient pas dans le synthé hardware d’origine :
Librairie de 160 presets préchargés et packs en option pour quelques euros
3 claviers : traditionnel, animoog (et oui !) ou ruban. Vous pouvez choisir et switcher entre les 3 en jouant.
Arpeggiator-sequencer à 8 notes. Ca décoiffe !
Delays, ring-modulation
Looping recorder !
Implémenté totalement en midi, comme chacune de ces 4 apps d’ailleurs
Et le son authentique est une fois de plus au rendez-vous.
Attention, il vous faut un ipad en 64bits, c’est à dire à partir de l’ipad Air. Pour ma part, je joue de ces 4 apps sur un ipad 2017 9,7 pouces de base : le son est vraiment top !
Minimoog Model D
Le légendaire Minimoog Model D, le tout premier synthé portable, fut inventé par Bob Moog en 1970 et il a révolutionné la musique électronique, le funk, le reggae, la techno … jusqu’à nos jours. Un monument et une véritable bête de scène !
Là aussi dans sa version ipad, le fabricanta rajouté de nouvelles fonctions :
Librairie de 160 presets préchargés et des packs à télécharger pour quelques euros
Polyphonie à 4 notes (l’original est monophonique)
Arpeggiator,
Enregistreur de boucles en temps réel
Effets : delays, bender
Regrets : ici pas de clavier animoog et le clavier traditionnel n’est pas redimensionnable.
Si vous allez sur le site web dela marque, vous trouverez toutes les caractéristiques techniques de ces 4 apps, des démos audio et vidéo.
Allez faire votre visite sur Le site web de la marque, c’est un véritable plaisir ! Le pélerinage pour tous les fans de musique électronique.
En conclusion
Je suppose que vous avez perçu mon enthousiasme. Sachez qu’il est total et 100% sincère. Comme d’habitude je vous rappelle que je n’ai aucun intérêt particulier à vous recommander tel app, logiciel ou appareil.
Et si je le fais sans aucune réserve pour ces 4 apps, c’est que ce sont de vrais instruments au son authentique et professionnel, pas des gadgets.
Je les ai chargées sur mon ipad et je joue sur ces synthés avec un plaisir énorme. Je les inclus couramment dans mes compos, mes performances et mes ateliers éducatifs.
. La console de mixage : Doit elle être analogique ou numérique ? Est elle encore même nécessaire en home studio ? Comment investir judicieusement dans un tel équipement ? .
En ce premier quart du 21ème siècle, beaucoup de discussions techniques, voire polémiques, reviennent dans les milieux du son et de la musique autour des technologies employées. Un de leurs sujets récurrents : la table de mixage.
Dans cet article nous allons tenter de clarifier le débat en commençant par reposer clairement les enjeux techniques pour en déduire des choix stratégiques pertinents.
Que fait-on sur une table de mixage ?
La définition Wikipedia :
Une table de mixage, aussi appelée pupitre ou console de mixage, est un appareil de traitement du signal audio se présentant sous la forme d’une console sur la face supérieure de laquelle sont disposés des organes de contrôle, servant à mélanger, dans des proportions déterminées par l’opérateur, plusieurs sources sonores (entrées, inputs) vers plusieurs destinations (sorties, outputs).
Quelques précisions
Les sources sonores à mixer sont chacune connectées à une piste d’entrée (input track), puis elles sont mélangées vers la ou les sorties de la table de mixage, généralement une piste stéréo (stéréo out ou master out) à laquelle on va connecter le dispositif d’écoute (monitoring) constitué au minimum de 2 haut-parleurs.
Mais on peut aussi envoyer les signaux sonores vers d’autres éléments, effets, retours… C’est ce qu’on nomme le routing du signal. Interne et/ou externe, ce dispositif de routing est composé des entrées et sorties de la table de mixage : inserts, sends, groupes, bus, sous-groupes, etc.
Quels sont les besoins dans les différents contextes ?
Sonorisation grande scène
Sur une grande scène, on veut pouvoir capter et mixer un grand nombre de sources sonores, instruments, voix et les mixer indépendamment pour le public en salle (sonorisation façade) et pour les musiciens sur scène (sonorisation retours).Typiquement, on aura besoin d’une grosse table de mixage comportant au minimum 24 voies d’entrée 8 sous-groupes et 2 sorties master : c’est ce qu’on nomme une console 24/8/2.
Mais bien sûr cela ne s’arrête pas là : les consoles de sono 32/16/2 sont souvent employées dans les grands évènements musicaux.L’ergonomie de cette table de mixage est très importante car le sonorisateur a besoin d’intervenir facilement et instantanément, en temps réel, en live sur tous les réglages.
Sonorisation petite scène
Petite scène, petite salle riment en général avec des effectifs sur scène moins importants. Voilà pourquoi la table de mixage standard sera plus compacte : très souvent une 16/4/2.Le nombre de paramètres accessibles instantanément est naturellement moins élevé, mais on est toujours dans la même logique d’utilisation.
Auto sonorisation
Dans le cas très répandu des tout petits clubs, des cafés-concert, des groupes se produisant sur scène par leurs propres moyens dans des tout petits évènements, les musiciens peuvent être amenés à devoir se sonoriser eux-même en plaçant une petite table de mixage sur scène sans sonorisateur.
Dans ce cas, il est évident qu’une table de mixage numérique programmable permet de réaliser cette auto sonorisation dans les meilleures conditions. Le mixage de chaque morceau sera alors minutieusement programmé en répétition et un des musiciens sera en charge de rappeler la mémoire correspondante en début de chaque morceau.
Spatialisation
Des cas très particuliers de sonorisation spatialisée sur un plus grand nombre de haut-parleurs répartis dans l’espace de la salle existent en musique électroacoustique (diffusion sur acousmonium), dans des spectacles ou des installations multimédia. On utilise alors des tables de mixage plus atypiques qui comportent moins d’entrées, mais beaucoup plus de sorties pour diriger le signal sonore vers un grand nombre de haut-parleurs.
Studio pro
Dans un studio d’enregistrement professionnel, une grosse console trône au centre de la cabine de régie et permet à l’ingénieur du son et au producteur d’avoir au mixage tous les signaux sonores des différents instruments littéralement sous les doigts. Dans un grand studio la table de mixage est en général une 32 ou une 64 voies.
Comme nous allons le voir elle peut encore être analogique, mais le plus souvent elle sera numérique pour permettre d’automatiser un certain nombre de réglages et de comportements.
Home studio
Le petit studio de création sonore et musicale appartenant le plus souvent à un musicien ou à un producteur, lui permet d’être plus autonome dans les étapes de recherche et de composition. Il peut ainsi disposer de plus de temps de conception sans louer un grand studio onéreux.
L’équipement audio ayant considérablement progressé, de plus en plus d’albums ou de réalisations audio sont même menées à terme de bout en bout dans ce genre de studios. Ceci suppose des stratégies de production différentes, mais pas nécessairement de sacrifier la qualité des réalisations.
Quelles différentes technologies sont employées ?
Analogique
Une console traditionnelle ne comporte que des réglages manuels. La qualité de fabrication de son électronique est alors primordiale et c’est son atout majeur. Si elle a de très bons préamplis pour les micros, la qualité du signal sera préservée.
Les tables de mixage professionnelles de grande marque ont aussi la réputation d’avoir chacune une personnalité sonore bien particulière. C’est leur principal atout.
Leur point faible : pas ou peu d’automatisation, de programmation possible.
Numérique
Une console numérique va fonctionner un peu différemment les signaux sonores entrants vont être numérisés. Les traitements à l’intérieur de la console, ainsi que ses commandes sont informatiques et pourront donc facilement être automatisés, programmés numériquement.
Le son sera ainsi enregistré numériquement dans un logiciel qui permettra de réaliser le mixage sans forcément utiliser la table de mixage.
Virtuelle
Une console de mixage virtuel n’est pas un appareil physique, matériel (hardware). C’est une application software qui permet de router tous les signaux sonores, de les traiter, de les mixer en numérique dans l’ordinateur. Cette table virtuelle fait alors partie intégrante du logiciel de production audio.
On utilise dans ce cas des outils visuels et de programmation à l’écran qui peuvent être manipulés autrement. Les gestes de l’ingénieur du son sont alors considérablement modifiés, même si les résultats obtenus sont fondamentalement les mêmes.
Quelques idées reçues et fort répandues
Analogique versus Numérique
L’apparition de l’enregistrement numérique au début des années 90 a provoqué un électrochoc chez les professionnels suivi de plusieurs secousses secondaires dans les années qui ont suivi et dont les résurgences sont encore loin d’être épuisées.
Deux facteurs importants de polémique tendent encore à s’opposer au numérique.
Le plus important est sans doute la résistance au changement des professionnels eux-même et qui avec le temps se transforme en nostalgie, en ce fameux poncif du « de nos jours tout fout le camp et que c’était mieux avant ».
Et le deuxième est en quelque sorte une légende qui va dans le même sens et qui vient des débuts du numérique balbutiant où les ingénieurs et les producteurs n’avaient pas encore l’expérience de cette nouvelle technologie et ne savaient pas encore s’en servir : le son numérique serait moins bon que l’analogique.
L’image des grosses consoles
Les grosses tables de mixage ont une aura mythique. L’image, la vitrine d’un grand studio est en quelque sorte sa grosse console de mixage. Elle impressionne très favorablement le client, le met en confiance et elle va influencer considérablement son écoute.
Bon nombre de studios notamment ceux qui travaillent pour la pub pourraient se passer d’une grosse console en cabine. Ils ne l’utilisent quasiment pas. Mais elle est là, de l’aveu même des propriétaires de ces studios, pour l’image du studio et justifier les tarifs élevés facturés au client.
D’une manière générale et pour simplifier le problème, disons que cette image mythique est largement surévaluée et toujours assez subjective.
De la nécessité d’utiliser une table de mixage
Les vrais professionnels sont rares, ceux qui peuvent légitimement revendiquer le titre d’ingénieur du son parce qu’ils en ont les connaissances, l’expérience, les compétences et le talent. Dans une écrasante majorité des cas, ils n’utilisent pas la table de mixage dans l’étape de la prise de son.
Tous accordent une importance primordiale au choix et au placement des micros : le son prélevé par le micro doit être naturel et respectueux de la source. Le chemin du signal doit être le plus direct possible du micro à la piste d’enregistrement.
Reste alors l’usage de la console pour mixer et réaliser le produit final. Mais force est de constater que dans la plupart des cas, on a la possibilité de nos jours de mixer le produit final directement dans le logiciel, sans ressortir de l’ordinateur.
Dès lors la table de mixage numérique a tendance à se transformer en une simple télécommande du logiciel. Et le fait de rester dans le domaine numérique permet de préserver la qualité initiale de l’enregistrement.
Mais dans ce cas, la console devient véritablement facultative. Ce mode de mixage devient virtuel, beaucoup plus souple et intuitif. Il permet d’essayer très facilement des options différentes et de gagner du temps technique qu’on pourra consacrer à la création.
Les outils les plus importants dans la production musicale et sonore
Au contraire, les deux catégories d’outils les plus importants dans la production et la réalisation audio restent sans aucun doute : les microphones et les haut-parleurs. Ils permettent à l’ingénieur du son de capter les sons et d’écouter le résultat.
Tous les outils qui se trouvent dans la chaîne de production entre ces deux là, c’est-à-dire entre l’entrée et la sortie sont en fin de compte secondaires. Certes il convient de les maitriser, mais le point fort d’un très bon ingénieur du son reste toujours son oreille. C’est elle qui lui permet de placer le micro là où il faut et c’est elle aussi qui lui permet de contrôler et d’évaluer son travail de réalisation sur les haut-parleurs.
Les facteurs budgétaires
Sonorisation
Comme nous l’avons vu précédemment, en sonorisation, les tables de mixage sont de tailles très différentes et proportionnelles à celle des évènements sonorisés.Une petite console professionnelle 16/4/2 de bonne qualité coûte environ 1 500 €.
Une grosse console 32/8/2 se situe dans une fourchette de 5 000 à 15 000 €. Peu de différence de prix entre console analogique et numérique. On peut donc espérer avoir une qualité légèrement supérieure à prix égal pour une analogique.
Mais attention toutefois aux effets de marque qui peuvent être très subjectifs, mais aussi à la qualité très variable de la fabrication des tables de mixage.
Studio
Une grosse console de studio 32/8/2 peut être elle dans une fourchette de prix plus resserrée. Le haut de gamme est plutôt la norme, car on va chercher la qualité optimale des composants, de la conception et de la fabrication. 10 000 à 25 000 €.
On voit que pour un studio, la table de mixage est un investissement important qu’il faut pouvoir amortir rapidement. Car la course à l’armement est aussi la règle dans ce domaine et peut faire la différence avec la concurrence, tout au moins dans l’esprit des clients qui se sentent faussement en sécurité quand il peuvent voir dans la cabine une grosse table de mixage.
Home studio
En home studio, on dispose par définition d’un budget compté. Par conséquent on pourra faire carrément l’impasse sur une table de mixage.Une bonne table de mixage 8/2 vaut environ 500 €.
Dans ce contexte, à prix égal, il vaudra beaucoup mieux investir dans une interface audio de très bonne qualité avec un nombre de préamplis-micro limité à 4 par exemple. Il vaut mieux avoir moins d’entrées micro, mais de meilleure qualité.
Il ne s’agit pas forcément d’économiser de grosses sommes, mais d’investir utilement pour viser une qualité technique supérieure. Il vaut mieux avoir moins d’entrées micro, mais de meilleure qualité.
En conclusion
D’un point de vue purement technique, la table de mixage est loin d’être aujourd’hui un outil indispensable à la production musicale et à la réalisation sonore.
Les nouvelles technologies numériques nous permettent d’en faire avantageusement l’impasse dans le cas du home studio et du petit studio pro, sauf dans le domaine de la sonorisation et du gros studio commercial.
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Aujourd’hui je vous apporte le complément indispensable : Comment faire ?
Les 4 clés pour maitriser votre son sur le web
Clé No1 : Choisir les bons outils pour votre web audio
En matière d’équipement technique, quel qu’il soit, se pose inévitablement la question des outils :
Quel enregistreur ? Quel micro ? Quel logiciel ? Quels accessoires ?
Si vous effectuez quelques recherches, vous vous apercevez que le choix est presque infini, les caractéristiques précises des appareils, leur compatibilité sont souvent incompréhensibles et les prix peuvent varier de 1 à 10.
Alors c’est tout un travail que de budgétiser pour se doter de ce qu’il vous faut pour couvrir vos usages sans dépenser dans le superflu et selon vos moyens.
Le pire serait de dépenser dans des appareils ou des logiciels dont vous n’aurez pas besoin. Et on voit çà très souvent ! Beaucoup trop souvent !
Clé No2 : Apprendre à s’en servir
Comprendre le phénomène sonore, savoir placer correctement son micro, maitriser les fonctions de base d’un logiciel audio pour produire vite et simplement vos documents audio, savoir nettoyer, monter, mixer, gérer vos pistes son dans vos vidéos etc … Là encore si vous cherchez des tutoriels sur le web, il y en a plein, plus ou moins bien faits et ils ne tiennent pas compte des spécificités de votre activité, de votre web audio à vous.
Il faut donc là aussi un peu de méthode dans votre apprentissage pour gagner ensuite beaucoup, beaucoup de temps au bénéfice de votre activité.
Clé No3 : Adopter une méthode de travail efficace
Cela peut vous paraître un peu technocratique au premier abord, mais prenons un exemple : Réaliser un podcast tout simple avec votre voix, une ambiance musicale et un petit habillage, ce n’est pas une mince affaire.
Cela demande de s’organiser, d’avancer étape par étape, depuis la conception, l’écriture, la gestion des ressources, la réalisation proprement dite (enregistrement, montage, mixage, exportation) et enfin la mise en diffusion, la promotion.
Même si les moyens techniques sont assez légers, une bonne méthode de travail vous permettra de valider toutes ces étapes dans les règles de l’art afin d’obtenir un résultat de qualité professionnelle pour votre web audio.
Clé No4 : Produire simple : « less is more »
Et enfin la 4ème clé pour votre réussite audio, c’est produire simple, selon l’adage bien connu des créateurs et des designers : Less is More ! C’est à la fois le point de départ et le point d’arrivée de toutes les réflexions que nous venons d’avoir tout au long de ces 3 vidéos destinées à vous guider dans l’affinage de votre web audio. La boucle est bouclée !
Mais au fait comment traduire cette maxime anglo-saxonne ? Littéralement : « Moins c’est Plus ! ». Ce n’est pas très parlant.
Mais il existe un adage bien franco-français pour désigner l’inverse, en usage dominant dans toutes nos chères administrations et nos services publics, c’est : « Pourquoi faire simple alors qu’on peut faire compliqué ? » Vous voyez sans doute de quoi je veux parler ?
Mais il suffit d’inverser la proposition pour avoir une traduction assez juste de Less is More et ca donne çà : « Pourquoi faire compliqué alors qu’on pourrait faire simple ? »
Sur ces bonnes paroles, je vais vous quitter, mais auparavant …
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